Carta abierta de disculpas a Megan Fox

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Volvió Megan Fox al centro del ojo público. Desapareció por un tiempo y ahora, cómo convocada para absolvernos de nuestros pecados, hizo su regreso triunfal.

Pero, ¿qué fue lo que le pasó? La respuesta es, una vez más y por desgracia, misoginia. Porque no sé si recordarás la campaña de difamación que tuvo que atravesar Megan veinte años atrás.

En los medios se la trataba de pword, de mala actriz, de diva, de garca, incluso llegaron a decirle que era mala madre. Y todo porque fue hiper sexualizada por la industria desde muy joven.

Megan Fox en Transformes (2007)

Su reputación terminó de destruirse luego de que, durante una entrevista, dijera que el director de Transformers, Michael Bay, era como un dictador. Declaró que él se creía Hitler y que quería a todo el mundo siguiendo sus órdenes. Esa entrevista hizo que el mismísimo Steven Spielberg, productor de la saga, decidiera separarla de la producción y que los medios la trataran de desagradecida por no valorar a quien le había dado su carrera.

Así, lentamente, Megan Fox dejó de ser vista en el cine. Aunque participó en algunas películas más, en la mayoría fue un personaje secundario y después pasó a proyectos televisivos más pequeños.

Años más tarde salió a la luz una entrevista en donde Megan Fox le contaba a Jimmy Kimmel que Michael Bay la había hecho bailar abajo de un chorro de agua en bikini para una película. A todo esto, ella tenía 15 años.

«Es una especie de microcosmos de cómo funciona la mente de Bay», expresó la actriz. Kimmel le contestó: «Sí, eso es realmente un microcosmos de cómo funcionan todas nuestras mentes», entre risas.

Este fragmento de entrevista dio inicio a la campaña de disculpas públicas a Megan Fox en donde las redes sociales se llenaron de frases cómo “en una época la odiaba y no entiendo bien por qué”.

Antes de ir a quemarle la casa al director en cuestión, vamos a aclarar que, Megan explicó en su cuenta de Instagram que Bay no la había sexualizado en ningún momento. Que algunos detalles de los eventos se habían perdido, dándole un tinte perverso a la historia que no tenía realmente.

Sin embargo, sí confirmó que sufrió abusos a lo largo de su carrera pero que prefiere callarse y “dejarlos guardados en los recovecos fragmentados de su corazón”.

Si pasó o no pasó, el por qué Megan salió a defenderlo o qué la llevó a contar esa historia originalmente, no lo sabremos nunca. Lo que sí sabemos, es que Hollywood tiene la tendencia a engrandecer mujeres para después destruirlas.

La situación se daría más o menos así:

Una mujer socialmente atractiva entra en la industria. La ponen a trabajar en roles en donde interpreta a la femme fatale, la rompe corazones, la bomba sexual inalcanzable que todos quieren poseer. De a poco, con cada rol, la van encasillando en ese lugar. Su cuerpo y su vida se ven expuestos y sobreexplotados en los medios, en donde se discute si es muy linda, muy fea, muy joven o lo que sea.

Pero, llega un punto en el que ya «no nos sirve más». Porque apareció una más joven, porque envejeció, porque engordó, porque se mostró agresiva con alguien que no respetó su intimidad -insert paparazzis o periodistas- o, tal vez, porque no se quiso acostar con el director del momento.

Megan Fox en Jennifer’s Body (2009)

Otra variación puede ser que decide aprovechar el lugar de objeto sexual que le adjudicaron y entonces empieza a explotar su sexualidad para su propio beneficio. Y Dios no permita que una mujer sepa que está buena y lo use a su favor.

Ahí en todos lados comienza la persecución. Se analiza y critica cada centímetro de piel, cada paso que da, cada gesto que hace o palabra que dice. Así, la industria más los medios más los fans la tiran del pedestal en donde ellos mismos la pusieron.

Titular de revista en donde se habla de Britney y que tal vez es «muy sexy».

De ser “la mujer de los sueños” pasa a ser la histérica, la loca, la puta.

Exactamente esto vivió Megan, porque no nos olvidemos que su carrera arrancó cuando ni siquiera había alcanzado la mayoría de edad. Pero ya en todos lados la tildaban de “mujer fácil” (por no decir otra cosa).

Cuando participó en la película “Jennifer´s Body”, la gente llegó hasta escupirla cuando se la cruzaban. Contó que todos los productores con quienes trabajaba en el momento la tenían super sexualizada y que llegó a tener crisis psicológicas por lo que vivía.

No podía salir a la calle sin que la atacaran.

“Yo hablaba y decía ‘Hey, me está pasando esto y no está bien’. Y todo el mundo me decía ‘Andá a cagar, no nos interesa. Vos te lo mereces por cómo hablas, cómo te ves, como te vestís y por los chistes que haces”,

relató durante una entrevista con The independent.

La triste realidad es que, además de Megan Fox, tenemos que extender la lista de mujeres a quienes les pedimos disculpas.

Miley Cyrus twerking en los Mtv Awards (2013)

Porque Angelina Jolie, Britney, Cristina Aguilera, Madonna, Millie Bobbie Brown, Marilyn Monroe, Miley Cyrus y muchas más, vivieron exactamente lo mismo.

Entonces, la próxima vez que sientas el impulso de criticar a una mujer en base a algo que leíste en los medios, frená y preguntate ¿de quién es realmente la culpa?

Cómo el drama de Khloé Kardashian expuso estándares de belleza inalcanzables

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La tercera hermana del clan Kardashian armó otro revuelo en las redes por una foto filtrada, el uso de photoshop y una carta muy emotiva sobre lo mal que la pasa. 

Hace unos días una asistente de Khloé compartió una foto en donde ella está parada usando una bikini. El tema es que no estaba autorizada esta publicación. Simplemente porque no tenía ninguna edición (en realidad sí tiene, pero poco). Su equipo enloqueció e intentaron bajarla de internet porque a ella no le gustó cómo salió. En Twitter, obviamente, la mataron diciendo que era una pavada y que dejara de intentar ocultar cómo es su cuerpo. 

La foto de Khloé que se publicó por error.

Khloé hizo lo siguiente: realizó un vivo en donde mostró su cuerpo, sacó screenshots y armó un posteo con esas capturas. A eso le sumó un texto muy emotivo hablando sobre lo mucho que sufrió siendo la “hermana fea”, diciendo que ya no quiere adaptarse a los moldes de otros y que va a seguir subiendo fotos como se le cante. Lo terminó con un mensaje muy hermoso para sus fans. Recordándoles que son únicos y perfectos, que vivan su vida sin amoldarse y que lo importante es ser fiel a unx mismx.

Ahora, vamos por partes. 

Ser la “hermana fea y gorda” 

Desde que saltaron a la fama gracias al reality Keeping Up With The Kardashians, Khloé fue siempre comparada con sus hermanas. La juzgaban por ser más gorda que ellas, por ser diferente e incluso se llegó a decir que era adoptada. 

Familia Kardashian Jenner.

Uno de los problemas más grandes del mundo del espectáculo es la exposición constante. Los cuerpos y la vida de los famosos son tomados como debate público y eso tiene severas consecuencias en la salud mental. Nunca nada es suficientemente bueno. 

“Por más de diez años, en las fotos cada pequeña imperfección fue hiper analizada y se burlaron hasta del más pequeño detalle y todos los días el mundo me lo recuerda”,  

escribe KK en su posteo.

En una sociedad en donde la belleza y el físico de las mujeres se sigue considerando cómo el valor principal, la presión de cumplir esos estándares a rajatabla puede convertirse en una carga muy pesada para la salud mental

Pero -porque siempre hay un pero- las Kardashian son reconocidas por haber construido su imperio y su marca en base a sus cuerpos. Eso no es gratis. Todo tiene consecuencias. 

Hacerse cargo 

Lxs usuarixs viven bombardeadxs de imágenes de cuerpos alterados para encajar en un estándar de belleza que es casi imposible de alcanzar. Según un estudio realizado por la Escuela de Medicina de la Universidad de Pittsburgh, “las personas que más tiempo pasan en redes sociales tienen más problemas con su imagen y sus hábitos de consumo”.

“En el marco de querer lograr el cuerpo de esa modelo, los estándares de belleza y la perfección física que postulan las influencers de la moda o las costumbres aconsejadas por periodistas con alta tendencia fanática, aparecen rígidas inclinaciones alimentarias”, expresó la especialista en Nutrición Virginia Busnelli en una entrevista de Infobae.

No es la primera vez que las Kardashians son criticadas por publicar fotos extremadamente photoshopeadas. Sumado a esto, en varias ocasiones publicitaron productos para la pérdida de peso que luego se comprobó que generaban complicaciones médicas.  

Y sí, cada uno publica lo que quiere. Khloé Kardashian tiene la absoluta libertad de compartir todo lo que quiera. Eso no significa que deba hacerlo. El problema no es que ella haya bajado de peso. El tema es que no es honesta con el proceso ni en cómo es realmente su cuerpo y eso pone en riesgo a sus fans. Sabiendo que tiene una gran base de seguidores, debería ser más responsable con sus mensajes.

Uno de los tantos casos en donde Khloé llevó la edición un poco lejos.

El cuerpo que tiene hoy en día lo ganó gracias a horas de rutinas de ejercicio monitoreadas por especialistas, dietas estrictas administradas por profesionales y chefs privados, aplicación de técnicas cosmetológicas y cirugías plásticas. Es decir, le costó muchos dólares y muchas horas de su vida. Poder dedicarle plata y tiempo a tener un cuerpo que se adapte perfecto a los estándares sociales de belleza es un privilegio. 

No está mal que lo comparta, está mal que siga reproduciendo una narrativa dañina. No siendo honesta sobre su cuerpo ni sobre su forma de alcanzarlo. Porque no todas las personas tienen el mismo metabolismo, la misma contextura y mucho menos la misma cantidad de tiempo o plata que Khloé. Esto lleva a un ciclo de comparación, intento y frustración constantes que van minando el autoestima. 

La falta de responsabilidad a la hora de comunicar puede destruir más de una vida


Recomendaciones de FOMO

Quentin Tarantino: el grande multifacético del cine de Hollywood

Actualidad, Cine

La vida del director que popularizó la violencia irónica en la pantalla grande es mucho más que estar detrás de la cámara. En su cumpleaños, conocemos un poco más de sus comienzos y su trabajo. 

Quentin Tarantino: el grande multifacético del cine de Hollywood

Quentin Jerome Tarantino nació el 27 de marzo de 1963 en Knoxville, Tennesse, de su padre Tony Tarantino, un músico obsesionado con el alcohol, el juego y las mujeres y Connie McHugh, una adolescente de 16 años que tuvo que conformarse con ser madre soltera cuando Tony los abandonó. El director recibió la influencia del espectáculo desde su nacimiento, ya que su madre lo bautizó como Quentin en honor al personaje de Burt Reynolds en la serie La ley del revólver, quien en realidad se llamaba Quint Asper, pero gracias a la poca cultura de Connie quedó como lo conocemos hoy. 

Quentin y su mamá se mudaron a Los Ángeles unos años después, junto con su nuevo padrastro, Curt Zastoupil. Ya desde pequeño que su amor por el cine era evidente, pero la pasión le jugaba en contra: era un nene solitario, introvertido, tímido e incomprendido. Obsesionado con las historias que se proyectaban en la televisión en los 70s, se pasaba las horas imaginando nuevas, acompañado de su madre, quien lo llevaba al cine para ver películas para adultos y seguir fomentando su hobby. 

Quentin Tarantino: el grande multifacético del cine de Hollywood
A Quentin Tarantino le encantaba ver series de spaghetti western de pequeño, las que despertaron su pasión por la cinematografía.

Tarantino era un chico brillante, pero su inteligencia lo llevaba al aburrimiento. Connie dejó que abandonara el colegio unos años antes de terminar, con la condición de que consiguiera un trabajo. Sin sorpresas, el director comenzó su carrera en el mundo del arte; se anotó en la James Best Company Theater, una escuela que preparaba actores para la televisión. Para poder pagarla, trabajó por un tiempo dentro del rubro del porno: primero, como recopilador de noticias para un periódico de temática sexual; más tarde, como acomodador en una sala que proyectaba películas para adultos llamada Pussy Cat Movie Theater

A comienzos de los 80s, Quentin logró comprarse su primera cámara, una 8mm, con la que grabaría sus primeros films caseros. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en Video Archives, un local de alquiler de películas del cual el joven era un habitual concurrente. Aunque el salario era bajo, Tarantino disfrutaba la posibilidad de difundir su amor por el séptimo arte, y organizaba reuniones con los interesados para hablar de todo cine, pero sobre todo de la escena underground americana de la época, como el blaxploitation (cine de clase B protagonizado por la comunidad afroamericana).

El salto de Tarantino a la realización de películas ocurrió en 1987 con My Best Friend’s Birthday, un cortometraje que trataba, como dice el título, de un cumpleañero (Craig Hamman, amigo de Quentin) al cual su amigo (Quentin) le regala, nada más y nada menos, que una prostituta. Con ahorros suyos y de los amigos que participarían en la producción (doscientos dólares para ser exactos) trabajaron durante tres años en el proyecto, el cual tenían pensado presentar como tesina en la escuela de cine a la que concurrían. Pero nunca se concretó. La trama del corto luego pasó a ser el primer boceto de True Romance (1993), dirigida por Tony Scott y guionada por Tarantino. 

Pero Quentin Tarantino no solo construyó su fama por ser escritor y director (tiene bajo su brazo once títulos con los dos créditos), sino que también ganó algo de reconocimiento por su paso por el frente de las cámaras. Además de protagonizar el fallido intento de My Best Friend’s Birthday, participó reiteradas veces en los films de su gran amigo, el director mexicano Robert Rodríguez. 

La primera vez que trabajaron juntos fue en Desperado (1995), en la que interpreta a un cadete perteneciente a la mafia mexicana que va a hacer un mandado a un bar, y se roba la escena con un chiste que, al contarlo, genera intriga y risas a la vez. Más tarde, en 1996, protagonizó From Dusk Till Dawn junto con George Clooney, como Richard y Seth Gecko, un par de hermanos en la fuga después de robar un banco. Otra gran colaboración Tarantino-Rodríguez fue en Planet Terror (2007), en donde Quentin caracteriza a un militar corrupto que intenta aprovecharse de Cherry, una bailarina que pierde la pierna en esta película de ciencia ficción tan fantástica como todo lo que pasa por las mentes de la dupla icónica.

Quentin Tarantino en Desperado, de Robert Rodríguez.

Otros podrán concluir que la actuación de Tarantino en sus propias películas es lo más memorable. Aunque efímeras, las apariciones del director en sus cintas son memorables, ya sea por sus personajes hilarantes en algunos o por los finales trágicos que les confiere a otros. En Reservoir Dogs (1992) es Mr. Brown, parte del grupo de criminales que roban joyas, quien tiene una conversación muy efervescente acerca de Madonna con sus compañeros antes de efectuar el robo y luego desaparecer de la pantalla. Cuenta con roles más pequeños en Inglorious Basterds (2009) como el primer nazi escalpado, y en Django Unchained (2012), como un cowboy racista que trabaja para una compañía minera. Mas el papel más importante que se auto otorgó fue el de Jimmie Dimmick en Pulp Fiction (1994), dueño de la casa en donde Jules y Vincent (Samuel L. Jackson y John Travolta) se limpian luego de un “accidente” y comparten una riquísima taza de café con él en una escena comiquísima que mezcla enojo y humor. 

Quentin Tarantino: el grande multifacético del cine de Hollywood
Quentin como Jimmie Dimmick en Pulp Fiction, uno de sus papeles más memorables.

Quentin Tarantino es un amante del cine que trajo ideas originales y entretenidas, con un estilo único e irrepetible. Parece ser que sus películas son tan buenas que ni él quiere quedarse fuera de ellas. ¡Feliz cumpleaños!


Recomendaciones de FOMO

Moxie: marketing feminista que está mal pero no tan mal

Cine, Estrenos, Reseñas

La nueva ola del feminismo cobra cada vez más fuerza y, en una sociedad capitalista industrial, no sorprende a nadie que las marcas y las empresas se agarren de lo que puedan para vender más. Así es cómo tenemos remeras que leen “Girl Power” y “FEMINIST” puestas en las vidrieras de locales que sólo venden talle único.

Por esto, cuando Netflix publica una película sobre una adolescente que se rebela junto a sus amigas para denunciar el sexismo en el colegio, no es raro que surjan dudas. ¿Es realmente feminismo o sólo hicieron una película sobre esta temática porque vende?

Un punto para la película es que la directora, Amy Poelher, es mujer. Parece una trivialidad pero, es importante que una historia sobre empoderamiento femenino la cuente alguien que vivió las injusticias en carne propia. Distinta sería la cosa si un hombre viniera a contarnos lo que sufren las mujeres en el día a día, ¿no?

Amy Poelher en el set de grabación. FUENTE: Netflix

Moxie nos da los típicos elementos de una película que quiere evidenciar el patriarcado sacado en el que vivimos. Podemos ver mansplaining, condescendencia hacia las mujeres asumiendo que no saben lo que hacen o lo que sienten, burocracia que tapa el acoso, negación a decirle acoso al acoso, hombres interrumpiendo mujeres y cuando se les llama la atención dan vuelta las culpas, mujeres siendo tildadas de “emocionales” por expresar cosas que le molestan, y mucho más.

Aunque tampoco es que está todo perfecto y que Netflix se ganó el Premio al Aliadx Feminista del Año. La película tiene sus aspectos criticables. Entre ellos, la escena de la cena familiar. Sí, esa en donde Vivian le grita a su novio, a la madre y al novio de la madre y en donde toda su lucha por la igualdad queda cómo un capricho adolescente.

Pero cómo también tiene cosas buenas y acá no queremos pararnos de una en el lugar de haters, a continuación van un par de aspectos positivos a tener en cuenta.

Diversidad y representación o “por favor basta de hacer películas con todas personas que son iguales entre sí”.

Sí, la protagonista – Vivian- es una chica blanca hegemónica (osea, cumple con todas las características que conforman al concepto de belleza actual). Sin embargo, a lo largo de la película se muestran variedad de cuerpos, de etnias y de géneros. Partamos de la base que sus dos mejores amigas, Claudia y Lucy, son dos chicas racializadas. También podemos ver una chica con una discapacidad y también a CJ, una chica trans.

Pero no es que están puestas ahí sólo para cumplir “un cupo de diversidad”. Ninguna cumple un estereotipo de esos nefastos que estamos tan acostumbradxs a consumir en los medios. El personaje de la chica en silla de ruedas, aunque no aparece mucho, se nota que no está escrito para ser débil o para dar lástima. Todo lo contrario, ya que cada una de sus frases emana poder, independencia y fortaleza.

Vivian, (Hadley Robinson) y Lucy, (Alycia Pascual-Peña). FUENTE: Netflix

Así mismo, la mujer trans (que está interpretada por una actriz y activista trans = estrellita dorada para la película) no es “un chico disfrazado de mujer” cómo nos quisieron vender en otras películas. Está representada como una más del grupo y nos enteramos que es trans solo porque denuncia que no quieren respetar su cambio de nombre.

Lo más valioso de esto es que, cada personaje femenino está escrito con una personalidad definida más allá de su género, su color de piel o su cuerpo. Tienen profundidad y fuerza cómo seres humanos.

Por último, un detalle de oro, es que hay una girl band de punk rock compuesta por niñas de 12 años que cantan espectacular. Ver a pibas de esa edad tocando la batería o el bajo y saltando sacadas en un escenario es casi mágico. Honestamente, te hace llorar de orgullo por las generaciones futuras.

La banda de punk adolescente, «Linda Lindas».

Violencia hacia las mujeres ó “@directores dejen de romantizar las violaciones”

Si tuviéramos que hacer una lista con todas las películas o series que incluyen a una mujer “haciéndose más fuerte” después de ser violada o violentada por un hombre ó que tiene que vivir una revictimización constante, ¿cuantos blocks de hojas crees que necesitaríamos? Spoiler alert: MUCHOS.

Al parecer, para Hollywood la única manera de empoderar a una mujer es hacerla sobreviviente de un hecho horrible. En Moxie aparece una chica que fue víctima de, nada más y nada menos, el musculoso carilindo que tiene problemas para controlar sus impulsos: Mitchell Wilson. Pero la narrativa no la pone en lugar de pobre víctima, ni se regodean mostrando los signos de violencia ni en el juego de “le creemos o no le creemos”.

Emma, una porrista y ex del violento, denuncia de manera anónima que fue violada. Esto lo hace dejandole una nota a “Moxie”, la entidad feminista que se muestra a través de un fanzine que aparece en el baño del colegio. A partir de ahí, las chicas del grupo organizan y convocan a una manifestación en la puerta del colegio para mostrarle su apoyo.

Escena en donde Emma (Jospehine Langford) denuncia a su violador.

En medio del movimiento, Emma se para y cuenta lo que le pasó. Sin miedo. Sin vergüenza. Sin victimización. Sólo con enojo.

Ni una persona la cuestiona. Todas escuchan, le dicen que le creen y, cuando ella grita, todas gritan. Y nosotrxs, cómo espectadores, gritamos con ellas.

Pero la frutilla del postre es que, la directora Shelley, tras escuchar esto desde su oficina va inmediatamente al aula y se lleva al violador con ella. De esta forma, entendemos que sí o sí va a enfrentar consecuencias. Sin peros, sin excusas porque nadie pone en duda el testimonio de la chica.

Feminismo afrodescendiente o “es hora de darle crédito a quien se lo merece”

La película presenta como protagonista a Vivian, ya descrita arriba. Desde el comienzo vemos que no se cuestiona mucho, es una chica que acepta y baja la cabeza. Hasta que llega Lucy, una chica afrodescendiente y latina.

Lucy es una piba que quiere romper todo y con toda la razón. Es el primer personaje en marcar que hay cosas mal en el colegio. Es la primera que se refiere al acoso sin eufemismos, sin suavizarlo. Sabe expresar qué le molesta. Marca cuando la interrumpen, cuando la tocan sin su permiso. Ella sabe de lo que está hablando. Cuando Lucy aparece, Vivian se empiezan a cuestionar cosas y ahí arranca con la fanzine feminista.

Otro detalle no menor, es que las tres primeras personas en sumarse a la movida de pintarse estrellas y corazones en las manos para demostrar sororidad son chicas afrodescendientes. Esto no es casualidad, dice mucho de quienes mueven al feminismo en general y, en especial, en el contexto racista de Estados Unidos.

Los corazones y las estrellas simbolizan apoyo entre mujeres. FUENTE: Netflix

El feminismo no es blanco. El feminismo es interracial, interseccional y las mujeres afrodescendientes son una parte esencial en el mismo. Todas las mujeres racializadas lo son. En cuanto el movimiento social se incorporó a lo “mainstream”, se fueron lavando y silenciando las voces de aquellas mujeres menos privilegiadas que, paradójicamente, son las más importantes.

Si te interesa profundizar sobre activismo racializado, acá tenés más info para leer.

En fin, esta película es espectacular. Te da cosas para reír, para llorar, para gritar, para ir corriendo a abrazar a tu amigas y para salir a la calle a prender fuego cosas. Tomate dos horitas y mirala porque vas a terminar con la sensación de que podés con todo. Y sí, podés.


Recomendaciones de FOMO

Reseña de "Malcolm & Marie"

Reseña de «Malcolm & Marie»

Cine, Estrenos, Reseñas

Después de ver Malcolm & Marie en Netflix solo pude pensar en dos cosas: cómo esta película me hizo sentir por dentro; y que espero que esta sea una reseña que le guste a Malcolm. 

La nueva película de Sam Levinson hecha en cuarentena nos coloca en la casa de este matrimonio compuesto por Malcolm (interpretado por John David Washington), un director de cine que acaba de estrenar una película exitosa; y Marie (Zendaya), su esposa y actriz. Los hechos ocurren en una misma noche y, en mi opinión, esos son los mejores escenarios ya que el ambiente se carga de una tensión abrumadora. La película comienza con la pareja volviendo del estreno de la película y, lo que se espera que sea una noche para celebrar, termina siendo todo lo opuesto.

Reseña de "Malcolm & Marie"
Reseña de «Malcolm & Marie». DOMINIC MILLER/NETFLIX © 2021

La velada se convierte en una montaña rusa de emociones que lleva al espectador por los altibajos de esta pareja, la cual elige esa misma noche para revelar sus sentimientos más guardados. Con un guion profundo, que no recae (mucho) en lo pretencioso, logramos ver los lados más vulnerables y también oscuros de los personajes: sus deseos frustrados, arrepentimientos y errores. Él, egoísta y narcisista; ella, inestable y autodespreciativa. Sin mucho esfuerzo logramos ver la lucha de Marie con las drogas; los amores del pasado de Malcolm; y los conflictos que ambos tienen que provocan que juntos se vuelvan explosivos. Si hay algo que hay que reconocer de esta película es que te lleva a los lugares más crudos de los personajes.

Todo este proceso está acompañado de actuaciones sólidas tanto de Washington como Zendaya, que nos hacen pasar por momentos súper tensos y desgarradores a otros extremadamente cómicos y bizarros. La dinámica de esta pareja es caótica y los personajes actúan erráticamente, tomando desprevenido al espectador. Parece que no hay un solo momento de aburrimiento porque constantemente estamos expectantes a qué viene luego. Las pasiones irrumpen sin esperarlas y pueden desatar tanto un oasis como una tormenta. Constantemente, esta pareja se lleva al límite, diciéndose cosas impensadas de las cuales parece no haber ningún tipo de retorno. La escena en la que Malcolm humilla sin parar a Marie mientras toma un baño es un ejemplo de esto. Cualquier pareja se separaría luego de las cosas terribles que le dice, pero ellos encuentran la forma de seguir juntos. Ellos saben que no son perfectos y no intentan serlo.

Reseña de "Malcolm & Marie"
Reseña de «Malcolm & Marie». DOMINIC MILLER/NETFLIX © 2021

Sin embargo, llega un momento del film en el que parece que la historia se estanca. Los momentos de amor y odio comienzan a repetirse cíclicamente hasta el punto en el que se vuelve un poco predecible lo que está por venir. A su vez, el guion está lleno de monólogos que, si bien marcan momentos de pura pasión, pueden resultar algo abrumadores y excesivamente largos. Cuando Malcolm recibe una crítica (buena, dicho sea de paso) que no le gusta, Levinson dedica tres minutos ininterrumpidos a él monologando, lo que lo vuelve exhaustivo y provoca que no se preste atención al punto al que Malcolm quiere llegar.

De todos modos, hay que reconocer que, para ser una película hecha en medio de una pandemia y con todas las restricciones que ello implica, cumple su función. Levinson demostró que no necesita de los efectos de cámara ni las luces de Euphoria para tocar una fibra sensible en el público y llegar a los lugares más vulnerables. Además, siempre nos va a quedar en la memoria lo poderosa que se ve Zendaya peleando en un vestido de gala. 


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Entrevista exclusiva: Brian Hutchinson de "The Boys in the Band" y su experiencia al ser parte de esta pieza histórica

Entrevista exclusiva: Brian Hutchison de «The Boys in the Band» y su experiencia al ser parte de esta pieza histórica

Cine, Estrenos, Reseñas

Obligado a resguardarse en su hogar en East Hampton, Brian Hutchison se encuentra a varios kilómetros de Broadway, donde dos años atrás formaba parte del “revival” de la histórica obra de Matt Crowley llamada The Boys in the Band. Acompañado de un elenco compuesto enteramente por hombres gays y con dirección de Joe Mantello, la obra ganó un Tony Award en 2019 por mejor revival y este año estrenó su adaptación cinematográfica en Netflix.

Hace 52 años – cuando la obra debutó por primera vez – la historia de Crowley no tenía tanta visibilidad. En 1968, previo a la revuelta de Stonewall, The Boys in the Band tuvo que estrenarse fuera de Broadway – donde tuvo mucho éxito – porque retrataba la vida personas homosexuales y ese tipo de contenido simplemente no era aceptado por una sociedad que consideraba que dos hombres tomados de las manos era motivo suficiente para que fueran a la cárcel. 

El elenco está compuesto por Matt Bomer, Jim Parsons, Charlie Carver, Zachary Quinto, Andrew Rannells, Brian Hutchison, Robin de Jesús, Tuc Watkins y Michael Benjamin Washington

Afortunadamente, un año después de su estreno, la comunidad gay decidió enfrentar la opresión una noche de 1969 en un pub llamado Stonewall Inn. Brian recuerda el momento luego de una función en el que un hombre de unos 80 años, que había marchado en dicha revuelta, entre lágrimas le dijo “ustedes son la razón por la que marchamos”. Puesto que fue a partir de allí que comenzaron a conquistarse derechos hasta el día de hoy y que, gracias a la lucha de estas personas, Brian, siendo abiertamente gay, puede protagonizar una película sin el riesgo de perder su trabajo o ser aprisionado. 

De esta manera, The Boys in the Band cuenta la historia de siete amigos homosexuales que se juntan en la casa de Michael (Jim Parsons) para festejar el cumpleaños de Harold (Zachary Quinto). Sin embargo, el clima festivo cambia con la llegada imprevista de Alan (Brian Hutchison), el mejor amigo – supuestamente heterosexual – de Michael. Para Brian, su personaje es representativo de la sociedad de ese momento y esta obra se presenta como “una ventana a cómo era la vida en 1968 para las personas gays que no podían conectarse y que nunca creyeron posible tener ningún tipo de relación”.

Entrevista exclusiva: Brian Hutchinson de "The Boys in the Band" y su experiencia al ser parte de esta pieza histórica
Entrevista exclusiva: Brian Hutchison de «The Boys in the Band» y su experiencia al ser parte de esta pieza histórica. Foto: Netflix

Es así que, a través de este escenario simple, The Boys in the Band cuenta el relato desgarrador de una comunidad entera que luchaba por ser reconocida y, finalmente, libre. A través de los personajes – sus miradas y silencios – se puede ver la frustración y el dolor que sienten de no poder ser ellos mismos. Un sentimiento que toca a Brian de cerca porque recuerda ese dolor que sintió previo a “salir del closet”: “Recuerdo lo difícil que fue hablar de esas cosas y lentamente revelarles mi vida a mis amigos y familiares”. 

No obstante, fue ese dolor y esas experiencias que hicieron que este elenco compuesto por todos hombres gays sintiera una conexión como ninguna otra. “Siento que había un entendimiento porque todos pasamos por algo por lo que una persona heterosexual nunca va a pasar” explica Brian, quien con una sonrisa agrega: “Había como un lenguaje tácito. Sentí que había una compasión, una empatía y una generosidad que nunca antes había experimentado en un elenco”. 

A pesar de presentarnos un ambiente de muy alta toxicidad y conflicto, esta película deja al espectador con mucho que pensar y, definitivamente, da a la comunidad gay de hoy una enorme esperanza y una historia con la cual identificarse.

Pueden ver la entrevista completa a Brian Hutchison a través de este link:

Entrevista con Brian Hutchison

Recomendaciones de FOMO

Emily in Paris y una mala pasada para los franceses

Actualidad, Cine, Series

La nueva serie de Netflix protagonizada por Lily Collins causó revuelo por estereotipar a los ciudadanos de la urbe europea.

El 2 de octubre Netflix estrenó Emily in Paris, la serie acerca de una veinteañera que debe mudarse de Chicago a París para trabajar en una firma de marketing, en donde conocerá, además de la ciudad, el amor y los inconvenientes de la ciudad y su gente. Protagonizada por Lily Collins como Emily Cooper, el foco de la serie parece querer basarse en la belleza de la icónica metrópolis y sus paisajes, la moda y… los estereotipos franceses.

En sí, la serie puede ser muy divertida y perfecta para pasar el rato, ya sea por la duración de los capítulos (aproximadamente treinta minutos, ideal para esos momentos en los que no se tiene nada que hacer pero tampoco podemos ver una película entera) o por la trama leve que se presenta, por lo menos en esta primera temporada. Sin dudas la fotografía también llama la atención, y Emily genera en el espectador esa envidia de poder estar en un lugar desconocido y hermoso a la vez (¡sobre todo en pandemia!). 

La actuación de las estrellas, incluidas Lucas Bravo como Gabriel, el interés amoroso de Emily; Philippine Leroy-Beaulieu como Sylvie, la jefa un tanto escéptica que no está feliz con la llegada de la protagonista a su firma; Ashley Park como Mindy, la mejor amiga que ayuda a Emily cada vez que le surge un white girl problem o William Abadie como Antoine, un empresario dueño de una cadena de hoteles que pondrá en juego la relación entre varios personajes, es completamente digna de una serie como la nueva de Netflix. Algo dramática en los movimientos, con diálogos esperables con un tono levemente sexual en todo momento y desarrollo de los héroes, siempre para bien.

Emily in Paris y una mala pasada para los franceses
Lily Collins como Emily y Ashley Park como Mindy. Fuente: Netflix.

Pero por otro lado, el show recurre a demasiados clichés tanto de la pantalla chica como de la grande, lo que hace que Emily in Paris pueda parecer bastante banal y predecible en la mayoría de la resolución de los argumentos que se presentan. Sin spoilers, un claro ejemplo es la salida de una fiesta, en la que Emily está a cargo de un objeto valioso muy preciado, pero que, obviamente, está en las manos más peligrosas: una actriz tonta. Dicha actriz tonta se retira borracha y sin avisar de dicha fiesta, y Emily pierde la cabeza: no sabe cómo recuperarlo. ¿Quién viene al rescate? El príncipe azul, que la lleva en la parte trasera de su moto para recuperar dicho objeto preciado. Obviamente, Emily abraza a dicho príncipe azul por la espalda y esboza una sonrisa de satisfacción mientras se pierden en la ruta nocturna.

Emily in Paris y una mala pasada para los franceses

Sin embargo, el asunto más controversial que destacó a la serie en tan poco tiempo fue, en realidad, lo más negativo: se expone a los ciudadanos franceses como personas vagas, maliciosas, que no trabajan, que son malos con los extranjeros y se aprovechan de ellos, que sólo están obsesionadas con el sexo y engañan a sus parejas con cualquier individuo que camine y diga bonjour (entre otras cosas). 

Un aspecto muy extraño es la forma en que se presentan a los hombres franceses. Sin exagerar, todos y cada uno de ellos parecen salidos de unas vacaciones caribeñas, con dinero saliéndole de los oídos, y una especialidad en poner incómoda a cualquier persona del público con sus supuestas pick-up lines “románticas”, al estilo francés (lo cual parece ser sinónimo de erótico). Mire donde se mire, estos señores siempre estarán mirando de vuelta con ojos, mas que seductores, pervertidos. Más una sonrisa igual de macabra. 

Otras características que la serie les atribuye deliberadamente a los pobres franceses son, por ejemplo, el hecho de que no se bañen y que no les preocupa para nada la limpieza en general; que pueden ser snobs desagradables con los que no se puede compartir una visita al teatro para ver El Lago de los Cisnes; y que incluso se pone a las mujeres en una posición de inferioridad que hasta las mismas mujeres aceptan. Se entiende el punto.

En defensa de los parisinos, Emily también puede ser un personaje bastante irritable, que se queja de cualidades y circunstancias de una ciudad (y país) en la que ni siquiera sabe hablar su idioma, y a su vez trata de pertenecer usando boinas (que nadie más en París parece usarlas) y un traductor en su celular que parece salvarle las papas cada vez que intenta comunicarse con alguien. 

Emily in Paris y una mala pasada para los franceses
El uso y abuso de las boinas, Por Emily Cooper. Fuente: Netflix.

Volviendo a las boinas, discutamos el estilo de Emily: parece ser que el dress code se perdió en la traducción y la protagonista entendió que había que mezclar todos los colores, texturas y accesorios para estar a la moda, y se perdió las fashion weeks de los últimos cinco años. Pierre Cadault, diseñador de alta costura en la serie, no se equivoca mucho al no querer trabajar con ella luego de ver el colgante que llevaba en su cartera. Quizás es como Emily se vestía cuando vivía en Chicago, y sus combinaciones estrambóticas sean su marca personal, pero no concuerda con la mirada minimalista que se le da a la moda en una de las capitales más importantes. Incluso el resto de las mujeres de la serie demuestran la simplicidad de la paleta de colores que suelen elegir en la indumentaria, como en los casos de Sylvie o Camille.

Toda esta polémica desató varios comentarios de franceses desilusionados. Incluso una periodista francesa de Buzzfeed, Marie Telling, escribió un artículo enlistando todo lo que estaba mal con la serie. Algunos comentarios enojados de revistas lugareñas incluyen «reduce a los habitantes de la capital a viles snobs», «los franceses realmente no tienen el mejor papel: desagradables, decir no a todo» o mi favorita: «boinas. Croissants. Los camareros gruñones. Los conserjes irascibles. Los coqueteos incorregibles. Amantes y amantes. Cita un cliché sobre Francia y los franceses y lo encontrarás en Emily in Paris».

Será cuestión de esperar una segunda temporada para ver el progreso de los personajes y de la trama, pero por ahora queda disfrutar de un show que se apropió de una cultura para hacerla más “interesante”. 


Recomendaciones de FOMO

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Actualidad, Cine, Recomendados

Llegó octubre, llegó spooktober. Una lista de películas, una para cada día del mes, para que disfrutes del cine de terror que tan popular se vuelve hasta el mejor día: Halloween. 

Disclaimer: Las películas se presentan en orden cronológico, pero se puede elegir mirarlas de cualquier manera.

Psycho (1960)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Cuando la ladrona de bienes raíces Marion Crane se da a la fuga con un fajo de dinero en efectivo y espera comenzar una nueva vida, termina en el notorio Bates Motel, donde el gerente Norman Bates cuida de su madre que no puede salir de casa. El lugar parece peculiar, pero está bien… hasta que Marion decide tomar una ducha.

Rosemary´s Baby (1968)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Una joven pareja se muda a un infame edificio de apartamentos de Nueva York para formar una familia. Las cosas se vuelven aterradoras cuando Rosemary comienza a sospechar que su bebé no nacido no está seguro con sus extraños vecinos.

Night Of The Living Dead (1968)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Si no te asusta, ¡es porque ya estás muerto! Un grupo de personas intenta sobrevivir a un ataque de zombis sedientos de sangre mientras están atrapados en una granja rural de Pensilvania. Qué noche. 

A Clockwork Orange (1971)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

En una Gran Bretaña del futuro cercano, el joven Alexander DeLarge y sus amigos se divierten golpeando y violando a quien les plazca. Cuando no destruye la vida de los demás, Alex se desmaya con la música de Beethoven. El estado, ansioso por tomar medidas enérgicas contra los delitos juveniles, le da a un Alex encarcelado la opción de someterse a un procedimiento invasivo que le robará toda agencia personal. En una época en la que la conciencia es una mercancía, ¿puede Alex cambiar de tono?

The Exorcist (1973)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Regan MacNeil, una niña de 12 años comienza a adaptar una nueva personalidad explícita a medida que ocurren eventos extraños en el área local de Georgetown. Su madre se debate entre la ciencia y la superstición en un intento desesperado por salvar a su hija, y finalmente recurre a su última esperanza: el padre Damien Karras, un sacerdote atormentado que lucha con su propia fe.

The Texas Chainsaw Massacre (1974)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Cuando Sally se entera de que la tumba de su abuelo puede haber sido objeto de vandalismo, ella y su hermano parapléjico, Franklin, parten con sus amigos a investigar. Después de un desvío a la antigua casa de campo de su familia, descubren a un grupo de locos asesinos que viven al lado. Mientras el grupo es atacado uno por uno por Leatherface, dueño de una motosierra que lleva una máscara de piel humana, los supervivientes deben hacer todo lo posible para escapar.

Carrie (1976)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Carrie White, una adolescente tímida y con problemas que es atormentada por sus compañeros de la escuela secundaria y su madre fanáticamente religiosa, comienza a usar sus poderes de telequinesis para vengarse de ellos. Con una actuación estelar de Sissy Spacek, no te podés perder la original de las versiones que por ahí ya viste.

Suspiria (1977)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Del director italiano Darío Argento, uno de los reyes del cine de terror. Desde el momento en que llega a Freiberg, Alemania, para asistir a la prestigiosa Tanz Academy, la bailarina de ballet estadounidense Suzy Bannion siente que algo horriblemente malvado acecha entre los muros de la antigua institución.

Halloween (1978)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Quince años después de asesinar a su hermana en la noche de Halloween de 1963, Michael Myers escapa de un hospital psiquiátrico y regresa a la pequeña ciudad de Haddonfield, Illinois para volver a matar. ¿Qué mejor que ver Halloween durante el mes de Halloween?

The Shining (1980)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Una de mis favoritas, el clásico de Stanley Kubrick. Jack Torrance acepta un trabajo de cuidador en el hotel Overlook, donde él, junto con su esposa Wendy y su hijo Danny, deben vivir aislados del resto del mundo durante el invierno. Pero no están preparados para la locura que acecha en su interior. 

The Evil Dead (1981)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Cuando un grupo de estudiantes universitarios encuentra un libro misterioso y una grabación en la vieja cabaña en el desierto que han alquilado para el fin de semana, sin saberlo, desatan una fuerza demoníaca del bosque circundante.

The Thing (1982)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

En la Antártida, un grupo de científicos de investigación estadounidenses son molestados en su campamento base por un helicóptero que dispara contra un perro de trineo. Cuando salvan al perro, ataca brutalmente tanto a seres humanos como a los caninos del campamento y descubren que la bestia puede asumir la forma de sus víctimas. 

Poltergeist (1982)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Steve Freeling vive con su esposa Diane y sus tres hijos, Dana, Robbie y Carol Anne, en el sur de California, donde vende casas para la empresa que construyó el vecindario. Comienza con algunos sucesos extraños, como platos rotos y muebles que se mueven solos. Sin embargo, cuando se da cuenta de que algo verdaderamente malvado acecha su hogar, Steve llama a un equipo de parapsicólogos dirigido por el Dr. Lesh para que lo ayuden antes de que sea demasiado tarde.

A Nightmare On Elm Street (1984)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Los adolescentes de una ciudad están cayendo como moscas, aparentemente presos de la histeria colectiva que provoca sus suicidios. La hija de un policía, Nancy Thompson, rastrea la causa hasta el abusador de menores Fred Krueger, quien fue quemado vivo por padres enojados muchos años antes. Krueger ha vuelto ahora en los sueños de los hijos de sus asesinos, reclamando sus vidas como venganza. Nancy y su novio, Glen, deben idear un plan para sacar al monstruo de las pesadillas.

The Silence Of The Lambs (1991)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Clarice Starling es una de las mejores estudiantes de la academia de formación del FBI. Jack Crawford quiere que Clarice entreviste al Dr. Hannibal Lecter, un psiquiatra brillante y psicópata violento, cumpliendo una vida en la cárcel por varios actos de asesinato y canibalismo. Crawford cree que Lecter puede tener una idea de un caso y que Starling, como una joven atractiva, puede ser solo el cebo para atraerlo.

The Blair Witch Project (1999)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Otra de mis preferidas. En octubre de 1994, tres estudiantes de cine desaparecieron en el bosque cerca de Burkittsville, Maryland, mientras filmaban un documental. Un año después se encontraron sus imágenes. Al parecer, la película que más miedo da es una historia verdadera.

Scream (1996)

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Un asesino conocido como Ghostface comienza a matar a los adolescentes y, a medida que aumenta el número de muertos, una chica y sus amigos se encuentran contemplando las «reglas» de las películas de terror mientras viven en una de la vida real.

Mulholland Drive (2001)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Betty Elms acaba de llegar a Hollywood para convertirse en una estrella de cine cuando conoce a una enigmática mujer con amnesia. Mientras parten para resolver la identidad de la segunda mujer, el cineasta Adam Kesher se encuentra con problemas siniestros mientras presenta su último proyecto.

The Others (2001)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Grace es una mujer religiosa que vive en una casa antigua a oscuras porque sus dos hijos, Anne y Nicholas, tienen una rara sensibilidad a la luz. Cuando la familia comienza a sospechar que la casa está embrujada, Grace lucha para proteger a sus hijos a cualquier precio frente a eventos extraños y visiones perturbadoras.

Saw (2004)

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La mejor de la saga es la primera. Obsesionado con enseñar a sus víctimas el valor de la vida, un asesino en serie sádico y trastornado secuestra a los moralmente descarriados. Una vez capturados, deben enfrentarse a elecciones imposibles en un horrible juego de supervivencia. Las víctimas deben luchar para recuperar sus vidas o morir en el intento.

Jennifer’s Body (2009)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

La porrista popular de la escuela, recién poseída por una banda de músicos, se convierte en una asesina que se especializa en hacerles pasar el peor momento a sus compañeros masculinos. ¿Podrá su mejor amiga acabar con el horror?

The Cabin In The Woods (2011)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Cinco amigos de la universidad pasan el fin de semana en una cabaña remota en el bosque, donde obtienen más de lo que esperaban. Juntos, deben descubrir la verdad detrás de la cabaña en el bosque. Rebuscada, a veces desagradable y con un giro inesperado. 

Creep (2014)

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Me encanta avisarles cuando me gusta mucho una película. Acá va otra. Al buscar trabajo, Aaron se encuentra con un anuncio en línea: “$ 1,000 por día. Servicio de filmación. Se agradece la discreción «. Con poco dinero en efectivo y lleno de ingenuidad, decide hacerlo. Conduce hasta una cabaña en un remoto pueblo de montaña donde conoce a Josef, su tema cinematográfico del día. Josef es sincero y el proyecto también lo parece, por lo que Aaron comienza a filmar. Pero a medida que avanza el día, queda claro que Josef no es quien dice, y sus intenciones no son tan puras.

It Follows (2014)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Después de que Jay, la adolescente despreocupada, duerme con su nuevo novio Hugh por primera vez, descubre que ella es la última receptora de una maldición fatal que se transmite de víctima a víctima a través de las relaciones sexuales. La muerte, aprende Jay, se arrastrará inexorablemente hacia ella como amiga o como extraña. Los amigos de Jay no creen en sus desvaríos aparentemente paranoicos, hasta que ellos también comienzan a ver a los asesinos fantasmas y se unen para ayudarla a huir o defenderse.

What We Do In The Shadows (2014)

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Como para agregar un toque de humor a la cuestión. En esta película escrita, dirigida y protagonizada por el genio de Taika Waititi, los compañeros de casa vampiros intentan hacer frente a las complejidades de la vida moderna y mostrarle a un hipster recién convertido algunas de las ventajas de ser un no-muerto.

Don’t Breathe (2016)

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Un grupo de adolescentes irrumpe en la casa de un ciego pensando que se saldrán con la suya con el crimen perfecto. Están equivocados.

Raw (2016)

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En la familia de Justine, todos son veterinarios y vegetarianos. A los 16 años, es una adolescente talentosa que está lista para cursar su primer año en la escuela veterinaria, donde también estudia su hermana mayor. Allí, no tiene tiempo para asentarse: las bromas comienzan de inmediato. Justine se ve obligada a comer carne cruda por primera vez en su vida. Las consecuencias inesperadas surgen cuando su verdadero “yo” comienza a formarse.

Get Out (2017)

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Chris y su novia Rose van a visitar a los padres de ella durante el fin de semana. Al principio, Chris interpreta el comportamiento excesivamente complaciente de la familia como intentos nerviosos de lidiar con la relación interracial de su hija, pero a medida que avanza el fin de semana, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes lo llevan a una verdad que nunca podría haber imaginado.

Hereditary (2018)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Cuando Ellen, la matriarca de la familia Graham, fallece, la familia de su hija comienza a desentrañar secretos crípticos y cada vez más aterradores sobre su ascendencia. Dirigida por Ari Aster, quien se está consagrando como el nuevo dueño del terror.

Midsommar (2019)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Otra de Aster, para probar su talento creciente. Varios amigos viajan a Suecia para estudiar como antropólogos un festival de verano que se celebra cada noventa años en la remota ciudad natal de uno de ellos. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar donde el sol nunca se pone, se convierte gradualmente en una oscura pesadilla a medida que los misteriosos habitantes los invitan a participar en sus actividades festivas inquietantes.

Parasite (2019)

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Mi última mejor recomendación. Sin ser una película de terror per se, las vueltas de Parasite dejan boquiabierto a cualquiera. Todos desempleados, la familia de Ki-taek tiene un interés peculiar en los ricos y glamorosos Parques para su sustento hasta que se ven envueltos en un incidente inesperado.

Desafortunadamente, el 2020 ya es una película de terror en sí mismo. Sálvese quien pueda. 


Recomendaciones de FOMO

Enola Holmes, entre lo clásico y la realidad de hoy

Cine, Estrenos, Reseñas

Netflix está teniendo grandes producciones últimamente, y viene salvando los viernes a la noche en aislamiento desde hace varias semanas. 

Esta vez fue el turno de Enola Holmes, la hermana de uno de los personajes más reconocidos de la historia de la literatura y el entretenimiento: Sherlock Holmes. Enola Holmes es una adolescente que, en la mañana de su cumpleaños número 16, encuentra que su madre, el amor de su vida, ha desaparecido. Junto con la ayuda de sus hermanos mayores, Mycroft y el reconocido detective Sherlock, deberán encontrarla tanto a ella como el motivo de su huida. Esto, sin librarse de algunos obstáculos y otros misterios por resolver en el camino.

Millie Bobbie Brown (Stranger Things) se pone en la piel de Enola para darle vida a un personaje con una personalidad bien definida, aunque un poco exagerada en sus líneas y movimientos. La actriz, de la misma edad que quien interpreta, es capaz de llamar la atención en todo momento, haciendo que la película se torne interesante (aunque sea un recurso ya bastante gastado) a través de la comunicación con los espectadores al romper la cuarta pared y hablarle directamente al público.

El resto del elenco está compuesto por caras también famosas, con Henry Cavill (Superman) como Sherlock Holmes, Sam Claflin (The Hunger Games) como Mycroft Holmes y Helena Bonham Carter como la madre de los hermanos. Una nueva cara es la de Louis Partridge, quien caracteriza a Lord Tewksbury, joven al que Enola debe salvar de un posible final trágico además de ser el interés amoroso de la protagonista.

Enola Holmes, entre lo clásico y la realidad de hoy

El vestuario, maquillaje y peinado se pueden destacar entre los mejores trabajos del film, sobretodo para el personaje de Enola, al lograr un balance perfecto entre una chica inteligente, ruda y lista para llevarse el mundo por delante; pero femenina, cómoda y a la moda, todo a la vez. La escenografía merece otro reconocimiento: los paisajes y edificios típicos de finales del siglo diecinueve encuadran excelentemente la historia y le agregan un toque romántico y novelesco a la película. La cantidad de extras que se utilizaron es remarcable, y se consigue una realidad que sumerge al espectador en las aventuras que se plantean.

Enola Holmes, entre lo clásico y la realidad de hoy

Pero lo que se alcanzó con estos aspectos se perdió un poco en el guion y la trama. A pesar de ser una buena película para pasar el rato, y que la historia encaje con la de Sherlock Holmes y la complemente de una manera favorable, hay varios elementos que se podrían haber insertado de una forma más intrincada, tratándose de una película que ahora forma parte de la saga del mejor detective. Enola se presenta como un personaje observador y perspicaz, pero a veces se le hacen las cosas muy fáciles como para pensar que una chica de 16 años pueda resolver tantas cosas en tan poco tiempo.

Una cuestión positiva son las temáticas que se tratan por debajo del argumento principal, como el feminismo o los cambios que se deben generar en una sociedad para mejor. Desde Eudoria, la madre de los Holmes, se proyecta un mensaje de levantamiento, rebelión y fuerza en una época en la que las mujeres tenían poco o nada de visibilidad y decisión sobre la vida pública y privada. Por otro lado, se presenta la cuestión del parlamento y las reformas por las que la civilización estaba transitando, con la mirada puesta en dejarle el lugar a los más jóvenes, quienes parece ser que ven los problemas con más claridad y apertura y realizar así una transformación positiva para su futuro.

Enola Holmes, entre lo clásico y la realidad de hoy

Estos asuntos resuenan en lo que pasa en la realidad actualmente, y aunque se hace un enfoque notorio, no se siente pesado en lo que es parte de la película y no quita importancia al hilo superior del film. 


Recomendaciones de FOMO

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Actualidad, Cine, Series
Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

En la noche de ayer, se trasmitieron, por primera vez, los Primetime Emmy Awards de forma semi-virtual para todo el mundo. La velada estuvo cargada de mensajes políticos, premiaciones inesperadas y entregas atípicas.

El año sigue avanzando y el coronavirus parece no dejar de interferir en los planes de todos, pero no parece ser un obstáculo para las premiaciones más importantes del mundo. En este caso, los Emmy Awards 2020. La ceremonia, al igual que en los últimos años, estuvo conducida por Jimmy Kimmel que no paro de hacer chistes durante toda la noche, algunos más graciosos que otros pero con un factor en común: no había nadie para reírse de ellos y eso generaba un poco de incomodidad para todos los que estábamos viendo la transmisión.

Sin embargo, hubo ocasiones en las que estuvo acompañado como cuando apareció Jennifer Aniston para presentar la primera terna. En ese momento, ocurrió uno de los momentos más graciosos de la noche, en la que una desinfección extrema de un sobre hizo que casi se prenda fuego el estudio del canal ABC. Luego, también ingresaron otros presentadores como Zendaya, Laverne Cox, Issa Rae y Athony Anderson, entre otros grandes nombres.

Este año especialmente había muchas – pero muchas – series que se repetían en casi todas las categorías y, aunque tal vez no hayan ganado los premios (aunque otras sí), nos dejan sólo un mensaje: hay que verlas. Estas son las series con más nominaciones y más premiaciones que deberías estar viendo para estar al día:

Schitt’s Creek

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Esta serie es una sitcom canadiense que cuenta la historia de la familia Rose. Ellos eran millonarios hasta que quiebran y son forzados a mudarse a un motel que habían comprado hace mucho para hacer un chiste. La serie existe desde 2015 pero recién ayer, por su sexta y última temporada, recibieron el mérito que merece y se llevaron 5 Emmys en las categorías más importantes de comedia de la noche.

La serie no está en ninguna de las grandes plataformas de streaming pero sí se puede buscar online de manera gratuita en sitios como Stremio 😉.

Succession

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Así como los de Schitt’s Creek se llevaron los premios más importantes de las categorías de comedia, Succession lo hizo en las de drama. Sin embargo, sería inadecuado clasificar esta serie, que inició en 2018, como sólo una serie de drama sino que es más bien tragicómica: combina los aspectos más aberrantes de las clases altas con comedia para que no los odiemos tanto y es justamente eso lo que la hace tan interesante. Es una lucha constante entre odiarlos y amarlos, una tensión que nunca termina de distenderse y esto logró que ayer reciban siete premios Emmys en total.

Está tampoco esta ni en Amazon Prime, ni en Netflix así que también vas a tener que recurrir a tus amigos de la web.

Watchmen

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Watchmen es una mini serie, con sólo nueve capítulos, que cuenta la historia de una heroína que lucha contra un grupo de supremacistas blancos que controlan las fuerzas de ciudad de Oklahoma. Esta inspirada en un comic de DC y, mezclando un poco con el mundo de superheroes y supervillanos, hace una constante critíca tambien a nuestra sociedad actual y problemas que están en la agenda norteamericana, principalmete el racismo. La serie ayer contaba con más de 26 nominaciones, una locura y se terminó llevando 12 en total, otra locura.

Rick and Morty

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Si para este momento todavía no viste ni un capítulo de Rick and Morty claramente la animación no es algo que te llame la atención. De todas maneras tenes que saber que la series animadas tienen cada vez más importancia en los premios televisivos y podemos esperar que en los próximos años más y más programas de este estilo se empiecen a producir. Este año el premio se lo llevo uno de los últimos capítulos de este serie de Adult Swim, llamado «The Vet of Acid» y le ganó así a otras grandes series como Bojack Horseman.

Si bien son todas de dibujitos, hay algo que queda claro con los nominados en este categoría: incluso siendo animados se pueden tratar temas humanos y profundos, como la muerte y la finitud de ella. Así que si te interesan un poco estos temas, el momento para incursionarte en este tipo de series ya llegó.

Discursos de agradecimientos: más políticos que nunca.

Las elecciones se están acercando en Estados Unidos y muchas de las celebridades norteamericanas no están para nada contentas con el oficialismo de Trump. Por esta razón, muchos de los discursos de ayer tuvieron algún tinte político, ya sea con alusión al movimiento Black Lives Matter y la poca acción del Estado para llevar políticas al respecto; o simplemente llamados a la votación.

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

«¿Cómo vamos a vivir y cuidar a nuestras personas más vulnerables? Hacemos eso con amor, compasión y luchando por ellos. Eso es lo que tenemos que hacer hoy, tenemos que unirnos por el amor que nos tenemos. Si tenes privilegios, tenes que luchar por aquellos con menos privilegios y eso es lo mejor de Estados Unidos, la diversidad» dijo Mark Ruffalo tras ganar el premio a mejor actor drámatico en mini serie, compitiendo contra grandes nombres como Hugh Jackman y el favorito de las redes Paul Mescal.

«Somos más fuertes juntos, cuando nos queremos a todos y respetamos nuestra diversidad. Tenemos un gran importante momento adelante de nosotros: ¿vamos a ser un país de división, odio y sólo para algunas personas, o vamos a uno de amor, fuerza y lucha por el sueño americano, de felicidad y libertad? A eso nos enfrentamos hoy, así que salga a votar», terminó.

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

«Se que parece un momento muy raro para estar celebrando pero sólo quiero decir que hay esperanza en los jovenes, aunque nuestro show no siempre sea una demostración de ello», dijo Zendaya al recibir su premio como Mejor Actriz en la categoría de drama, conviertiendose así en la mujer más joven y la segunda afroamericana en ganar en esta cateogoría.

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Uzo Aduba es una actriz que suele involucrarse mucho en las cuestiones políticas que atraviesan su país. No sólo en los papeles que elige caracterizar, como su gran personaje en la serie de Netflix Orange is the New Black y ahora en Mrs. America, sino que también en sus redes y en su discurso de agradecimiento en la noche de ayer. Para hacerlo, eligió usar una remera que dice «Breonna Taylor», una mujer afroamericana asesinada por policías en medio de las protestas de Black Lives Matter y dijo «vayamos a cambiar el mundo» para terminar su discurso, un claro mensaje que acompaña esa remera.


Recomendaciones de FOMO