Conocé a Liv.e y el soundtrack del fluir de la conciencia en ´Couldn't Wait to Tell You

Conocé a Liv.e y el soundtrack del fluir de la conciencia en ´Couldn’t Wait to Tell You

Internacional, Música, Reseñas

“Todos tienen una historia de amor, ¿cierto?/ Bueno, no todo el mundo. Pero todos tienen una historia” es lo primero que se escucha al poner play en el nuevo disco de Liv.e: ́Couldn’t Wait to Tell You. De esta manera, entramos en un mundo de historias, con sonidos particulares que fluyen en la mente de la artista norteamericana.

Liv.e es una productora y cantante de 22 años que viene haciendo ruido desde 2017 con F.R.A.N.K, un EP que te transporta al soul de los ‘70 en sólo siete canciones. Sin embargo, fue recién en 2018 con el lanzamiento de otro EP llamado HoopDreams, donde se mezclaban el funk con la frescura del hip-hop en una producción lo-fi, que músicos más jóvenes e influyentes empezaron a notar su potencial y a prestarle más atención. Uno de estos fue el rapero Earl Sweatshirt que, con un simple mensaje en Twitter, la invitó de gira con él y así la artista de Los Ángeles empezó a presentarse de telonera para uno de los artistas más importantes de la última década. 

De esta manera, llega Couldn’t wait to tell you, el primer álbum de estudio de Liv.e. Su estreno, al igual que el disco, fue bastante excepcional ya que fue lanzado oficialmente en la serie de livestreams que realiza Erykah Badu llamados “Quarantine Concert Series: The Apocalypse”. Ahí la icónica cantante presenta artistas que “comparten su sensibilidad” en un ambiente íntimo y psicodélico. 

Couldn’t wait to tell you es un proyecto sin género clasificable pero sí se puede ver en él una clara influencia del gospel, del soul, del jazz, del R&B y hasta una pizca de hip-hop y rap. Tampoco tiene un tema central pero sí hay un poco de amor, dolor, euforia y frustración. Liv.e, en este álbum, guía al oyente por el fluir de su conciencia durante 20 canciones y es en el primer corte, “What ‘s the real” que explica que para llevarlo en este viaje va a contar diferentes historias. Historias de amor, de personajes ficticios y sobre un secreto (no tan secreto): el amor que aprendió a tener hacia ella misma.

Conocé a Liv.e y el soundtrack del fluir de la conciencia en ´Couldn't Wait to Tell You
Conocé a Liv.e y el soundtrack del fluir de la conciencia en ´Couldn’t Wait to Tell You

Este proceso de autoconocimiento se hace visible en canciones como “Stories with Aunt Liv”. Ahí, a modo spoken word, cuenta que “la nueva y mejorada ‘mujer negra’ decidió empezar a perseguir los deseos de su corazón” mientras que los coros, que funcionan como la audiencia de esta historia, reaccionan a medida que el relato continúa.

Este deseo se empieza a concretar en diferentes canciones. “She’s my brand new crush” es una de ellas, donde canta sobre descubrir una nueva faceta de su sexualidad mientras que, de fondo, se escuchan melodías y sonidos que transportan a quien lo escuche a un sueño. También en “It’ll be okay”, donde abraza sus imperfecciones en una balada fantasiosa y dice “Soy solo humana/ Cometo errores pero aprendo de ellos” mientras que muestra un perfil más experimental, dejando que un teléfono descolgado suene de fondo. 

Más tarde, en “I Been Living”, canción que estrenó con un video nostálgico donde se la ve viajando sola en una carretera abandonada, Liv.e hace también un viaje al centro de su mente. Así, junto a melodías de piano hipnotizantes, coros angelicales y reflexiones universales, canta sobre sentir que su alma vive en la tierra hace muchos años antes de que ella la adoptara y, por eso, también siente inevitablemente el peso del universo y el paso del tiempo. 

How she stay conflicted…I hope he understands” es la canción que le sigue y en esta, mezcla elementos del underground soul con unas líneas de bajo muy grooveras para darle un cierre a este trayecto introspectivo. “¿No sabes que me he estado tomando un tiempo para mí? / A diferencia de lo que vos jamás hiciste” le canta su pareja para dejar un mensaje claro de esta idea que viene desarrollando: antes de amar a alguien, tengo que encontrarme y amarme a mi misma.

Al terminar de escuchar el álbum, podemos asumir que existió un proceso de búsqueda de amor propio que se logró concretar, pero esto no quiere decir que en el camino no se encontró con otros amores. En “How It Made Me Feel” le ruega a su pareja que le de cariño y presenta un sonido indie que también se encuentra en “LazyEaterBeatsOnHerLikeness”. En “Bout These Pipedreams” se vuelca hacia un R&B más alternativo y le pide a gritos a su pareja que la ame, con una voz que por momentos se asemeja a la de Brittany Howard. “About love at 21”, “You the One Fish in the Sea” y “SirLadyMakemFall” son canciones más alegres que combinan sonidos que escuchamos en el pop, más parecidos a The Internet o Kali Uchis y muestran a Liv.e enamorada observando la vida desde una perspectiva más positiva.

Con “Lessons From My Mistakes…but I Lost Your NumberLiv.e introduce nuevas reflexiones al disco. En la mitad de la canción deja de rapear, la instrumental jazzera deja de sonar y dice: “Sé que pensaste que la canción había terminado / Pero eso es incorrecto porque la vida sigue / Y la energía nunca muere, ¿verdad?”. Frases así y este tipo de interrupciones abruptas aparecen por todo el proyecto y hacen que el oyente nunca deje de sorprenderse. Por ejemplo, en “Moving on Felt Great and This Feels (good) Too”, que es una canción llena de euforia en la que suelta versos sin sentido, nos da a entender que está experimentando con alguna sustancia . 

To Unplug” y “Cut to the Chase”, por su parte, contienen en ellas críticas sobre la sociedad actual. La primera, con sonidos oscuros y cambios de ritmos constantes, reflexiona sobre la era de Internet en la que vivimos: “Por lo menos no estoy sola en el boliche”. Así, hace referencia a las imágenes que existen en las redes sociales, donde sólo se muestra el estar disfrutando, siempre en compañía y le dan la espalda emociones como la soledad. Mientras, en la segunda, crítica a las generaciones más grandes por dejarnos siempre los problemas a los más jóvenes: “El mundo sigue calentándose / Porque tiran sus preocupaciones / Lo viejo se vuelve más malo /Y el joven tiene que limpiarlo todo de nuevo”. 

´Couldn’t Wait to Tell You es un álbum sin precedentes. Un álbum hecho para personas jóvenes tanto en sus mensajes, que van desde el amor propio hasta el cambio climático. Por otro lado, en sus sonidos, que combinan toda clase de géneros para unirse a la idea de que la música tiene que dejar de clasificarse dentro de un solo estilo. Así, con la bendición de artistas como Tyler, The Creator, Erykah Badu y Earl Sweatshirt, que compartieron este proyecto en todas sus redes sociales, Liv.e va abriendo su camino en la industria de la música y encontrando un público que no puede dejar de escucharla


Recomendaciones de FOMO

Acalambradísimos con el nuevo disco de Nathy Peluso

Internacional, Música, Nacional, Reseñas

No existen reglas para una artista como Nathy Peluso: cualquier género le queda bien y este superpoder, que no muchos artistas tienen, lo aprendió a usar como nunca en su nuevo disco Calambre

Acalambradísimos con el nuevo disco de Nathy Peluso

Calambre inicia con “Celebré”, una canción que arranca con una sirenas acercándose como indicándonos que algo está por suceder; algo peligroso, que lo escuchamos lejano pero cuando inicia la música, sabemos que ya llegó.

Con una base de hip-hop que coquetea con el neo soul y hasta el trap en algunos momentos, en esta primera canción habla de su libertad. El largo camino en la música de Nathy le da una libertad que antes no tenía y eso le da la oportunidad de hacer el álbum con el que soñó toda su carrera, su vida.

¿Qué será de mi mañana? / Lo prendi todo esta noche para celebrar” canta en el estribillo de la canción, dejando en claro que celebra este álbum pero no sabe que va a pasar mañana, no sabe qué viene después pero nadie le saca lo bailado.

Una vez que expresa su felicidad e inseguridades arranca “Sana Sana”, una de las canciones con más poder de todo el disco. La mezcla de géneros continúa, que es algo que podemos atribuir a la mezcla cultural que tiene esta artista, que nació en Argentina y logró viajar por todo el mundo hasta llegar a España. Todos los sonidos y sabores de esta región son los que se manifiestan en sus canciones y este segundo tema no es la excepción.

El beat es moderno, agresivo y la letra tambien. “Sana Sana” es la primera canción en la que hace referencia a sus raíces argentinas con frases como “Argenta como la negra sosa” y bajadas de línea políticas que se refieren a la situación socioeconómica de nuestro país. Se enoja con el FMI, le grita que ni la toque, y habla de su clítoris sin vergüenza. Deudas y feminismo, dos cosas que se volvieron centrales en Argentina en los últimos años. 

En una canción con la misma potencia pero más vintage, que suena como un hit de hip hop de los 2000, en “Business Woman” va a volver a meter su impronta nacional con la utilización de palabras como “piola”.

Luego en “Buenos Aires” tambien canta sobre el lugar donde se crió, pero esta vez con nostalgia. El sonido y la letra, en la que se refiere al frío, la soledad, el domingo, la noche…hacen que el oyente extrañe un lugar que tal vez nunca hábito o que sí lo hizo, pero no sabía que extrañaba.

Además de la importancia que le da la artista a sus raíces, Nathy va a buscar hablar de su sexualidad con más detalle, son las canciones “Delito” y “Trío” en las que se va a referir a situaciones muy puntuales. En la primera, con una mezcla de R & B y hip-hop, va a contar que engañó a una persona que quería, simplemente no pudo evitar cometer el delito.

En “Trío” Nathy va a proponer, como indica el título, un trío a su pareja y a un amigo de su pareja. Pocas veces en la historia de la música escuchamos a una mujer haciendo una propuesta tan atrevida. No sabe a quién elegir entonces elige a los dos.

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2020 am gonna fff tu corazón ♥️

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Sin embargo, no siempre va a aparecer en control, sino que en “Llamame” la vamos a escuchar herida y lamentando que el que le gusta no la llame, con un sonido medio funky y vintage. Esto se le puede atribuir a la participación de Michael B. Nelson, el legendario arreglista de Prince, que da esa sensación de que estamos escuchando un cover de este artista.

Sugga” es otro de los temas en los que va a desarrollar la relación de la artista con el sexo. Para hacerlo, va a recurrir a un sonido parecido al que escuchamos en las canciones más bailables de Whitney Houston, pero el castellano sucio que usa la artista le va a dar un tono más latino y hasta salsesco a la canción, que luego llegará a su clímax en “Puro Veneno”; una canción que tiene como base el hip-hop pero es innegablemente una salsa y para lograr este sonido, Nathy trabajo junto a un profesional en el género: Ramón Sánchez.

El disco va terminando pero la experimentación y el menjunje de sonidos, no. “Amor salvaje” es una de las últimas, que inicia con un ritmo bailable pero que, a la mitad de la canción, se termina de convertir en un reggaeton, que hace bailar a quien sea que lo escuche. Luego, continúa “Arrorró”, que emula el sonido de un coro de misa; es una canción angelical, que invita a relajarnos después de tanto baile.

Acalambradísimos con el nuevo disco de Nathy Peluso

Para terminar con el disco, Nathy elige un tango. “Te olvidaste del olor de mi piel/ de los besos, de la noche, del placer/ te olvidaste de lo lindo de tocarme”, canta apropiándose de un género que es de hombres y argentinos pero ahora, Peluso lo toma y no duda en meterlo en un disco que combina culturas y sonidos. Elige cerrar con un tango que se transforma en un tema de hip hop. Cuando canta tango, habla en español pero cuando inicia la parte de hip-hop grita ”MOTHERFUCKING RAP” e inicia esta intervención moderna.

Nathy Peluso así vuelve a dejar claro que hace lo que quiere, cuando quiere, donde quiere, con la música que le gusta, sin guiarse por ninguna regla. “Después de escucharlo, notas algo diferente en tu energía, cuerpo o incluso aprendizaje. Es un calambrazo”, dijo en una entrevista refiriéndose a Calambre y, sin dudas, este disco es eso: algo tan diferente, con tantos matices que obliga al oyente a quedarse ahí, escuchando, un shock eléctrico tan fuerte que acalambra y no deja otra opción que perderse en la música de la artista.


Recomendaciones de FOMO

Los álbumes argentinos nominados a los Latin Grammys que deberías escuchar

Internacional, Lanzamientos, Música, Nacional

En esta edición de los Latin Grammys, artistas argentinos de diferentes géneros copan múltiples categorías. Pero no te preocupes, si todavía no te habías puesto al día con los álbumes, estas a tiempo de escucharlos.

La ceremonia se llevará a cabo el próximo 14 de noviembre y, como todos los años, será transmitida desde Las Vegas con la diferencia de que este año no se hara la entrega de manera presencial pues #Covid.

Así que, sin más preámbulos, las categorías en las que aparecen artistas nuevos (y no tan nuevos) argentinos:

Álbum del Año

YHLQMDLG — Bad Bunny

Oasis — J Balvin & Bad Bunny

Colores — J Balvin

Por primera vez — Camilo

Mesa para dos — Kany García

Aire (versión día) — Jesse & Joy

Un canto por México, Vol. 1 — Natalia Lafourcade

Pausa — Ricky Martin

La conquista del espacio — Fito Páez

Cumbiana — Carlos Vives

A Fito Páez lo amas o lo odias, no hay punto medio. Pero hay algo que es innegable y es su importancia en el rock nacional y su vigencia a través de los años; una vigencia que hace que hoy compita con los nombres más importantes de la escena latina actual, como J Balvin y Bad Bunny.

El disco con el que esta participando tiene algo de esa frescura necesaria para estar compitiendo con estos grandes nombres y posiblemente se le pueda atribuir a la participación de Lali y Mala Fama en dos canciones de La conquista del espacio. Más allá de eso, el álbum repite mucho de lo que solemos escuchar de Fito Páez hace ya muchos años pero no por eso deberíamos dejar de festejar que un artista tan importante de nuestro país siga apareciendo en estas premiaciones, incluso con un paradigma musical actual que ya no se rige con los mismos parametros que en los 2000, por ejemplo, cuando recibía su primer Grammy Latino por su álbum de estudio Al Lado del Camino.

Mejor Nuevo Artista

Anuel AA

Rauw Alejandro

Mike Bahía

Cazzu

Conociendo Rusia

Soy Emilia

Kurt

Nicki Nicole

Nathy Peluso

Pitizion

Wos

Bueno, en esta categoría hay algo que queda claro: ABRAN PASO A LOS ARTISTAS ARGENTINOS. De toda Latinoamérica, la Academia decidió que los mejores artistas nuevos están apareciendo en Argentina.

Cazzu es la jefa del trap, un género que no para de crecer y si bien tiene más años de carrera que los otros artistas con los que compite, su vigencia no parece extinguirse sino que esta más presente que nunca. Eso se le puede atribuir, en parte, a su último álbum Una Niña Inútil con el que mostró que no sólo sabe hacer trap sino que puede abrirse a el R&B y hacer algo más profundo.

Conociendo Rusia y su disco «Cabildo y Juramento» son la viva imagen del nuevo rock. Es una combinación del pop con la nostalgia del rock nacional, lo reinventa a su manera. Por eso, su aparición en esta categoría no es casualidad sino que viene a reforzar un mensaje: «el rock no esta muerto» sino que están apareciendo nuevas formas de él.

Nicki Nicole es otro de las grandes promesas, no sólo de nuestro país, sino de todo el continente. La artista sólo tiene 20 años y desde su BZRP Music Session no dejo de crecer. El video que ya tiene más de 111 millones de reproducciones le abrió paso a la industria y logró sacar un álbum entero, junto a varios singles que rompen todos los charts con cada estreno.

Nathy Peluso, al igual que Cazzu, no apareció ahora sino que ya tiene una carrera de hace unos cuantos años pero sí es verdad que la artista se reinventa constantemente y su último single «Sana Sana» es una clara evidencia de esto. Así que tiene sentido que aparezca en esta categoría.

Wos ya arraso en los Gardel, las premiaciones de nuestro país, y si bien se viene desempeñando hace muchos años en competencias de Frestyle, donde incluso tiene un título en la Red Bull, el artista se volcó de lleno en la música el año pasado y desde entonces ya sacó dos proyectos: su disco Caravana, que presento en dos Luna Parks llenos, y Tres Puntos Supensivos, un EP que captura muy bien la escencia cuarentenistica. La esta rompiendo en todo el mundo y su lugar en esta categoría esta más que merecida.

Mejor fusión/interpretación urbana

«China» – Anuel AA, Daddy Yankee, Karol G feat. Ozuna y J Balvin

«Hablamos mañana» – Bad Bunny, Duki y Pablo Chill-E

«Azul» – J Balvin

«Cántalo» – Ricky Martin, Residente y Bad Bunny

«Yo x ti, tu x mi» – Rosalía y Ozuna

Una de las más grandes sorpresas de este año fue la aparición de Duki en uno de los álbumes más importantes del año y de la historia del Raeggeton: YHLQSMDLG de Bad Bunny. La canción «Hablamos mañana» combina todo: trap, reaggeton y, por que no, rock. Así que esperemos que la participación de nuestro jefe del trap argentino se lleve el galardon por esta categoría ya que es de los artistas más vigentes de nuestra escena y su presencia en este álbum sólo puede ser descripta de una manera: épica.

Duki también aparece en la catorgía «Mejor canción de rap/hip hop» con su hit: “Goteo”, comíetiendo con “Antes que el mundo se acabe” de Residente; “Baile del dinero” de Anuel AA; “Kemba Walker” de Eladio Carrion y Bad Bunny; “Medusa” de Jhay Cortez, Anuel AA y J Balvin.

Mejor canción de rock

“Biutiful” de Mon Laferte

“Bola de fuego” de Chancho En Piedra

“Creo” de Eruca Sativa

“Mario Neta” de El Cuarteto de Nos

“Yo me lo merezco” de Santana con Buika

Eruca Sativa es una banda importantísima en la escena argentina, compuesta por Lula Bertoldi (la hermana de la ganadora del Gardel de Oro 2019, Marilina), Brenda Martin y Gabriel Pedernera. Este año sacaron un álbum muy especial, que combina una dulzura que no habían mostrado con el rock más pesado que los caracteriza. Una de las canciones más especial es «Carapazón» que inicia con un tierno mensaje del hijo de la vocalista y habla de la sensibilidad que se oculta dentro de todas las personas.

Por esta misma canción, tambien se encuentran en la categoría alternativa, compitiendo con Nathy Peluso con uno de sus mejores singles «Buenos Aires”.

Mejor canción alternativa

“Buenos Aires” de Nathy Peluso

“Caracoles”, Cultura Profética

“Carapazón”, Eruca Sativa

“Chilango Blues”, Mon Laferte

“En cantos”, iLe y Natalia Lafourcade.

Mejor álbum de música alternativa

“Sobrevolando”, Cultura Profética

“Disco estimulante”, Hello Seahorse!

“2030”, Louta

“Miss Colombia”, Lido Pimienta

“Ubicación en el tiempo real”, Barbi Recanati

Pocas cosas sorprendieron tanto como el lanzamiento de 2030, el álbum futurista y extraño de Louta. Hay sólo una certidumbre cuando hablamos de un artista como Jaime James y es que no podemos tomar nada por sentado. Louta hace lo que quiere y no es de regirse por las reglas que existen en la industia y su último álbum deja en evidencia esto más que nunca.

El disco fue grabado enteramente en cuarentena y fue producido por Eduardo Cabra, mejor conocido como Visitante, icónico productor de una de las bandas más importantes de todo Latinoamérica: Calle 13. Sin embargo, su trabajo junto a Louta no tiene nada en común con sus anteriores trabajos.

Ubicación en el tiempo real de Barbi Recanati es el primer álbum solista de la artista, un álbum esperadísimo luego de su separación con Utopians, la legendaria banda de punk argentino que se terminó luego de que acusen a uno de sus miembros de abuso. Barbi así se conviertió en una gran referente feminista de nuestro país, que estuvo dispuesta a separarse de una banda con mucha popularidad por esta situación que iba en contra de todo lo que ella creía y significaba una gran decepción por parte de un miembro de la banda que ella realmente apreciaba.

Pero su camino musical no se detuvo, sino que todo lo contrario, la impulso a hacer lo que se le canta. Armo una super banda, con Marilina como bajista por ejemplo y decidió que iba a mantener su espiritú punk pero presentando una nueva faceta de su vida, una en la que es madre y todas las sensibilidades que vienen acompañadas con esto. Ubicación en el tiempo real se estreno el 19 de marzo, día en el que se anunció la Aislamiento Preventivo y Obligatorio en nuestro país y sus siete canciones se han convertido en una gran compañía para sus fanáticos en estos largos meses.

Desde FOMO estamos muy contentos con la gran presencia de artistas argentinos en nuestro país y les deseamos las mejores de las suertes a nuestros artistas favoritos.


Recomendaciones de FOMO

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Actualidad, Cine, Series
Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

En la noche de ayer, se trasmitieron, por primera vez, los Primetime Emmy Awards de forma semi-virtual para todo el mundo. La velada estuvo cargada de mensajes políticos, premiaciones inesperadas y entregas atípicas.

El año sigue avanzando y el coronavirus parece no dejar de interferir en los planes de todos, pero no parece ser un obstáculo para las premiaciones más importantes del mundo. En este caso, los Emmy Awards 2020. La ceremonia, al igual que en los últimos años, estuvo conducida por Jimmy Kimmel que no paro de hacer chistes durante toda la noche, algunos más graciosos que otros pero con un factor en común: no había nadie para reírse de ellos y eso generaba un poco de incomodidad para todos los que estábamos viendo la transmisión.

Sin embargo, hubo ocasiones en las que estuvo acompañado como cuando apareció Jennifer Aniston para presentar la primera terna. En ese momento, ocurrió uno de los momentos más graciosos de la noche, en la que una desinfección extrema de un sobre hizo que casi se prenda fuego el estudio del canal ABC. Luego, también ingresaron otros presentadores como Zendaya, Laverne Cox, Issa Rae y Athony Anderson, entre otros grandes nombres.

Este año especialmente había muchas – pero muchas – series que se repetían en casi todas las categorías y, aunque tal vez no hayan ganado los premios (aunque otras sí), nos dejan sólo un mensaje: hay que verlas. Estas son las series con más nominaciones y más premiaciones que deberías estar viendo para estar al día:

Schitt’s Creek

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Esta serie es una sitcom canadiense que cuenta la historia de la familia Rose. Ellos eran millonarios hasta que quiebran y son forzados a mudarse a un motel que habían comprado hace mucho para hacer un chiste. La serie existe desde 2015 pero recién ayer, por su sexta y última temporada, recibieron el mérito que merece y se llevaron 5 Emmys en las categorías más importantes de comedia de la noche.

La serie no está en ninguna de las grandes plataformas de streaming pero sí se puede buscar online de manera gratuita en sitios como Stremio 😉.

Succession

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Así como los de Schitt’s Creek se llevaron los premios más importantes de las categorías de comedia, Succession lo hizo en las de drama. Sin embargo, sería inadecuado clasificar esta serie, que inició en 2018, como sólo una serie de drama sino que es más bien tragicómica: combina los aspectos más aberrantes de las clases altas con comedia para que no los odiemos tanto y es justamente eso lo que la hace tan interesante. Es una lucha constante entre odiarlos y amarlos, una tensión que nunca termina de distenderse y esto logró que ayer reciban siete premios Emmys en total.

Está tampoco esta ni en Amazon Prime, ni en Netflix así que también vas a tener que recurrir a tus amigos de la web.

Watchmen

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Watchmen es una mini serie, con sólo nueve capítulos, que cuenta la historia de una heroína que lucha contra un grupo de supremacistas blancos que controlan las fuerzas de ciudad de Oklahoma. Esta inspirada en un comic de DC y, mezclando un poco con el mundo de superheroes y supervillanos, hace una constante critíca tambien a nuestra sociedad actual y problemas que están en la agenda norteamericana, principalmete el racismo. La serie ayer contaba con más de 26 nominaciones, una locura y se terminó llevando 12 en total, otra locura.

Rick and Morty

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Si para este momento todavía no viste ni un capítulo de Rick and Morty claramente la animación no es algo que te llame la atención. De todas maneras tenes que saber que la series animadas tienen cada vez más importancia en los premios televisivos y podemos esperar que en los próximos años más y más programas de este estilo se empiecen a producir. Este año el premio se lo llevo uno de los últimos capítulos de este serie de Adult Swim, llamado «The Vet of Acid» y le ganó así a otras grandes series como Bojack Horseman.

Si bien son todas de dibujitos, hay algo que queda claro con los nominados en este categoría: incluso siendo animados se pueden tratar temas humanos y profundos, como la muerte y la finitud de ella. Así que si te interesan un poco estos temas, el momento para incursionarte en este tipo de series ya llegó.

Discursos de agradecimientos: más políticos que nunca.

Las elecciones se están acercando en Estados Unidos y muchas de las celebridades norteamericanas no están para nada contentas con el oficialismo de Trump. Por esta razón, muchos de los discursos de ayer tuvieron algún tinte político, ya sea con alusión al movimiento Black Lives Matter y la poca acción del Estado para llevar políticas al respecto; o simplemente llamados a la votación.

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

«¿Cómo vamos a vivir y cuidar a nuestras personas más vulnerables? Hacemos eso con amor, compasión y luchando por ellos. Eso es lo que tenemos que hacer hoy, tenemos que unirnos por el amor que nos tenemos. Si tenes privilegios, tenes que luchar por aquellos con menos privilegios y eso es lo mejor de Estados Unidos, la diversidad» dijo Mark Ruffalo tras ganar el premio a mejor actor drámatico en mini serie, compitiendo contra grandes nombres como Hugh Jackman y el favorito de las redes Paul Mescal.

«Somos más fuertes juntos, cuando nos queremos a todos y respetamos nuestra diversidad. Tenemos un gran importante momento adelante de nosotros: ¿vamos a ser un país de división, odio y sólo para algunas personas, o vamos a uno de amor, fuerza y lucha por el sueño americano, de felicidad y libertad? A eso nos enfrentamos hoy, así que salga a votar», terminó.

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

«Se que parece un momento muy raro para estar celebrando pero sólo quiero decir que hay esperanza en los jovenes, aunque nuestro show no siempre sea una demostración de ello», dijo Zendaya al recibir su premio como Mejor Actriz en la categoría de drama, conviertiendose así en la mujer más joven y la segunda afroamericana en ganar en esta cateogoría.

Emmys 2020: todo lo que tenes que saber

Uzo Aduba es una actriz que suele involucrarse mucho en las cuestiones políticas que atraviesan su país. No sólo en los papeles que elige caracterizar, como su gran personaje en la serie de Netflix Orange is the New Black y ahora en Mrs. America, sino que también en sus redes y en su discurso de agradecimiento en la noche de ayer. Para hacerlo, eligió usar una remera que dice «Breonna Taylor», una mujer afroamericana asesinada por policías en medio de las protestas de Black Lives Matter y dijo «vayamos a cambiar el mundo» para terminar su discurso, un claro mensaje que acompaña esa remera.


Recomendaciones de FOMO

Premios Gardel 2020: Un signo de los tiempos

Actualidad, Música

La noche de ayer fue ciertamente un signo de los tiempos: un acontecimiento significativo que, sin querer, marcó la historia de la música argentina para siempre e incentivó a todos sus fanáticos a crear una nueva conciencia sobre lo que sucede en esta época. La música nacional como la conocíamos ya no existe más, pero eso no tiene por qué ser algo negativo sino que finalmente evolucionó, se adaptó a los tiempos que corren y la premiación de ayer fue sólo una confirmación de esto.

El show inició con los presentadores, respetando la distancia social y sin público presente, en un escenario futurista. Ale Sergi y Natalie Perez anticiparon que esta noche iba a tener más de 16 shows musicales, las categorías ya no estarían clasificadas de manera binaria y que sería una noche en la que habría “lugar para todas las generaciones”.

Para abrir la ceremonia, Lali Esposito y Miranda!, la banda del presentador junto a Juliana Gattas, hicieron un cover sin precedentes de la icónica canción “Tu amor” de Charly García y Pedro Aznar. Tres estrellas pop reversionando una canción de rock nacional. A continuación, se presentó el ganador a la primera categoría de la noche: Mejor álbum artista de rock y la estatuilla fue otorgada a David Lebón por su álbum Lebón & Co.

Este fue el primer galardón que recibió el artista, pero no el último. Lebón, con su álbum estrenado en mayo del año pasado – que cuenta con grandes artistas argentinos como Fito Paez, Andrés Calamaro, Ricardo Mollo, Emmanuel Horvilleur, Eruca Sativa y Julieta Venegas – se llevó tambien cuatro estatuillas más, incluyendo el Gardel de Oro, el premio más importante de la noche.

Después llegó otro de los momentos favoritos de la noche: un show que unió a Ysy A, el exponente de trap argentino, con los tangueros Cucuzua Castiello y Amelita Baltar. Esta reunión fue una de las mejores de la noche, los tres se encontraban en una especie de bodegón.

Ysy vestido de su personaje “el barón del trap” cantó “Traje unos tangos”, el éxito que fusiona bases de hip-hop con un bandoneón y letras muy tangueras. Castiello hizo una reversión del éxito de Babasonicos “Irresponsables” y Baltar hizo una emocionante versión de su canción “Balada para un loco”. Tres personas que nadie hubiese puesto juntas hicieron uno de los mejores performances de la noche.

Otro de los grandes momentos de la noche fue el homenaje a los 30 años del álbum Canción Animal de Soda Stereo. La organización recordó a esta gran banda con una recopilación de material de archivo nunca antes visto de ellos, repasando los mejores momentos de su carrera con lo mejor de su discografía sonando de fondo.

Luego, llegó la entrega del mejor artista pop. En una categoría que todavía está muy fresca en estos premios y que se vuelve muy difícil de delimitar porque ¿Qué es exactamente el pop? La estatuilla fue entregada a Julieta Rada, la hija del Negro Rada, que encontró finalmente su voz e hizo su propio camino en la industria con su último álbum Bosque.

Sin embargo, el momento más importante y épico de la noche fue, sin lugar a dudas, el encuentro de las dos referentes de la música argentina: Marilina Bertoldi, la reina del rock argentino, y Cazzu, la jefa del trap mundial. Cazzu arrancó cantando su hit “Bounce” en un sillón en la oscuridad.

Hasta este momento, todos los shows venían siendo videos armados con diferentes partes de los diferentes artistas. Pero este encuentro ameritaba un espacio y lugar físico. Así, en medio de la canción de Cazzu empezamos a escuchar una guitarra eléctrica, se prende una luz de fondo que muestra la silueta de una persona sentada desprolijamente en otra silla, con una guitarra en mano y la cara tapada por un sombrero beige.

Las luces de fondo se vuelven a apagar hasta que cuando Cazzu termina de cantar, la cámara se mueve hacia ese lugar, las luces se prenden y escuchamos los primeros sonidos de “O no?”. Arranca Marilina con su tema que ya es un himno feminista en nuestro país. La canción avanza, Marilina se para, se acerca a Cazzu y empiezan a cantar juntas¿Qué pasó? ¿Se te hizo muy tarde, o no? Saca el freno de mano o te lo quito yo”. El show termina con las dos mirándose de manera cómplice, se dieron cuenta de algo: rompieron todo.

La noche continuó con otros shows que justamente mostraron el lugar que se les está abriendo a los nuevos artistas. Zoe Gotusso junto a Escalandrum, por ejemplo, participó de una emocionante reversión de la canción “Té para tres”.

Luego, llegó el momento del homenaje a Sandro y artistas de la nueva escena emergente como Louta y Juan Ingaramo presentaron sus reversiones de las clásicas canciones del artista porteño.

Llegando al final, David Lebón, Wos, Lisandro Aristimuno y Conociendo Rusia transformaron un clásico como “Ana no duerme” de Almendra en una canción que podría haberse estrenado hace solo unos días.

Y por último, tambien fue destacable la participación de la pareja del año: Nicki Nicole y Trueno. La trapera hizo un cover acústico combinando “Brillante Sobre El Mic” de Fito Paez y con su canción “Plegarias”, y su voz se lució más que nunca. Luego, saltó directamente a una presentación de Trueno haciendo el hit de su último disco “Atrevido”, donde se lo vio más suelto que nunca.

Ciertamente, el galardón final y más importante se lo termino llevando un artista que, si bien saco un album dulce y fresco, no es una novedad. La noche lo tuvo todo: shows increíbles con géneros que se encontraron en todos los puntos, pero la industria sigue haciendo la vista gorda a los jóvenes a la hora de entregar los premios más importantes.


Recomendaciones de FOMO

Dos años después, tenemos que escuchar a Mac Miller.

Internacional, Música

Ya pasaron dos años desde que la música perdió a otro artista a causa de las drogas. Parece una historia que no se deja de repetir, pero no por eso deja de ser menos trágico y menos cuando se trata de músicos tan prometedores, como solía ser Mac Miller.

Dos años después, tenemos que escuchar a Mac Miller.

Mac Miller tenía solo 17 años cuando empezó en la escena del hip-hop. Su sueño era acercarse a lo que hacían sus músicos favoritos, entre los que incluía a Big L, Lauryn Hill, Beastie Boys, Outkast y A Tribe Called Quest, y con el pasó del tiempo podemos decir que lo logró.

La primera vez que muchos nos enteramos de su existencia (o por lo menos yo lo hice), fue con el video de 2013 de Ariana Grande: «The Way». Pero antes de esto, ya se codeaba con muchas personas importantes de la industria e incluso había estrenado un mixtape en 2010 llamado K.I.D.S. Este mix no fue muy bien recibido por la crítica ya que sonaba simplemente como un «frat rap», es decir que sólo cantaba sobre experiencias de niños ricos en fraternidades: escabiando y fumando porro todo el día.

Pero para quienes seguimos la obra de Mac sabemos que esto no es lo único que tenía para decir. A medida que pasaban los años iba encontrando su camino. La voz, las ideas y el talento los tenía, de eso no había duda, sólo tenía que encontrar la manera de poner todo eso a trabajar.

En 2011 llega Blue Slide Park, un álbum que llegó a los charts de Billboard pero que dejaba mucho que desear. Despues, el mixtape Macadelic, que de repente nos dejaba ver un lado más experimental. Pero, por suerte, con más tiempo, una idea más clara y con gente igual de talentosa que él, armó un nuevo álbum: Watching Movies with the Sound Off. Un disco que fue hecho justamente cono indica su título, mientras que lo grababa reproducía películas en mute de fondo. Por otro lado, mezclaba lo mejor del rap y el hip-hop, con lo más experimental del R & B y lo pensamientos más profundos de un artista como Mac. Un disco que sería un antes y un después en la vida del artista.

Dos años después, tenemos que escuchar a Mac Miller.

¿Por qué un antes y un después? Bueno, por un lado, le otorgo la legitimidad que necesitaba como artista: era innegable su talento y lo que podía resultar de él. Pero por otro lado, también le dio una fama desmesurada que lo llevó a drogarse cada vez más en las giras en las que se incursionaba.

Mac Miller siempre tuvo problemas con las drogas, una adicción que suele acrecentarse si hay enfermedades mentales como precedente y Mac sufría de una de las más duras: la depresión. Así, a medida que la fama crecía, también lo hacía su acceso y adicción a las drogas. Y, en consecuencia, su música también reflejaba este proceso.

En 2015, salía GO:OD AM. En 2016, The Divine Feminine. Dos discos increíbles que mostraban como Mac podía no sólo rapear sino que también producir y llevar todos sus conocimientos en el jazz a una disciplina tan mainstream como es el hip-hop en la década pasada y en la actualidad.

Todo era bastante color de rosas y su música tambien. Hasta que en 2018 llega Swimming. Mi álbum favorito de Mac y en el que entramos, más que nunca, a una cabeza llena de conflictos pero también de amor, honestidad y ternura.

Dos años después, tenemos que escuchar a Mac Miller.

Swimming se estreno en agosto de 2018. Es un disco que no sólo recorre su relación con Ariana Grande, con detalles e imágenes que hacen que su amor sea envidiable para cualquiera, sino que también nos informan sobre lo que estaba pasando en la cabeza del artista. «I was drowning but now i´m swimming» canta en la primer canción y nos daba esperanza con respecto a su futuro. Admitía su problema con las drogas y el conflicto constante en su cabeza pero al mismo tiempo, nos comentaba que estaba mejorando, que todo iba a salir bien al final.

Sin embargo, todo se derrumbó a sólo un mes de este estreno cuando su asistente lo encontró el siete de septiembre inconsciente en su casa. Swimming nunca estuvo de gira, el videoclip que iba a grabar el ocho de septiembre nunca se grabó y el futuro increíble que le esperaba a Mac nunca llegó a su destino.

La muerte de Mac fue, para esta era, lo que fue la muerte de Kurt Cobain o de John Lennon décadas atrás. Una herida en la industria musical que nunca se va a cerrar. Por suerte, y a diferencia de lo que sucedió con estos otros artistas, la tecnología y la compulsividad de este artista en hacer música y grabarla constantemente nos dieron un último regalo: Circles.

Dos años después, tenemos que escuchar a Mac Miller.

Circles lleva consigo mucho de lo que Mac empezaba a desarrollar en Swimming. Pero esta vez se hace más difícil escuchar lo que pasaba por la mente del artista meses antes de que terminará con su vida. «Good News» es una dura reflexión de como todos a su alrededor sólo lo querían ver feliz y la presión que eso le generaba, donde le costaba admitir cuando no lo estaba y que terminaba recurriendo al porro para aliviar estos sentimientos para sólo encontrarse con más criticas cuando fumaba. Justamente, un círculo vicioso, Circles.

A dos años de su muerte, sigue siendo doloroso pensar en todo lo que tenía para darnos y todo lo que no nos va a regalar. Todo lo que tenía por delante, que nunca va a llegar. Hoy, más que nunca, es necesario revisar estos álbumes, entender su mundo, cómo lo veía y pensar, en última instancia, en qué cuestiones nos sentimos identificados, para resolverlas y huir a destinos como el que le llego, lastimosamente, a un joven tan dulce como Mac Miller.


Recomendaciones de FOMO

Cazzu y Alfonsina Storni, dos niñas inútiles

Lanzamientos, Música, Nacional, Reseñas

A simple vista parece casi imposible trazar una similitud entre la trapera Cazzu y la poeta Alfonsina Storni pero no se necesita investigar mucho. Alcanza con notar una sola cosa: son mujeres y esto es suficiente para que sus historias se encuentren en el arte.

Hace poco más de 100 años atrás, Alfonsina Storni escribía poemas y reflexiones que quedarían en la historia de la literatura para siempre. Sin saberlo, creaba una voz y forjaba caminos para miles de mujeres en el ámbito literario que, especialmente en nuestro país, tenían poca representación hasta ese momento. Una de estas publicaciones era «Diario de una Niña Inútil» en La Nota, dónde la poetisa se burlaba constantemente de las convenciones que la rodeaban. Ademas, construía un «manual» para conseguir novio y convertirse en una «gran mujer».

Cazzu, por su parte, demostró en un ambiente predominantemente masculino que las mujeres también podían hacer trap y así, como Storni, abrió innumerables caminos en la escena. Por estas razones, no es casual que se haya encontrado en su camino con la poetisa e intente brindarle tributo en su nuevo proyecto, que nombró Una Nina Inútil. Este título es irónico, de la misma manera que lo era 100 años atrás; Cazzu se adueña de él para burlarse de lo que dirán sobre sus letras tan sentimentales y vulnerables que, según ella, pueden ser criticadas como «simples e insignificantes caprichos de una mujer».

Cazzu y Alfonsina Storni, dos niñas inútiles

Las canciones de Cazzu y los poemas de Storni no tienen mucho en común pero si encuentran un punto de contacto: el amor y la vida desde el punto de vista de una mujer, y por eso la cantante elige nombrar los temas en honor a diferentes obras de la escritora. El álbum se centra en contar como la artista atraviesa sus relaciones románticas y para hacerlo, eligió sentar raíces en un género con el que todavía no había experimentado: el R&B, sin dejar de coquetear con el trap, el hip-hop, el rap y el latin pop; pero acercándose cada vez más a un costado soulero que por momentos, da la sensación de estar escuchando un cover femenino de un álbum de The Weeknd.

Para ilustrar sus canciones, la artista jujeña eligió lanzar su proyecto acompañado de un booklet digital. Ahí, traza constantemente un paralelismo entre sus canciones y las obras de Storni, incluyendo los poemas en los que está inspirada cada tema y escribe en la primer página, contra los fundamentalistas de la cultura, un mensaje clave para incursionarse en el disco: «Me anticipo a pedir disculpas a los intelectuales que consideren que nuestro género musical y un emblema de la literatura rioplatense, no tienen nada que ver entre sí. Pero; espero dejar aunque sea de manera tácita, un canal que invite a les jóvenes de esta generación a interesarse por la literatura y sobre todo, en las bases de un movimiento indispensable para la evolución humana».

Track por track: una reseña de Una Niña Inútil y su encuentro con Alfonsina Storni

«Sobre tus manos largas desparramé mi vida / Mis dulzuras quedaron a tus manos prendidas / Ahora soy un ánfora de perfumes vacía«, recitaba Storni rindiéndose ante el cuerpo de su amor de la misma manera que Cazzu lo hace en su canción. «Se prende fuego la habitación / Incinerando recuerdos«, canta y así ambas hacen referencia a ese momento de intimidad con esa personas que aman donde se apaga la luz.

En esta primera canción, «Dulce Tortura» los productores le dan un toque lo-fi a la producción y así transportan al álbum entero a un recuerdo. Tambien es en este primer corte donde se sienta un precedente para lo que vamos a escuchar en las próximas seis canciones, en las que cada productor va a aportar lo suyo: Lex Luthorz el soul en forma de hip-hop, Dano el trap-pop y Choclock lo mejor del rap español.

La segunda canción es «Romance de la Venganza» donde Chita aporta las vocales souleras que la caracterizan mientras que Cazzu muestra un costado muy débil y explica que la soledad es su temor más grande. En está segunda canción, la artista se arrepiente de haber sido tan buena con su pareja, la paciencia que tuvo con él y que él no tuvo con ella y termina diciendo que «Acompañá’ de un matón o un sicario / Ahora me convertí en victimario«.

Cazzu y Alfonsina Storni, dos niñas inútiles

Storni, en su poema, no habla de un matón o un sicario, pero sí de un «cazador» y cómo lo terminan matando las «hondas heridas de amor«. Es un poema de venganza, que explora como este hombre también la lastimó a la poetisa. Así, ambas mujeres hablan de cómo se retiran de la vida de estos hombres, una en un tono más vulnerable y la otra en un tono más vengativo.

El álbum continúa con «Miedo» que empieza con el sonido de una radio rota, sintonizándose. Esta canción, al igual que la primera, habla de la intimidad de una pareja y la vulnerabilidad que resulta cuando dos personas se encuentran. Los versos de Storni en su poema encajan perfectamente en la narrativa: «Háblame de amor, arrúllame, dame el mejor apodo / Besa mis pobres manos, acaricia la fina / Mata de mis cabellos, y olvidaré, mezquina / Que soy ¡oh cielo eterno! sólo un poco de lodo.»

«Canción de la Mujer Astuta» es la cuarta canción y es la de menos duración del álbum, sirviendo como un interludio que continua construyendo la narrativa de una pareja en cuatro paredes. Esta vez, se trata del primer encuentro entre dos personas, la seducción y los sentimientos que atraviesa el cuerpo. «Y a través de mi carne, miserable y cansada / Filtra un cálido viento de tierra prometida / Y bebe, dulce aroma, mi nariz dilatada / A la selva exultante y a la rama nutrida», estos versos de Storni no hacen más que completar los sentimientos que la trapera plasma en este track.

En «Conversación» el proyecto tiene su primer feature de la mano de Chita, con quien Cazzu va a tener una especie de aventura. Así conocemos una nueva faceta en la que ya no le canta a un hombre, sino que en esta oportunidad da a entender que tuvo un romance con una mujer. La cantante llama a su (ex) pareja, intenta convencerla que cambió y reconquistarla pero del otro lado, el personaje que encarna Chita, va a rechazarla: «Ya no me pidas más besos / Que tus besos matan y me estoy muriendo«.

Storni en su poema, que lleva el mismo nombre, habla del rechazo de un amigo, de la misma manera que Cazzu habla del rechazo de esta persona que alguna vez amo. «Iba teniendo una sospecha vaga / De que la llama del placer se apaga / Poquito a poco en el camino humano«, escribía.

Cazzu y Alfonsina Storni, dos niñas inútiles

«Capricho» es la anteúltima canción de Una Niña Inútil. Esta habla también de un desamor. Nuestra protagonista deja a su pareja, le dice que ya está cansada y está dispuesta a avanzar con otra persona para olvidarse de quien le rompió el corazón. Sin embargo, lo más destacable de este track es lo que dice a lo último, donde resalta la importancia de consumir arte hecho por mujeres y que es ahí donde encuentra su inspiración: «Yo entiendo que cuando estemos por crear una letra se escuchen o se lean algunos de esos discos que son como emblemáticos en cuanto a mujeres».

La última canción es «Queja» con Choclock que juntos dan un cierre más bailable y con influencias latinas al proyecto. Sin embargo, la relación de estas dos personas es tormentosa y tuvo sus altos y bajos: «Contigo yo lo tengo to’: odio y amor / Baby, no me guardes rencor y / Perdóname por toda’ la’ veces que salía / Cuando me iba por la noche y llegaba en el día«, canta el español.

De la misma manera, Cazzu incluye en su diario un último poema de su escritora favorita, un poema que repite esta situación, lo conflictivo que puede ser el amor: «Me consumo en mi fuego / ¡Señor, piedad, piedad! / De amor me estoy muriendo / ¡Pero no puedo amar!«.

La música termina pero el álbum no y antes de despedir al oyente se escucha el mar. El mar y sus gaviotas, llevándose los segundos que le quedan al disco y con él el recuerdo de Alfonsina, que al igual que Una Niña Inútil, se despidió siendo arrastrada por las olas.


Recomendaciones de FOMO

Billie Eilish: un Tiny Desk de esperanza en el caos

Internacional, Lanzamientos, Música, Reseñas

«Todos vamos a estar bien algún día, tal vez no ahora pero eso es lo que me da esperanza para seguir » fue una de las frases que quedaron del Tiny Desk de Billie Eilish; un recital excepcional en todas sus formas, desde la reversión de las canciones hasta el formato que tuvieron que adoptar por las restricciones del COVID-19.

«Atisbo de esperanza en el caos»- Billie Eilish en su Tiny Desk

La versión física de Lover en un estante, un Cookie Monster chiquito en un rincón, una colección de vinilos en otro y «NPR» escrito por todos lados con diferentes fonts, forman un paisaje ya conocido para los miles de fans de los NPR Tiny Desks. Con la situación pandémica, sin embargo, los recitales en esa salita acogedora tuvieron que detenerse pero lograron reinventarse para continuar con el formato: sacaron una foto de la los estantes, las pegaron en láminas y nos regalaron un show único de una de las artistas favoritas del pop: Billie Eilish.

Con la incertidumbre como denominador común en la situación actual mundial, Billie viene a darnos un poco de esperanza en medio del caos. Así, con sólo 18 años, da un mensaje que es necesario en este clima y que información que circulan los medios no nos esta diciendo, y es que «todos vamos a estar bien».

Para reforzar este mensaje, antes, cantó «My Future», un single que estrenó hace poco menos de un mes. La canción inicia como una típica balada de desamor que indica que una relación está por terminar, pero a medida que avanza nos damos cuenta que este no es el tema central sino más bien el futuro que tiene por delante Billie. Explica que ya no puede concentrarse en su pareja porque empezó a conocerse a ella misma y sólo puede concentrarse en su futuro, un futuro prometedor que se convirtió en su verdadero amor.

En la versión de estudio, «My Future» tiene un cambio abrupto de ritmo y estilo en la mitad de la canción pero en la del Tiny Desk, Billie nos regala una versión acústica, casera y vulnerable: ella con sólo un piano y su voz, y su hermano Finneas con una guitarra y sus coros.

El mensaje de la canción es claro: hay que amarse a uno mismo y tener esperanza para el futuro; cuestiones que, razonablemente, se están dificultando en una situación tan extrema como la pandemia pero, de todas formas, es válido y más cuando llega de una persona joven como Billie Eilish, con un público que presta especial atención a sus discursos.

«La cuarentena es rara, no sabemos qué va a pasar y hay pocas cosas que se sienten esperanzadoras», explica Billie en medio del show y continua «pero creó que el futuro es algo en lo que tenemos que depositar nuestra esperanza». Así, concluye esta primera parte y introduce la segunda canción de esta edición de NPR Tiny Desk: «Everything I Wanted».

«Todos deberíamos tener una persona que nos hace sentir que nunca vamos a estar solos y esa persona, para mi, es Finneas», dice Billie Eilish para empezar a cantar la segunda canción que fue escrita en septiembre de 2018 por ella y su hermano pero recién fue lanzada en noviembre de 2019. Para interpretar este single, los hermanos intercambiaron lugares: Billie se sentó atrás junto al micrófono y a Finneas le toco el teclado.

Así, hicieron, nuevamente, una versión acústica de esta canción que inicialmente iba a formar parte del álbum When We All Fall Asleep, Where do We Go?. La historia detrás es bastante sombría, como la mayoría de las de ese álbum. Según contó la artista en una entrevista con Annie Mac: «La empezamos a escribir porque tuve un sueño en el que me suicidaba y a nadie le importaba», explicó y añadió «a ninguno de mis mejores amigos le importaba, a mis fans y a las personas que trabajan conmigo tampoco». Al relatarle el sueño a su hermano, este fue el único que la reconfortó en ese momento, y su manera de hacer catarsis de un sueño tan turbio fue escribir.

Con estas dos canciones, Billie Eilish completa su recital (poco tradicional) para NPR Tiny Desk. Con la voz rasposa, llena de angustia pero sentida, y las melodías sin las producciones violentas que solemos escuchar de estos artistas, los hermanos nos regalan versiones de canciones más genuinas y en un formato que pocas veces (o nunca) vimos de ellos.


Recomendaciones de FOMO

5 novelas gráficas para escapar de la cuarentena

Libros, Nacional, Novelas Gráficas, Recomendados

Con más de 100 días en cuarentena, cada vez se hace más difícil encontrar nuevas actividades para escapar de la realidad y entretenernos por un rato, pero no hay que desanimarse. La solución se puede encontrar más cerca de lo que pensas, a unas cuadras de tu casa, en tu librería amiga.

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (ilustración: LAURA CALLAGHAN)

Estamos en nuestras casas, aburridos. No queremos prender la computadora porque nos recuerda a las largas horas de Zoom que tuvimos que enfrentar en los últimos meses. Tampoco queremos ver la tele, siempre lo mismo; y Netflix ya no es una opción, ya vimos todo lo que había para ver. Nos quedan dos opciones: o tirarnos a dormir una siesta (aunque sabemos que no nos conviene porque eso significa no poder conciliar el sueño a la noche) o tirarnos al sol o en en algún sillón a leer algo.

Es verdad que estamos muy dispersos y encontrar el tiempo y el espacio que necesitamos para concentrarnos en la lectura puede ser casi imposible, pero también es verdad que los libros pueden ser una alternativa ideal para entretenernos y escapar de la pandemia. Más aún, las novelas gráficas que contienen en ellas historias inspiradoras con ilustraciones coloridas que nos transportan a otros universos.

Así que, sin más preámbulo, las mejores novelas gráficas para leer en cuarentena (sin orden de importancia determinado):

  1. Intensa de Sole Otero
5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (Intensa de Sole Otero)

Intensa es uno de los cuatro libros publicados por la escritora y dibujante Sole Otero (@sole.otero). Sólo con ver su perfil de Instagram podes darte una idea de la magia de su universo, los colores y personajes que crea constantemente.

Para esta novela hay que viajar al espacio. Allí se encuentra nuestra protagonista en una misión para preservar la vida de las aliens hembras de su especie y se le asignó la tarea de vivir en una nave guardiana para resguardar a sus otras compañeras. Ella está igual de aburrida que nosotros en cuarentena, con la diferencia de que vive sola, en medio del espacio y tiene una máquina de teletransportación que le lleva ejemplares machos de diferentes universos para entretenerse sexualmente. En una de esas teletransportaciones, su máquina le lleva un humano y ella queda asombrada con su sensibilidad.

Así, decide escapar de sus responsabilidades, utilizar la máquina para viajar al Planeta Tierra y conocer a esta especie. Empieza a vivir en Palermo, en un monoambiente, con un gato (más Palermo imposible) e intentar conocer las convenciones que existen entre los seres humanos, acertando algunas veces pero errando en la mayoría. Se enamora, se emborracha, tiene relaciones sexuales, citas, se encariña con el gato y todas las cosas que nos pasan a los humanos.

La novela es de ediciones Asberri (@asberri_ediciones) y ahora cuenta con una reedición por Hotel de las Ideas. Podes encontrarla en cualquier librería de barrio y sino, en la web de Asberri venden la edición digital.

2. Un beso así de La Watson

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (Un beso así de La Watson)

Un beso así es la primera novela que realizó la ilustradora Sofía Alvarez, mejor conocida como La Watson (@soylawatson). La autora nació en Colombia pero de grande emigró a Argentina, y está duplicidad se ve en el lenguaje que utiliza en el relato.

La novela esta caracterizada por la simpleza de los dibujos, que funcionan perfectamente con la complejidad de los sentimientos presentadas en ella. La historia es narrada desde la perspectiva de Sofía, que nos cuenta la historia de amor con su pareja, sus altos y sus bajos; el principio de la relación, la «honeymoon fase», el final de está y el proceso de autoconocimiento que resulta de la experiencia.

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (Un beso así de La Watson)

Es una novela hecha para extrañar a los que más queremos (o quisimos), reevaluar nuestras propias experiencias y sacar lo mejor de ellas. Si atravesaste cualquier tipo de relación romantica, más aún en contexto cuarentena, es muy fácil identificarte con las situaciones y emociones plasmadas en esta historia.

La novela es una de las publicaciones de Musaraña libros (@musaranialibros) , podes encontrarla en su librería en Florida, Vicente López o en su tienda nube para la versión digital (https://www.musatiendavirtual.com/productos/un-beso-asi1/).

3. La vida real de Martín Garabal

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (La vida real de Martín Garabal)

Martín Garabal (@martingarabal) se ha convertido, en los últimos años, en una de las personas más populares entre los jóvenes argentinos. Si bien La vida real no es formalmente una novela gráfica sino más bien una recopilación de dibujos flasheros e historietas breves; de alguna manera cuentan la historia de su autor y nos ayudan a recorrer el universo de su mente (que es muy particular).

Durante doce años, el dibujante acumuló cuadernos con dibujos de diferente tipo que le servían para hacer catarsis sobre diferentes aspectos de su vida y La vida real es la síntesis de esto: un diario íntimo poco tradicional. En él, hay caricaturas que generan risas e ironizan aspectos de la televisión y de la vida misma pero también hay momentos más personales, donde Garabal recorre diferentes experiencias en los que se sintió deprimido, asustado, triste. Así, para cualquier fan de Ultimos Cartuchos, este libro puede ser una manera única de descubrir una nueva faceta de este artista que ven o escuchan todos los días en sus casas.

El libro fue editado por Wai Comics y actualmente está sin stock en líbrerias pero se puede encontrar en reventa en algunas entradas de Mercado Libre.

4. Alien de Aisha Franz

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (Alien de Aisha Franz)

Aisha Franz (@aishathesheriff) es una autora alemana y Alien fue su primer novela gráfica. De pequeña se movía de ciudad en ciudad así que sin tener un lugar donde asentarse y construir lazos a través del tiempo creó sus propios amigos imaginarios.

La autora e ilustradora traslada su propia experiencia a la de uno de sus personajes en esta novela: la hija pequeña, que conoce a un alien en medio de un campo y hasta llega a sentir cosas por él. Por otro lado, también hace un recorrido por las vida de la madre, que está en plena crisis de mediana edad y se encuentra preguntándose constantemente cuáles fueron los sucesos de su vida que la llevaron a encontrarse donde está hoy. Por último, también entra en la intimidad de la vida de la hija adolescente, que está viviendo sus primeras experiencias en la vida adulta: fumar a escondidas, desencuentros con amigas y experiencias sexo-afectivas con chicos.

Alien muestra situaciones de la vida cotidiana, que al ser tan mundanas son fáciles de encontrarlas en nuestra propia rutina. Las particularidades de los personajes, los sentimientos y vivencias que atraviesan son, simplemente, las mismas que enfrentamos nosotros y el ritmo lento del relato nos muestra eso, que se trata sobre la vida misma. Todos estos elementos entran en perfecta sintonía con los dibujos en lápiz y no hay viñeta que este de mas.

La novela es una de las publicaciones de Musaraña libros (@musaranialibros) , podes encontrarla en su librería en Florida, Vicente López o en su tienda nube para la versión digital (https://www.musatiendavirtual.com/productos/un-beso-asi1/).

5. Maus de Art Spiegelman.

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (Maus de Art Spiegelman)

Para terminar, y no menos importante, Maus de Art Spiegelman. Está fue la primer y única novela gráfica o cómic en ganar un Premio Pulitzer en la categoría de letras debido a su enorme valor histórico y emocional.

Por un lado, tenemos a nuestro protagonista, el mismo Art Spiegelman, que nos cuenta su travesía al intentar escribir y dibujar una novela gráfica que muestre las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial. En la persecución de este objetivo se encuentra con dos grandes obstáculos: la tormentosa relación que tiene con su padre, con quien debe trabajar codo a codo para contar fidedignamente la historia de la guerra ya que este mismo sobrevivió a los campos de Auschwitz. Y por el otro lado, con sus propios fantasmas, que constantemente le hacen pensar que es incapaz de hacer una libro de ilustraciones que muestren realmente las situaciones de los judíos en los campos de concentración.

5 novelas gráficas para escapar en cuarentena (Maus de Art Spiegelman)

Sin embargo, al tener el libro en nuestras manos (o en nuestra compu, si preferís la versión digital) descubrimos claramente que logró su pretensión. La novela aprovecha de la mejor manera la técnica de la narración enmarcada y mientras que nos cuenta los obstáculos y emociones que atravesó el autor al escribir Maus, también nos cuenta la historia del padre: las emocionantes y aterradoras historias de un sobreviviente judío a los campos de concentración.

Así, el libro es al mismo tiempo una biografía de la vida de Art Spiegelman y la de su padre, Vladek. Todo acompañado con ilustraciones que mejoran página a página y transportan al lector de momento y lugar histórico constantemente.

Este libro en Argentina es editado por Random House y lo podés encontrar en cualquier librería.


Recomendaciones de FOMO

Blonde: El camino a la obra maestra de Frank Ocean

Internacional, Música

Hace cuatro años, Frank Ocean lanzaba su segundo álbum de estudio: Blonde, un disco que se demoró cuatro años, ocho meses y veinte días en llegar. Pero al escucharlo el artista nos demostró, como dice el dicho, que todo lo bueno se hace esperar.

Blond: El camino a la obra maestra de Frank Ocean

Blonde es un álbum que cambió la historia de la música para siempre. Para hacerlo, Frank Ocean no apeló a sonidos mainstreams, features o letras con estribillos pegadizos sino que se concentró en una misión: hacer un disco que explique lo que es ser humano. Escribir y producir un disco con esta pretensión no es un objetivo fácil pero sería un desacierto decir que no lo logro.

Durante toda su carrera, Ocean experimentó con sonidos alternativos y el arte del sample, como en su primer obra solista: Nostalgia, Ultra, donde escuchamos a Coldplay de fondo, sintetizadores de Daft Punk y alguna que otra aparición de Radiohead. O en Channel Orange, un disco que hizo junto a Pharrell Williams, donde recrea la experiencia de estar viendo la televisión (con propagandas incluidas). Para hacerlo, toma elementos del R&B, del jazz, del hip-hop, del funk y de la psicodelia de los setenta para crear la primer obra que lo legitimo en la industria musical y le valió su primer Grammy.

Blonde: El camino a la obra maestra de Frank Ocean

Al combinar todo estos elementos con sus letras, que exploran constantemente el universo de las drogas, el romance, la decadencia de la modernidad y la constante nostalgia de querer volver a los momentos en los que fuimos felices, Frank Ocean se convirtió en uno de los artistas más originales de la última década.

Todos estos aspectos que lo caracterizan y lo hacen tan especial llega a su clímax en Blonde, que hoy cumple cuatro años. Hacer un álbum que combine todas estas características en la manera que lo hizo llevó su tiempo y tuvo a sus fans, que ya para ese momento conformaban una especie de culto que se venía formando desde la era de Odd Future (el supergroup de raperos y productores conformado por Tyler, The Creator, Earl Sweatshirt y otros grandes nombres), expectantes y obsesionados con cada paso.

Blonde: El camino a la obra maestra de Frank Ocean

En febrero de 2013, seis meses después de estrenar Channel Orange, el artista anunció en una entrevista que ya tenía diez canciones hechas para su próximo álbum pero el tiempo pasaba y el disco no llegaba. Frank, que estaba en el pico de su fama después de recibir el Grammy, empezó a alejarse de las cámaras, de los escenarios y eventualmente de las redes sociales, incluso de Tumblr, la red social que más utilizaba el artista para comunicarse con sus fans y donde meses atrás había confesado su homosexualidad.

Pasaron dos años y se sabía muy poco (o nada) sobre el paradero de Frank, hasta que en 2015 vuelve a su red social favorita y publica en Tumblr una foto de él en el estudio con una caption en la que explicaba que el álbum estaba casi completo. Un mes después, vuelve a publicar una foto en la que revela la estética de este nuevo proyecto y el nombre oficial de su nueva obra: Boys Don´t Cry. En la descripción escribió: «I got two versions«, mensaje que resultaba un enigma para todos los fans y que sólo sería resuelto un año después.

Blonde: El camino a la obra maestra de Frank Ocean

Billboard ese mismo día publicó una nota que confirmaba el estreno de este esperado disco en julio, pero para sorpresa de todos (o de nadie, ya que la confianza en la palabra de Frank, para este momento, ya se había roto) llegó la fecha y no hubo señal alguna de un estreno ni anunció por parte del artista de por qué se estaba demorando.

Paso un año entero y los fans no tenían noticias. Llega julio de 2016 y Frank vuelve a las redes para publicar un video de una tarjeta de biblioteca con diferentes fechas tachadas, las fechas en las que prometió este disco que no llegaba. Todo parecía seguir su ritmo normal hasta que el primero de agosto, los fans descubren que en la web del artista había una transmisión que mostraba un galpón gigante en blanco y negro.

Horas después, aparece Frank en silencio y empieza a sonar música de fondo. Contra cualquier expectativa sobre lo que iba a hacer este artista en esta transmisión, el cantante empieza a construir una especie de cajas rectangulares y cuando termina, abandona el lugar. La transmisión nunca paró y los fans tuvieron que esperar 18 días, sin sacar la vista de la pantalla, para volver a encontrar movimiento en la imagén.

Ahora si. Frank, sin mirar a cámara, aparece y empezamos a escuchar la misma música que escuchamos días atrás pero esta vez se escucha una voz robotizada decir: «With this Apple appliance, you can capture live videos/ Still motion pictures shot at high frequency/ Blurring, blurring the line». Así, Frank Ocean anunciaba el estreno de su tercer proyecto: Endless, un álbum visual de 19 canciones donde se lo ve armando una escalera que al final lo lleva a lo más alto del galpón y lo elevaba a una nueva vida, una nueva faceta de su carrera. En él, hay interludios experimentales que llegan a durar menos de 20 segundos y canciones que recorren su niñez como en «Alabama», su sexualidad en «Comme des Garçon», sus romances en «Honey Baby» y su nueva aparición o resurrección en «U-N-I-T-Y».

Blonde: El camino a la obra maestra de Frank Ocean

Parecía que la historia terminaba acá pero todavía no estaba resuelto que sucedía con ese proyecto que venía anunciando hace un año atrás: Boys Don´t Cry. La historia detrás es que este artista, desde que firmo un contrato con la productora Def Jam ( por Jay-z), había tenido muchos conflictos en cuanto a los derechos de sus obras y la poca libertad creativa. Por esta razón, Endless sería el último proyecto que realizaría con la firma.

48 horas después de este estreno, libre de las obligaciones de Def Jam y bajo su propia productora, Frank Ocean nos regala Blond, su gran obra maestra. Un álbum que cuenta la historia del artista, sus altibajos con la fama y la droga en canciones como «Nikes» , lo que es el amor para él y sus primeros romances en «Ivy» y «White Ferrari», su renacer como artista en «Pink+White», sus expectativas para el futuro en «Seigfried» y la magia de la noche en «Nights». Todas obras que dan como resultado letras que alcanzan un nivel de profundidad espiritual y trascendental que es difícil de encontrar en la música mainstream de la década del 2010.

El álbum, enteramente producido y escrito por él, incluye colaboraciones con Kanye West, Tyler, The Creator, Beyoncé, Andre 3000 (de OutKast), Pharrell Wiilliams, James Blake y hasta créditos a John Lennon y Paul McCartney; y en él, vamos a escuchar géneros que son difíciles de encasillar pero que juegan con el R&B, un pop psicodélico y progresivo.

El recorrido fue arduo pero valió la pena y aunque parezca cliché, sólo con este proceso, Frank nos enseña que es mejor no escuchar las expectativas de los demás y que con paciencia, amor y esfuerzo se puede llegar a resultados increíbles. Cuatro años más tarde, Blonde sigue cambiando la vida de toda persona que lo escucha, revela los sentimientos de una generación entera y esto lo convierte así, en un álbum difícil de olvidar, que innegablemente quedará recordado como uno de los mejores en la historia.


Recomendaciones de FOMO