A 27 años de la muerte de Kurt Cobain, su legado

Kurt Cobain, legendario cantante y guitarrista de Nirvana, ahora lleva la misma cantidad de años muerto que los que vivió. Por suerte, la música no fue lo único que dejó en el mundo, sino también un mensaje de igualdad y respeto. 

Trigger Warning: abus*, vi*laci*n. 

El 8 de abril de 1994, la policía encontró el cuerpo de Kurt Cobain en el invernadero de su casa en Seattle, Washington. Se determinó que murió tres días antes, 5 de abril, a causa de suicidio por un disparo en la cabeza, luego de haberse inyectado una dosis altísima de heroína. El artista tuvo un final tétrico, y mucha gente lo recuerda de esa manera: un hombre triste, depresivo y que no tenía la inteligencia suficiente como para ver su propio talento y lo que había conseguido hasta ese momento para seguir adelante. 

Las letras de Kurt Cobain quedaron en la historia como las más influenciales de una generación.

Pero Cobain, definido por sus parientes, compañeros de banda y los fanáticos más cercanos, se muestra pintado con otra faceta; Dave Grohl (ex baterista de Nirvana) declaró en una entrevista: “es uno de los corazones rotos más grandes de mi vida que Kurt todavía no esté acá para escribir canciones más increíbles porque está bastante claro que fue bendecido con un regalo. Creo que es seguro decir que fue el mejor compositor de nuestra generación. Estoy muy orgulloso de decir que pude ser su baterista y tocar esas canciones todas las noches”. Por su parte, Krist Novoselic, bajista y cofundador de Nirvana pero sobre todo, mejor amigo de Kurt desde la infancia, recuerda su potencial musical: “Kurt sabía cómo encontrar el punto exacto en cada canción. Era perfecto para hacer música y le imprimía toda su personalidad cuando escribía canciones”.

Además de ser un prodigio artístico (en sus propios términos, ya que no tenía ningún tipo de instrucción ni técnica profesional), el músico difundía sus ideas feministas, anti-sexistas y anti-homofobia a través de sus canciones y discursos. Este modo de pensar se imponía en casi todas las bandas del grunge de Seattle, lo cual los diferenciaba de los artistas de décadas anteriores a los noventa, que hasta disfrutaban de la misoginia y cualquier otro tipo de falta de respeto. 

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  Fans en la despedida de Kurt Cobain

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Algunos de estos pensamientos se pueden ver en temas como Polly, basada en la historia real de una niña víctima de violación, de la que Kurt leyó su historia en el diario y decidió escribir una canción desde el punto de vista del secuestrador: “Polly wants a cracker / I think I should get off her first / I think she wants some water / To put out the blow torch”. Rape Me también fue una canción con connotaciones al abuso de mujeres, esta vez expresados de una manera más evidente: “Rape me / Rape me my friend / I’m not the only one”. Al principio, el público quedó disgustado por la letra, pensando que la banda fomentaba este comportamiento, pero Cobain explicó repetidas veces que era todo lo contrario, una canción anti-violación. 

En los shows de Nirvana, los integrantes se encargaban de verificar constantemente que los “machirulos” no tocaran ni maltrataran a las mujeres que asistían a verlos, y en muchos casos paraban la música para echar a algún que otro hombre que faltara el respeto a alguien. La repulsión que tenía Kurt Cobain a este tipo de personas era evidente, ya que el mismo músico pedía por favor que nadie que fuera sexista, racista u homofóbico comprara sus discos o entradas para sus recitales. Incluso escribió una canción acerca del cliché de este tipo, en In Bloom: “He’s the one / Who likes all our pretty songs / And he likes to sing along / And he likes to shoot his gun / But he knows not what it means”, refiriéndose a aquellos que solo los escuchaban porque eran populares, pero no se identificaban con los valores que defendían. En el video, se puede ver a los miembros de la banda con vestidos.

El artista también desafiaba los roles masculinos a menudo, usando vestidos y maquillaje en entrevistas y en sus propios conciertos, algo que en esa época todavía chocaba bastante. Él confesó que poniéndose un vestido, demostraba que podía ser tan femenino como él quisiera. Por lo general, estaba decepcionado con el comportamiento masculino, muy marcado desde su época adolescente donde “si eras un chico tenías que ser muy macho y jugar en el equipo de fútbol americano de turno por no ser considerado gay”.  Fue en esa época que fue detenido por pintar graffitis como “Dios es gay” y decir cosas como “ojalá fuera gay, sólo para joder a los homófobos”.

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Kurt estaba en contra de que se lo considerara un ídolo, y sufría cada vez que se acrecentaba su fama. En la nota que dejó al morir decía: “a veces me siento como si antes de subir al escenario tuviera que fichar”. Las compañías discográficas hicieron de su persona y su talento un producto rentable, por lo que el deber de sus fans está en continuar su legado no sólo disfrutando de las increíbles canciones que compuso junto al resto de Nirvana, sino también reflexionando sobre los asuntos que realmente le importaban para llegar a un mundo más igualitario y después de todo, mejor. ¡Gracias por todo Kurt!

Qué escuchar:

• Been A Son – Incesticide
• In Bloom – Nevermind
• Polly – Nevermind
• Territorial Pissings – Nevermind
• Rape Me – In Utero
• Very Ape – In Utero

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Recomendaciones de FOMO

Quentin Tarantino: el grande multifacético del cine de Hollywood

La vida del director que popularizó la violencia irónica en la pantalla grande es mucho más que estar detrás de la cámara. En su cumpleaños, conocemos un poco más de sus comienzos y su trabajo. 

Quentin Jerome Tarantino nació el 27 de marzo de 1963 en Knoxville, Tennesse, de su padre Tony Tarantino, un músico obsesionado con el alcohol, el juego y las mujeres y Connie McHugh, una adolescente de 16 años que tuvo que conformarse con ser madre soltera cuando Tony los abandonó. El director recibió la influencia del espectáculo desde su nacimiento, ya que su madre lo bautizó como Quentin en honor al personaje de Burt Reynolds en la serie La ley del revólver, quien en realidad se llamaba Quint Asper, pero gracias a la poca cultura de Connie quedó como lo conocemos hoy. 

Quentin y su mamá se mudaron a Los Ángeles unos años después, junto con su nuevo padrastro, Curt Zastoupil. Ya desde pequeño que su amor por el cine era evidente, pero la pasión le jugaba en contra: era un nene solitario, introvertido, tímido e incomprendido. Obsesionado con las historias que se proyectaban en la televisión en los 70s, se pasaba las horas imaginando nuevas, acompañado de su madre, quien lo llevaba al cine para ver películas para adultos y seguir fomentando su hobby. 

A Quentin Tarantino le encantaba ver series de spaghetti western de pequeño, las que despertaron su pasión por la cinematografía.

Tarantino era un chico brillante, pero su inteligencia lo llevaba al aburrimiento. Connie dejó que abandonara el colegio unos años antes de terminar, con la condición de que consiguiera un trabajo. Sin sorpresas, el director comenzó su carrera en el mundo del arte; se anotó en la James Best Company Theater, una escuela que preparaba actores para la televisión. Para poder pagarla, trabajó por un tiempo dentro del rubro del porno: primero, como recopilador de noticias para un periódico de temática sexual; más tarde, como acomodador en una sala que proyectaba películas para adultos llamada Pussy Cat Movie Theater. 

A comienzos de los 80s, Quentin logró comprarse su primera cámara, una 8mm, con la que grabaría sus primeros films caseros. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en Video Archives, un local de alquiler de películas del cual el joven era un habitual concurrente. Aunque el salario era bajo, Tarantino disfrutaba la posibilidad de difundir su amor por el séptimo arte, y organizaba reuniones con los interesados para hablar de todo cine, pero sobre todo de la escena underground americana de la época, como el blaxploitation (cine de clase B protagonizado por la comunidad afroamericana).

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  Quentin en sus épocas de Video Archive.

El salto de Tarantino a la realización de películas ocurrió en 1987 con My Best Friend’s Birthday, un cortometraje que trataba, como dice el título, de un cumpleañero (Craig Hamman, amigo de Quentin) al cual su amigo (Quentin) le regala, nada más y nada menos, que una prostituta. Con ahorros suyos y de los amigos que participarían en la producción (doscientos dólares para ser exactos) trabajaron durante tres años en el proyecto, el cual tenían pensado presentar como tesina en la escuela de cine a la que concurrían. Pero nunca se concretó. La trama del corto luego pasó a ser el primer boceto de True Romance (1993), dirigida por Tony Scott y guionada por Tarantino. 

Pero Quentin Tarantino no solo construyó su fama por ser escritor y director (tiene bajo su brazo once títulos con los dos créditos), sino que también ganó algo de reconocimiento por su paso por el frente de las cámaras. Además de protagonizar el fallido intento de My Best Friend’s Birthday, participó reiteradas veces en los films de su gran amigo, el director mexicano Robert Rodríguez. 

La primera vez que trabajaron juntos fue en Desperado (1995), en la que interpreta a un cadete perteneciente a la mafia mexicana que va a hacer un mandado a un bar, y se roba la escena con un chiste que, al contarlo, genera intriga y risas a la vez. Más tarde, en 1996, protagonizó From Dusk Till Dawn junto con George Clooney, como Richard y Seth Gecko, un par de hermanos en la fuga después de robar un banco. Otra gran colaboración Tarantino-Rodríguez fue en Planet Terror (2007), en donde Quentin caracteriza a un militar corrupto que intenta aprovecharse de Cherry, una bailarina que pierde la pierna en esta película de ciencia ficción tan fantástica como todo lo que pasa por las mentes de la dupla icónica.

Quentin Tarantino en Desperado, de Robert Rodríguez.

Otros podrán concluir que la actuación de Tarantino en sus propias películas es lo más memorable. Aunque efímeras, las apariciones del director en sus cintas son memorables, ya sea por sus personajes hilarantes en algunos o por los finales trágicos que les confiere a otros. En Reservoir Dogs (1992) es Mr. Brown, parte del grupo de criminales que roban joyas, quien tiene una conversación muy efervescente acerca de Madonna con sus compañeros antes de efectuar el robo y luego desaparecer de la pantalla. Cuenta con roles más pequeños en Inglorious Basterds (2009) como el primer nazi escalpado, y en Django Unchained (2012), como un cowboy racista que trabaja para una compañía minera. Mas el papel más importante que se auto otorgó fue el de Jimmie Dimmick en Pulp Fiction (1994), dueño de la casa en donde Jules y Vincent (Samuel L. Jackson y John Travolta) se limpian luego de un “accidente” y comparten una riquísima taza de café con él en una escena comiquísima que mezcla enojo y humor. 

Quentin como Jimmie Dimmick en Pulp Fiction, uno de sus papeles más memorables.

Quentin Tarantino es un amante del cine que trajo ideas originales y entretenidas, con un estilo único e irrepetible. Parece ser que sus películas son tan buenas que ni él quiere quedarse fuera de ellas. ¡Feliz cumpleaños!

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Recomendaciones de FOMO

David Bowie: el artista que cambió rumbos y abrió caminos

David Robert Jones, el Duque Blanco, Ziggy Stardust, Starman, el Camaleón del Rock. Tantos apodos como eras sónicas, como vestuarios, como colaboraciones, como éxitos en su carrera, definen al único e inigualable David Bowie, uno de los músicos (humilde pero seguramente) más importantes de la historia del planeta. Pero además de deleitarnos con su talento melódico, fue también actor, productor y diseñador gráfico. 

La presencia de Bowie en el escenario es inigualable.

Bowie nació un día como hoy de 1947 en Brixton, Inglaterra, de un padre que trabajaba en organizaciones caritativas y una madre mesera. Desde pequeño mostró un gran interés por la música. Aprendió a tocar el piano, el saxofón, y cualquier otro tipo de instrumento que se le presentara desde los 10 años. Durante su adolescencia perteneció a varias bandas como Manish Boys, King Bees y Davey Jones and the Lower Third; este último lo llevó a cambiar su nombre artístico a Bowie, luego de ser confundido con otro Davey Jones, cantante de los Monkees.

Aunque la fama como solista no le llegó hasta empezada la década de los 70, cuando su primer álbum, Space Oddity (inspirado en la película 2001: Una Odisea del Espacio), entró en varias de las listas de éxitos en 1969. De esta manera, Bowie logró irrumpir en el escenario norteamericano, junto con la llegada del hombre a la luna.

 

Uno de los looks más reconocidos de David Bowie: Ziggy Stardust.

Es difícil encasillar en un solo género la música de Bowie, que pasa por el pop-rock, el glam rock, el mod británico y muchos otros más. El artista era reconocido por experimentar mucho en todo sentido, desde la música hasta la indumentaria y su sexualidad. Y es por eso por lo que ganó reconocimiento en casi todos los ámbitos, posicionándose como un referente de liberación, diversión y cambio. 

En cuanto a su sonido, Bowie mostró desde un principio que sabía qué tipo de música quería traer al mundo y nunca tuvo miedo de probar y mostrar al mundo nuevos estilos, siempre mostrándose impredecible y ecléctico en cada uno de sus discos. Su música era reflejo de la realidad, tanto política, social; realidad transfigurada por la fantasía de sus canciones y lo hipnótico de su sonido. Su voz es una de las más únicas y recordadas por todos, con ese tono grave y hablado que llamaba la atención de cualquiera. 

La discografía completa de Bowie cuenta con 25 álbumes de estudio, además de las recopilaciones de sus conciertos en vivo y los lanzamientos póstumos.

En cada uno de sus discos proyectó una estela desconocida de lo que era posible en el mundo artístico: en Hunky Dory (1971) se encontraba infuenciado por el trabajo de Andy Warhol; Ziggy Stardust (1972) tiene como centro la sexualidad, representada por un alienígena bisexual en una misión intergaláctica; en Aladdin Sane plasma sus experiencias en norteamérica, y la lista sigue y sigue. Bowie fue un músico prolífico, con 25 discos de estudio bajo su brazo, algunos con estreno en el mismo año (como Heroes y Low, ambos de 1977). 

Aparte de su extensísima carrera como solista, David Bowie contó con colaboraciones famosas en su repertorio, como el clásico Under Pressure junto con Queen. El single llegó al número uno en Estados Unidos y en el Reino Unido, y permaneció como un hit durante todas las décadas desde su existencia. Incluso su riff principal de bajo fue sampleado para la canción Ice Ice Baby, del rapero Vanilla Ice (el cual comenzó una disputa legal por los derechos de la canción). 

También demostró sus dotes de productor en dos de los trabajos solistas de Iggy Pop, anterior cantante de The Stooges. Tanto The Idiot como Lust For Life tuvieron al Duque Blanco tras la consola, e Iggy Pop declaró que esos dos discos no podrían haber sido tan liberadores como se sintieron (luego de dejar la banda) si no hubiera sido por Bowie. 

Su último disco, Black Star, publicado el día de su cumpleaños 69º, demostró un Bowie muy maduro, tanto en el sonido como en sus letras, al entrar en un terreno más oscuro pero novedoso como siempre. La tapa del disco muestra una estrella negra, y en la parte inferior, la misma forma descompuesta formando la palabra “Bowie”. Blackstar es el único disco que no cuenta con el rostro del artista en su portada. Dos días después, Bowie fallecía en su hogar en Nueva York.

En cuanto a sus contribuciones a la moda, se puede afirmar que desde sus comienzos, Bowie impactó visualmente con sus vestimentas y maquillaje, sin ningún miedo a las críticas y hasta imponiendo estilos (¡como rasurarse las cejas!). Mencionamos que con cada disco, Bowie les daba forma con un alter ego distinta a cada uno. Como en su fase de Aladdin Sane, en la cual se pintó el mullet de colorado, se pintó la cara de blanco y agregó un sol dorado en su frente, y se vistió con las ropas más estrambóticas que Kansai Yamamoto podía diseñar. O en la época de Ziggy Stardust, con un jopo bien peinado (todavía colorado) y un rayo azul y naranja que le cruzaba el semblante.

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Su presencia en el escenario era inolvidable sobre todo por sus atuendos, que incluían pantalones ajustados, enteros con estampados y pintura corporal. No hay que olvidarse de los trajes coloridos, que fueron de gran inspiración para otros cantantes como Harry Styles. También el mundo de la alta costura tomó de los diseños que usaba Bowie para crear colecciones completas basadas en él, como las casas de Givenchy, Prada o Jean Paul Gaultier (foto). 

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David Bowie también dejó su huella en el mundo del cine, en donde demostró su capacidad camaleónica en personajes de películas como The Man Who Fell To Earth, Merry Christmas Mr. Lawrence o, la más famosa de su catálogo, Labyrinth. También participó de la comedia Zoolander, junto con Ben Stiller y Owen Wilson, en donde interpretó a un juez de batalla por las pasarelas. Ese papel icónico confirmó también su relación con lo fashion. 

Pero uno de los mayores logros que el artista compartió al mundo fue el de la liberación sexual. En 1972 Bowie se proclamó gay, cinco años después de que la homosexualidad hubiera dejado de ser un crimen en el Reino Unido. Unos años más tarde, se definió como bisexual. Tuvo dos esposas, la primera, Angela Bowie, en los 70s, con quien tuvo a su hijo Zowie Bowie; luego conoció a la modelo Iman en los 90s, de quien se enamoró profundamente y con quien compartió su vida hasta su muerte. Pero la historia no es Bowie fue de los primeros artistas en hablar tan abiertamente sobre su orientación, mucho antes que Elton John o Freddie Mercury, por lo que es considerado un ícono gay. 

Con más de medio siglo de talento desplegado, Bowie sigue siendo un centro de atención aclamado. Sus contribuciones a todo tipo de arte son veneradas y lo seguirán siendo por mucho tiempo más, considerando que él mismo tenía una visión muy clara del futuro. En dos días, el 10 de enero, se cumple el aniversario número 5 de su fallecimiento a causa de un cáncer de hígado. 

Para escuchar:

• Heroes – Heroes, 1977
• Changes – ChengesOneBowie, 1976
• Modern Love – ChangesBowie, 1990
• Life On Mars? – Hunky Dory, 1971

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Recomendaciones de FOMO

Zig Mentality: levantando la bandera del rock independiente

Cuando pensábamos que el rock estaba en su último aliento, el 2020 nos demostró lo contrario. Se habla de una nueva ola del género, que, aunque deteriorado por el paso del tiempo y la intervención de las corporaciones que mueven millones de dólares (y que sólo les importa eso), navega con la fuerza de la independencia y un sonido potente. 

Zig Mentality, de izq. a der.: Quinn (batería), Jig (voz, bajo) y Liam (guitarra).

Zig Mentality es una banda de punk rock canadiense, conformada por los hermanos Jig Dubé (voz, bajo), Liam Dubé (guitarra) y Quinn Dubé (batería, backing vocals). Un gran descubrimiento de este año. Oriundos de Ottawa, comenzaron desde la infancia rodeados de instrumentos, gracias a su padre. De sus primeros encuentros con la música, Quinn explica: “Todos nos criamos en el mismo hogar, siempre estuvimos rodeados de instrumentos y fue muy natural para nosotros el simplemente tocar música. Nuestro papá nos ponía todo tipo de música cuando éramos más chicos”. Cada uno escogió su instrumento por tener un talento nato, más que porque les gustaran específicamente, y comenzaron a jammear juntos porque les parecía divertido. 

Desde que comenzaron la banda hace algunos años bajo el nombre dubé, recorrieron los alrededores de su lugar de origen haciendo conciertos en estacionamientos y luego en las casas de sus amigos y la propia. Participaron de los festivales de Bonaroo, Osheaga y Ottawa Blues Fest, además de hacer giras en Estados Unidos y el Reino Unido.

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Más tarde cambiaron su nombre a Zig Mentality. “Zig” significa un cambio brusco de dirección, que puede ser aplicado a cualquier ámbito de la vida. Los artistas contaron que un momento Zig fue cuando se dieron cuenta de que ellos mismos podían trabajar 100% solos en su música: “Antes teníamos un setup de grabación más básico y trabajábamos mucho en nuestros demos, pasábamos toneladas de tiempo probando cosas, experimentando y aprendiendo, simplemente tratando de armar un buen sonido. Después íbamos a un estudio real con nuestros demos, el productor los escuchaba y sabía exactamente lo que queríamos. Los ingenieros nos dijeron en un par de ocasiones que los demos que estábamos enviando eran realmente precisos, que eran muy fáciles de escuchar, así que fue un buen comienzo. Hubo una vez en la que salimos de la grabación y seguimos trabajando en nuestro estudio, y finalmente hacés un demo que suena hasta el punto en el que estás como ‘¿por qué iríamos al estudio a grabar esto de nuevo, si ya suena exactamente como queríamos que sonara?’. Y la primera vez que nos pasó eso fue un momento Zig”, mencionó Jig.

Con un estilo rebelde, ruidoso y áspero, Zig Mentality presentó este año su EP, THE SESH, compuesto por cinco canciones con riffs que recuerdan a los mejores temas de Nirvana, una batería potente y un bajo igual de importante que los demás instrumentos, exponiendo todo al mismo nivel y creando un sonido con mucha distorsión al mejor estilo Black Flag, aunque más moderno. Su canción If You Ever llegó a más de 100 mil streams desde su lanzamiento en mayo. Altamente estimulados por el mejor rock de décadas pasadas (especialmente de los 80s y 90s), nombran a Soundgarden, The Beatles y Led Zeppelin como algunas de sus influencias. 

Aunque también declararon que se sienten muy inspirados por artistas actuales, que además de su música, tienen un trasfondo muy interesante: crean contenido completamente independiente, o como lo llaman en Zig Mentality, DIY (do it yourself, traducido como “hazlo tú mismo”). Compositores como Kevin Parker de Tame Impala o Bon Iver son casos perfectos en donde no se necesita de nadie más para hacer música híper personal, aparte de exitosa. Los hermanos construyeron durante los últimos cuatro años su propio estudio en el sótano de su casa, equipado con todo lo que necesitan para crear el ambiente de trabajo perfecto, además de ser cómodo y estar a solo unos metros de sus camas.

Aparte de ser muy capaces para hacer todo “self-engineered, self-produced, self-mixed y self-mastered”, los hermanos publicaron en sus redes y contaron a FOMO la experiencia que los llevó a tomar la decisión de no tener ninguna influencia corporativa: 

“El EP que lanzamos este año estaba bajo un sello discográfico con el que trabajábamos, y cuando firmás con un sello importante, esperás algún tipo de soporte en las playlists o material de comunicado de prensa, pero sentimos que no era un lanzamiento serio, como si estuvieran diciendo ‘está bien, tenemos esta banda, vamos a sacarlo para ver si pega’. Y de esa experiencia aprendimos que no es que firmás con un sello importante y de repente se escribe un plan para vos y solo tenés que ejecutar las cosas que se te presentan y llamarte un artista con integridad. Es mucho más probable que termines teniendo que competir para llegar a la cima de la lista de personas que merecen su atención. Y entonces te abrís camino y esa rutina competitiva te empuja a convertirte en un artista de calidad, que puede existir fuera del sello principal”. 

Cuando la pandemia golpeó, muchas discográficas tenían poco dinero y las bandas estaban saliendo de sus acuerdos, así que Zig Mentality eligió hacer lo mismo. “Preguntamos por nuestros masters, ya que no iban a hacer nada con ellos, y la respuesta parecía ser no por alguna razón, que no nos sorprendió honestamente. Pero así es como funciona el negocio. Así que lo primero que hicimos fue empezar a grabarlos nuevamente y es fantástico porque ahora podemos lanzar cuando queramos, podemos grabar ahora mismo y publicarlo en Spotify y seguir haciéndolo una y otra vez” contó Jig. Quinn agregó: “cuando empezamos a conseguir fondos del sello, los tomábamos y lo metíamos en nuestro estudio. Pensamos en que no lo teníamos que gastar en estupideces, sino para que podamos seguir haciendo nuestro producto. Estábamos mirando el panorama general, íbamos a seguir haciendo música mucho más tiempo de lo que duraba el contrato discográfico”.

De esta circunstancia surgió Best Direction, single que lanzaron en noviembre, que habla acerca de la obsesión con las posesiones y el enmascaramiento de lo que queremos esconder: “And you thought that the best / Of the best would invest / But possessions possess us / Infest us all / And the rest of us stress / To address the distress / That we dressed in a mess / That we’re blessed to own”. “Esta pista es cómo suena Zig Mentality cuando les decís a los A & R (artists & repertoires, encargados de buscar talento para las discográficas), productores e ingenieros que se guarden sus consejos habituales para ellos. Se puede argumentar que muchas bandas «pierden el control de su dirección» a medida que avanzan sus carreras y más personas se involucran, pero no se puede decir eso sobre Zig» advirtió Jig. El track alcanzó las 5 mil reproducciones luego de sólo unos días sin ninguna ayuda de playlists o intervención de la industria. 

Además de producir sus propias canciones, los artistas dirigen sus propios videos y hacen su propio management. Son muy activos en sus redes sociales, ya que tienen presente que el contacto con sus fans es importante para que su música crezca y se propague más rápido. En su canal de YouTube comparten el detrás de escena de la creación de sus tracks y videos, en un segmento llamado “How The Fuck Did You Guys Come Up With That Shit”, en donde cuentan cómo surgen las ideas y las llevan a cabo. Pero lo más interesante de la banda son sus BMFs, acrónimo de “Big Mother Fuckerness”. Se trata de pequeños fragmentos de canciones en donde confluyen todos los instrumentos a la vez y se crea una gran explosión, tanto rítmica como sónicamente hablando, muy parecido a lo que hacía Rage Against The Machine en algunas de sus canciones. Con la intención de que todos muestren sus habilidades y nadie quede atrás, lograron diferenciarse de otras bandas con algo súmamente único y divertido.

La banda explicó que el mensaje principal que quieren dar con su música es el de tener una mente abierta y dispuesta al crecimiento, y que esta mentalidad es aplicable a cualquier categoría en la vida. También el Do It Yourself, ya que “te sorprenderías de lo buenos que pueden ser los resultados”. Jig comenta: “nada es tan inalcanzable, el mundo es bastante pequeño”, a lo que su hermano Quinn agrega “encontrá algo que te guste hacer, vuélvete bueno en eso y crecé”. 

A pesar de la pandemia, Zig Mentality siguió tocando “en vivo” a través de livestreams en sus distintas plataformas. Aunque afirman que no es lo mismo que tocar para gente que está en la misma habitación: “lo que más extrañamos es poder interactuar con el público. Lo mejor de los shows en vivo es que cuando tocás, te encontrás en una relación de acción y reacción con la gente que te está mirando, y obtenés reacciones de cuáles son los mejores momentos del set o de tus canciones, y eso lleva a que subconscientemente todos los miembros de la banda enfaticen en ese momento y que las canciones progresen con el tiempo”, afirma Jig.

Al preguntarles qué pensaban de la frase “el rock ha muerto”, los hermanos mencionaron que, aunque la mayoría de las canciones que encuentran en playlists del género no son de su gusto, creen que esta fue sólo una mala década. Jig aclara: “Pienso que se necesita una categoría separada en el rock para que se puedan distinguir las cosas apropiadamente, porque sentimos que la gente que escucha nuestra música no es del mismo tipo que la que escucha algo más clásico. Son demografías distintas, así que no deberían estar en la misma categoría. No es que el rock esté muerto, es que el rock se volvió poco interesante para cierta gente”.

Por esta razón, Zig Mentality junto con otros artistas como Cleopatrick o Ready The Prince crearon la playlist New Rock Mafia, con la música que ellos consideran es del mismo estilo, con la intención de, a su vez, formar una comunidad de este nuevo tipo de rock, diferente a las demás subcategorías, y de integrar a bandas nuevas que merecen reconocimiento. “New Rock Mafia es la mayor esperanza que he tenido de la música rock en toda mi vida” dice Quinn. Agregan que todavía hay esperanza, y que hay gente a la que sí le interesa y verdaderamente le gusta este nuevo género.

Miley Cyrus: entre el pop y el rock hay una fina línea

La cantante, quien una vez fue Hannah Montana, ahora juega con su nueva imagen rockera mientras hace covers y espera el estreno de su nuevo disco, Plastic Hearts.

En el mundo del pop parece ser moneda corriente que los artistas cambien su imagen y estilo cada vez que presentan un nuevo álbum. Esta vez, Miley Cyrus decidió volver el tiempo atrás y rememorar lo que fueron sus primeros momentos, tan rock/pop como las estrellas de los early 2000 solían serlo (Jonas Brothers, anybody?), pero con una actitud mucho más madura y un sonido más pulido. 

Miley apuesta por una imagen que recuerda a las artistas de los 70s, como Joan Jett.

En enero la artista presentó un nuevo corte de pelo al estilo “mullet” como Joan Jett, integrante de The Runaways, aunque manteniendo el rubio platinado que la caracteriza desde 2013. Con pelo rebajado hasta los hombros y flequillo, Miley sacó el single Midnight Sky a mediados de agosto, y el pueblo supo que se venía una nueva era llena de looks osados y canciones llenas de energía. El track llegó al puesto número 14 en la lista de Billboard 100. En una entrevista en el podcast de Joe Rogan, ella explicó que el título de la canción fue inspirado por “Heart of Glass”, de Blondie. 

Su nuevo y séptimo álbum de estudio, Plastic Hearts, tiene día de lanzamiento para el 27 de noviembre, una semana después del cumpleaños número 28 de la cantante. El día del anuncio, Cyrus posteó una foto de la tapa del disco, retratada por el icónico fotógrafo Mick Rock (quien trabajó con nombres como David Bowie y Queen). Junto con la imagen, explicó en un texto cálido dirigido a sus fans: 

“Si estás leyendo esto… debes saber que te amo y te aprecio en el nivel más profundo. Comencé este álbum hace más de 2 años. Pensé que lo tenía todo resuelto. No solo el disco con sus canciones y sonidos, sino toda mi puta vida. Nadie controla un ego como la vida misma. Justo cuando pensaba que el cuerpo del trabajo estaba terminado… todo se borró. Incluyendo la mayor parte de la relevancia musical. Porque TODO había cambiado”.

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If you’re reading this… know that I fucking love and appreciate you on the deepest level. I began this album over 2 years ago. Thought I had it all figured out. Not just the record with its songs and sounds but my whole fucking life. No one checks an ego like life itself. Just when I thought the body of work was finished… it was ALL erased. Including most of the musics relevance. Because EVERYTHING had changed. Nature did what I now see as a favor and destroyed what I couldn’t let go of for myself. I lost my house in a fire but found myself in its ashes. Luckily my collaborators still had most of the music that was burned up in journals and computers filled with songs for the EP series I was working on at the time. But it never felt right to release my “story” (each record being a continual autobiography) with a huge chapter missing. If it were a chapter in my book I guess I would call it “The Beginning” which usually when something is over we call it “The End”. But it was far from that. In triumph and gratitude I present to you my 7th studio record, Plastic Hearts. To be released Nov. 27th 2020. XXMC Pre Order in Bio. Photograph by: @therealmickrock

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La artista fue víctima de los incendios que hubo en California en 2018, cuando perdió la casa en la que vivía con su ahora ex, el actor Liam Hemsworth. En su momento, Miley donó 500.000 dólares a The Malibu Foundation para ayudar a la comunidad a reconstruir sus hogares. En su post en Instagram, continuó: “La naturaleza hizo lo que ahora veo como un favor y destruyó lo que no podía dejar ir por mí mismo. Perdí mi casa en un incendio, pero me encontré en sus cenizas”.

Liam Hemsworth publicó una fotografía de los restos de la casa que compartía con Miley Cirus luego del incendio.

Desde la plataforma Genius, se informó que Cyrus originalmente planeó lanzar una serie de tres EP, comenzando con She Is Coming, lanzado en 2019. Pero luego de la tragedia tuvo que cambiar de planes, aunque explicó que gran cantidad del material se salvó: “Afortunadamente, mis colaboradores todavía tenían la mayor parte de la música que se quemó en diarios y computadoras llenas de canciones para la serie de EP en la que estaba trabajando en ese momento. Pero nunca me pareció correcto publicar mi historia (cada disco es una autobiografía continua) sin un capítulo enorme. Si fuera un capítulo de mi libro, supongo que lo llamaría El comienzo, que normalmente cuando algo termina lo llamamos El fin. Pero estaba lejos de eso”.

Aparte de la gran influencia que la artista tuvo de las exitosas mujeres del nuevo género al que aspira como Joan Jett o Debbie Harris, se puede suponer que gran parte de la ola del rock vino de la mano del músico y productor Andew Watt, amigo y colaborador de Miley desde hace varios años. Watt tiene a su vez un amplio background de trabajos con ídolos del rock, incluidos Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) Taylor Hawkins (Foo Fighters), Rob Trujillo (Metallica), Post Malone y el legendario Ozzy Osbourne. 

Miley Cyrus y Andrew Watt. Fuente: Andrew Mason.

Además de la noticia que llegará en noviembre, la cantante no dejó al público con los oídos desocupados en todo este tiempo. A través de plataformas como Instagram IGTV y Youtube, Miley compartió covers que hizo parte de sus Unplugged Backyard Sessions junto a MTV. Primero deleitó a sus fans con una versión muy laid back y con un tono country de Gimme More, el hit de Britney Spears; luego presentó junto a Noah Cyrus I Got So High That I Saw Jesus, un tema de la autoría de su hermana menor; también contó con canciones como Sweet Jane de The Velvet Underground y Just Breathe, de Pearl Jam. Cerró la tanda de las Backyards Sessions con Midnight Sky. 

Pero esto no terminó ahí. Cyrus también se presentó en Whiskey a Go Go, el mítico club nocturno en donde varias bandas tuvieron sus comienzos, sin público, con la intención de recaudar fondos para salvar la industria musical en el Save Our Stages Fest. El repertorio de la performance contó con Midnight Sky y Boys Don’t Cry (cover de The Cure), pero lo que se llevó todas las miradas fue la versión heavy rock de Zombie, originalmente de The Cranberries. La potencia de la voz de Miley, acompañada de Watt en la guitarra y un crew igual de poderoso, le dieron a la función el toque de energía que le faltaba a este 2020. 

Hay que recordar que la cantante no es ajena a las interpretaciones de canciones de otros músicos: en su álbum debut, Breakout (2008), se encuentra Girls Just Wanna Have Fun de Cindy Lauper; en Can’t Be Tamed (2010) incluyó Every Rose Has Its Thorn, de Carlos Belinchón Lanzas; y una versión de My Darling de The Beatles en Bangerz (2013). 

Salida de las cenizas con mucha fuerza, Miley Cyrus se impone nuevamente ante la vista de todos con su personalidad rebelde y reveladora. 

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Recomendaciones de FOMO

Emily in Paris y una mala pasada para los franceses

La nueva serie de Netflix protagonizada por Lily Collins causó revuelo por estereotipar a los ciudadanos de la urbe europea.

El 2 de octubre Netflix estrenó Emily in Paris, la serie acerca de una veinteañera que debe mudarse de Chicago a París para trabajar en una firma de marketing, en donde conocerá, además de la ciudad, el amor y los inconvenientes de la ciudad y su gente. Protagonizada por Lily Collins como Emily Cooper, el foco de la serie parece querer basarse en la belleza de la icónica metrópolis y sus paisajes, la moda y… los estereotipos franceses.

En sí, la serie puede ser muy divertida y perfecta para pasar el rato, ya sea por la duración de los capítulos (aproximadamente treinta minutos, ideal para esos momentos en los que no se tiene nada que hacer pero tampoco podemos ver una película entera) o por la trama leve que se presenta, por lo menos en esta primera temporada. Sin dudas la fotografía también llama la atención, y Emily genera en el espectador esa envidia de poder estar en un lugar desconocido y hermoso a la vez (¡sobre todo en pandemia!). 

La actuación de las estrellas, incluidas Lucas Bravo como Gabriel, el interés amoroso de Emily; Philippine Leroy-Beaulieu como Sylvie, la jefa un tanto escéptica que no está feliz con la llegada de la protagonista a su firma; Ashley Park como Mindy, la mejor amiga que ayuda a Emily cada vez que le surge un white girl problem o William Abadie como Antoine, un empresario dueño de una cadena de hoteles que pondrá en juego la relación entre varios personajes, es completamente digna de una serie como la nueva de Netflix. Algo dramática en los movimientos, con diálogos esperables con un tono levemente sexual en todo momento y desarrollo de los héroes, siempre para bien.

Lily Collins como Emily y Ashley Park como Mindy. Fuente: Netflix.

Pero por otro lado, el show recurre a demasiados clichés tanto de la pantalla chica como de la grande, lo que hace que Emily in Paris pueda parecer bastante banal y predecible en la mayoría de la resolución de los argumentos que se presentan. Sin spoilers, un claro ejemplo es la salida de una fiesta, en la que Emily está a cargo de un objeto valioso muy preciado, pero que, obviamente, está en las manos más peligrosas: una actriz tonta. Dicha actriz tonta se retira borracha y sin avisar de dicha fiesta, y Emily pierde la cabeza: no sabe cómo recuperarlo. ¿Quién viene al rescate? El príncipe azul, que la lleva en la parte trasera de su moto para recuperar dicho objeto preciado. Obviamente, Emily abraza a dicho príncipe azul por la espalda y esboza una sonrisa de satisfacción mientras se pierden en la ruta nocturna.

Sin embargo, el asunto más controversial que destacó a la serie en tan poco tiempo fue, en realidad, lo más negativo: se expone a los ciudadanos franceses como personas vagas, maliciosas, que no trabajan, que son malos con los extranjeros y se aprovechan de ellos, que sólo están obsesionadas con el sexo y engañan a sus parejas con cualquier individuo que camine y diga bonjour (entre otras cosas). 

Un aspecto muy extraño es la forma en que se presentan a los hombres franceses. Sin exagerar, todos y cada uno de ellos parecen salidos de unas vacaciones caribeñas, con dinero saliéndole de los oídos, y una especialidad en poner incómoda a cualquier persona del público con sus supuestas pick-up lines “románticas”, al estilo francés (lo cual parece ser sinónimo de erótico). Mire donde se mire, estos señores siempre estarán mirando de vuelta con ojos, mas que seductores, pervertidos. Más una sonrisa igual de macabra. 

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Muy creepy, ¿verdad? Fuente: Netflix.

Otras características que la serie les atribuye deliberadamente a los pobres franceses son, por ejemplo, el hecho de que no se bañen y que no les preocupa para nada la limpieza en general; que pueden ser snobs desagradables con los que no se puede compartir una visita al teatro para ver El Lago de los Cisnes; y que incluso se pone a las mujeres en una posición de inferioridad que hasta las mismas mujeres aceptan. Se entiende el punto.

En defensa de los parisinos, Emily también puede ser un personaje bastante irritable, que se queja de cualidades y circunstancias de una ciudad (y país) en la que ni siquiera sabe hablar su idioma, y a su vez trata de pertenecer usando boinas (que nadie más en París parece usarlas) y un traductor en su celular que parece salvarle las papas cada vez que intenta comunicarse con alguien. 

El uso y abuso de las boinas, Por Emily Cooper. Fuente: Netflix.

Volviendo a las boinas, discutamos el estilo de Emily: parece ser que el dress code se perdió en la traducción y la protagonista entendió que había que mezclar todos los colores, texturas y accesorios para estar a la moda, y se perdió las fashion weeks de los últimos cinco años. Pierre Cadault, diseñador de alta costura en la serie, no se equivoca mucho al no querer trabajar con ella luego de ver el colgante que llevaba en su cartera. Quizás es como Emily se vestía cuando vivía en Chicago, y sus combinaciones estrambóticas sean su marca personal, pero no concuerda con la mirada minimalista que se le da a la moda en una de las capitales más importantes. Incluso el resto de las mujeres de la serie demuestran la simplicidad de la paleta de colores que suelen elegir en la indumentaria, como en los casos de Sylvie o Camille.

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Toda esta polémica desató varios comentarios de franceses desilusionados. Incluso una periodista francesa de Buzzfeed, Marie Telling, escribió un artículo enlistando todo lo que estaba mal con la serie. Algunos comentarios enojados de revistas lugareñas incluyen «reduce a los habitantes de la capital a viles snobs», «los franceses realmente no tienen el mejor papel: desagradables, decir no a todo» o mi favorita: «boinas. Croissants. Los camareros gruñones. Los conserjes irascibles. Los coqueteos incorregibles. Amantes y amantes. Cita un cliché sobre Francia y los franceses y lo encontrarás en Emily in Paris».

Será cuestión de esperar una segunda temporada para ver el progreso de los personajes y de la trama, pero por ahora queda disfrutar de un show que se apropió de una cultura para hacerla más “interesante”. 

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Recomendaciones de FOMO

(What’s The Story) Morning Glory: el mejor álbum de Oasis cumple 25 años

(What’s The Story) Morning Glory es el segundo álbum de estudio de Oasis, la banda emergida de Manchester, Inglaterra, que hoy festeja sus 25 años. Con los hermanos Gallagher (Noel en la guitarra principal y Liam como el cantante líder), Paul Arthurs en la guitarra de ritmo, Paul McGuigan en el bajo y Alan White en la batería, tiene un sonido mucho más producido y pulido e incluye muchos más arreglos instrumentales que lo que había sido Definitely Maybe, su disco debut, con un sonido más crudo y ruidoso. Influenciados profundamente por The Beatles, la banda británica pudo alcanzar un rango amplio de estilos con (What’s The Story) Morning Glory.

La tapa del disco (What’s The Story) Morning Glory, 1995.

El disco recibió críticas de los dos lados al momento de su estreno, pero rápidamente se volvió un ícono que describía perfectamente lo que le pasaba a la banda a mitad de los noventa. Su anterior álbum, Definitely Maybe, se había convertido en el disco debut con mayores ventas del mundo, pero fue Morning Glory que los llevó a la fama. Noel dijo en una entrevista: “mientras que DM hablaba de cómo se sentiría ser un rockstar en una banda, Morning Glory habla de ser un rockstar en una banda”. 

El opening track, Hello, comienza con los riffs famosísimos de Wonderwall, algo que el oyente puede reconocer inmediatamente, hasta que lo familiar se corta con una prueba de sonido de una guitarra eléctrica y comienza una canción totalmente diferente. Esta disrupción fue intencional, ya que Wonderwall había salido como el tercer single del álbum, y ya había ganado la popularidad suficiente como para que los artistas la odiasen, por lo que decidieron componer esta introducción para mostrar su descontento con la fama de la canción. 

Tanto Hello como Roll With It, el segundo track, tratan acerca de la vida como un rocanrolero, y sus aspectos tanto positivos como negativos. Los Gallagher siempre fueron fieles defensores de mostrarse tal como son y decir exactamente lo que piensan (lo que los llevó varias veces a callejones sin salida y peleas con medio mundo), y parece ser que el mundo de la música les demostró que puede haber mucha gente falsa y con intenciones disfrazadas. 

Algunas líneas que podemos sacar a partir de esto son: “I don’t feel as if I know you / You take up all my time” o “We live in the shadows and we / Had the chance and threw it away”. Estos son claros ejemplos de cómo se dieron cuenta de que hay gente en la industria que finge ser alguien más para pertenecer y llegar lejos. Roll With it cuenta con letras como “You gotta say what you say / Don’t let anybody get in your way” y “Don’t ever stand aside / Don’t ever be denied / You gotta be who you’d be / If you’re coming with me”; que hacen referencia a mantenerse fiel a uno mismo a pesar de cambiar de ámbito y llevar otro estilo de vida en tan poco tiempo. 

El line up de la banda en 1995: Paul Arthurs, Noel Gallagher, Liam Gallagher, Paul McGuigan y Alan White.

El mood cambia rotundamente cuando llegamos a la tos (¡literalmente!) que le da comienzo a Wonderwall, el clásico de la banda, con unos acordes tranquilos y un poco tristes. Noel explicó en una entrevista que un “wonderwall” es un amigo imaginario que viene a salvarlo de los momentos difíciles. ¿Qué momentos? Exactamente de los que se habla en todo el disco: el salto a la fama, las mentiras, la drogadicción, las dificultades de la vida en general. La canción cuenta con unas letras más heavy, como “And all the roads we have to walk are winding / And all the lights that lead us there are blinding”, lo cual significa estar transitando por un camino en el que no se ve lo que hay más adelante, no saber con qué nos vamos a encontrar. Pero después llega nuestro wonderwall a salvarnos: “Because maybe / You’re gonna be the one that saves me”.

Borradores del cuaderno de Noel de lo que se convirtió en su mayor éxito: Wonderwall. Fuente: Oasis.

Otra cuestión que se trata en varios tracks del disco es el paso del tiempo, que parece ser algo que preocupa mucho a Noel, el escritor en la banda. Esto se verifica en canciones como Don’t Look Back In Anger (“You said that you’d never been / But all the things that you’ve seen / Slowly fade away”) y Hey Now (“I took a walk with my fame down memory lane / I never did find my way back” o “Feel no shame / Cause time’s no chain”). Algunas de estas frases parecen contradictorias: en algunas se habla de que no hay manera de volver el tiempo atrás y de cambiar lo que sucedió en el pasado; otras dicen que no hay que arrepentirse de ser quien uno es y que no hay tiempo para mentirse y no hacer lo que uno quiere. La realidad es que desde su debut, la banda llegó a la gloria en muy poco tiempo y sus vidas cambiaron drásticamente, llenándose de salidas, alcohol y drogas todas las noches.

Estos argumentos se vuelven más evidentes en los siguientes temas del disco: mientras que Some Might Say habla del pasaje de una vida en la pequeña ciudad con problemas familiares (se hace una referencia al trabajo de lavaplatos de la madre de los Gallagher, Peggy, cuando dice “The sink is full of fishes / She’s got dirty dishes on the brain”), Morning Glory expresa las sensaciones de una vida descontrolada y con sustancias (“All your dreams are made / When you’re chained to the mirror and the razorblade”, haciendo referencia a consumir unas líneas de cocaína por la mañana en el baño) y la pesadez que conlleva: “Need a little time to wake up / Need a little time to rest your mind”.

En el medio de estos tracks nos encontramos con lo que puede ser la canción más emotiva y profunda de Morning Glory: Cast No Shadow, la cual Noel escribió sobre su amigo y cantante de la banda The Verve, Richard Ashcroft, otro ícono del brit pop. El track se refiere a cómo Ashcroft siempre se esforzó por tratar de pertenecer a su banda, a la esfera de la música, y por escribir canciones con propósito y profundas, pero nunca se sintió completamente feliz ni reflejó, como menciona el título, su sombra en algún lugar. Ashcroft dejó su banda tres semanas después de escuchar la canción compuesta por Noel. 

Noel Gallagher y Richard Ashcroft, escritor y cantante de The Verve.

Una particularidad interesantísima del disco son las dos pistas incluidas en el medio tituladas, irónicamente, “Untitled” (sin título). Estos son fragmentos distintos a todo el resto que se presenta, como si fueran parte de un sueño, sonidos que transmiten a otro lugar si uno cierra los ojos, acompañado de las olas del mar y una canción que parece sacada de una radio vieja, que ni siquiera se escucha tan claramente. La duración de estos tramos es de 45 y 39 segundos respectivamente, lo cual dejan un poco desubicado al oyente. Resulta que tres años después, para el álbum The Masterplan, incluirían una versión en vivo de la canción completa, The Swamp Song, un tema instrumental heavy y ruidoso, típico del sonido poderoso de Oasis. 

Champagne Supernova es la última canción del disco, en la que se hace una conclusión sobre los contenidos previamente tratados durante todo Morning Glory. Champagne Supernova es nostálgica, rozando la melancolía de lo que fue el pasado y cómo se vive el presente, los cambios que sufren las personas para bien o para mal, todo representado desde los primeros versos: “How many special people change / How many lives are living strange / Where were you while we were getting high”. En el estribillo, “Someday you will find me / Caught beneath the landslide / In a champagne supernova in the sky”, Noel se refiere a sentirse como si estuviera en una avalancha, de mal humor, sofocado. El track termina con un hermoso fade out instrumental y le da fin al álbum más exitoso de la banda. 

(What’s The Story) Morning Glory llegó a vender 345.000 copias en la primera semana, y hasta ahora lleva más de 22 millones de copias vendidas en sus 25 años de existencia. Llegó a ser 14 veces platino en el Reino Unido, 8 veces en Australia y 4 veces en Estados Unidos. Sus singles Some Might Say y Don’t Look Back In Anger llegaron a ser número 1 en las listas inglesas, mientras que Wonderwall y Champagne Supernova lo lograron en la de rock alternativo en USA. En 1996 se llevaron el premio a Mejor Álbum Británico en los Brit Awards. Sin dudas fue el álbum que llevó a Oasis al estrellato y a transformarse de una banda indie alternativa que tocaba en pequeños bares a un acto de rock mundial.

Fue en esta época cuando a Oasis se lo vinculaba con otra banda británica perteneciente el brit pop, Blur. Los medios trataban de antagonizarlos siempre, y crearon una rivalidad entre ellos llamada “The Battle of Brit Pop” (la batalla del brit pop). Incluso la discográfica de Blur, para el álbum The Great Escape, del mismo año, movió la fecha del lanzamiento para que coincida con la de WTSMG. Pero Oasis ya había conseguido posicionarse por encima con Roll With It, el cual había llegado al puesto número uno en abril de 1995. 

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Desde su cuenta de instagram, Oasis compartió fotografías nunca antes vistas de la banda para festejar el aniversario.

Oasis se separó en 2009 a causa de fuertes peleas entre los hermanos Gallagher, y desde ese momento nunca se reunieron para tocar juntos otra vez. Liam, por su parte, mencionó que no estaría en desacuerdo en reencontrarse con la banda, pero Noel aseguró en que eso no pasaría en ningún futuro cercano. A pesar de su separación, Oasis demostró ser muy importante para la cultura musical y resistió la prueba del tiempo. Ambos hermanos continuaron sus carreras como solistas, y el público sigue amándolos, aun más cuando tocan alguna de sus canciones que siguen sobreviviendo en nuestras mentes. 

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Recomendaciones de FOMO

¡SPOOKTOBER EN FOMO!

Llegó octubre, llegó spooktober. Una lista de películas, una para cada día del mes, para que disfrutes del cine de terror que tan popular se vuelve hasta el mejor día: Halloween. 

Disclaimer: Las películas se presentan en orden cronológico, pero se puede elegir mirarlas de cualquier manera.

Psycho (1960)

Cuando la ladrona de bienes raíces Marion Crane se da a la fuga con un fajo de dinero en efectivo y espera comenzar una nueva vida, termina en el notorio Bates Motel, donde el gerente Norman Bates cuida de su madre que no puede salir de casa. El lugar parece peculiar, pero está bien… hasta que Marion decide tomar una ducha.

Rosemary´s Baby (1968)

Una joven pareja se muda a un infame edificio de apartamentos de Nueva York para formar una familia. Las cosas se vuelven aterradoras cuando Rosemary comienza a sospechar que su bebé no nacido no está seguro con sus extraños vecinos.

Night Of The Living Dead (1968)

Si no te asusta, ¡es porque ya estás muerto! Un grupo de personas intenta sobrevivir a un ataque de zombis sedientos de sangre mientras están atrapados en una granja rural de Pensilvania. Qué noche. 

A Clockwork Orange (1971)

En una Gran Bretaña del futuro cercano, el joven Alexander DeLarge y sus amigos se divierten golpeando y violando a quien les plazca. Cuando no destruye la vida de los demás, Alex se desmaya con la música de Beethoven. El estado, ansioso por tomar medidas enérgicas contra los delitos juveniles, le da a un Alex encarcelado la opción de someterse a un procedimiento invasivo que le robará toda agencia personal. En una época en la que la conciencia es una mercancía, ¿puede Alex cambiar de tono?

The Exorcist (1973)

Regan MacNeil, una niña de 12 años comienza a adaptar una nueva personalidad explícita a medida que ocurren eventos extraños en el área local de Georgetown. Su madre se debate entre la ciencia y la superstición en un intento desesperado por salvar a su hija, y finalmente recurre a su última esperanza: el padre Damien Karras, un sacerdote atormentado que lucha con su propia fe.

The Texas Chainsaw Massacre (1974)

Cuando Sally se entera de que la tumba de su abuelo puede haber sido objeto de vandalismo, ella y su hermano parapléjico, Franklin, parten con sus amigos a investigar. Después de un desvío a la antigua casa de campo de su familia, descubren a un grupo de locos asesinos que viven al lado. Mientras el grupo es atacado uno por uno por Leatherface, dueño de una motosierra que lleva una máscara de piel humana, los supervivientes deben hacer todo lo posible para escapar.

Carrie (1976)

Carrie White, una adolescente tímida y con problemas que es atormentada por sus compañeros de la escuela secundaria y su madre fanáticamente religiosa, comienza a usar sus poderes de telequinesis para vengarse de ellos. Con una actuación estelar de Sissy Spacek, no te podés perder la original de las versiones que por ahí ya viste.

Suspiria (1977)

Del director italiano Darío Argento, uno de los reyes del cine de terror. Desde el momento en que llega a Freiberg, Alemania, para asistir a la prestigiosa Tanz Academy, la bailarina de ballet estadounidense Suzy Bannion siente que algo horriblemente malvado acecha entre los muros de la antigua institución.

Halloween (1978)

Quince años después de asesinar a su hermana en la noche de Halloween de 1963, Michael Myers escapa de un hospital psiquiátrico y regresa a la pequeña ciudad de Haddonfield, Illinois para volver a matar. ¿Qué mejor que ver Halloween durante el mes de Halloween?

The Shining (1980)

Una de mis favoritas, el clásico de Stanley Kubrick. Jack Torrance acepta un trabajo de cuidador en el hotel Overlook, donde él, junto con su esposa Wendy y su hijo Danny, deben vivir aislados del resto del mundo durante el invierno. Pero no están preparados para la locura que acecha en su interior. 

The Evil Dead (1981)

Cuando un grupo de estudiantes universitarios encuentra un libro misterioso y una grabación en la vieja cabaña en el desierto que han alquilado para el fin de semana, sin saberlo, desatan una fuerza demoníaca del bosque circundante.

The Thing (1982)

En la Antártida, un grupo de científicos de investigación estadounidenses son molestados en su campamento base por un helicóptero que dispara contra un perro de trineo. Cuando salvan al perro, ataca brutalmente tanto a seres humanos como a los caninos del campamento y descubren que la bestia puede asumir la forma de sus víctimas. 

Poltergeist (1982)

Steve Freeling vive con su esposa Diane y sus tres hijos, Dana, Robbie y Carol Anne, en el sur de California, donde vende casas para la empresa que construyó el vecindario. Comienza con algunos sucesos extraños, como platos rotos y muebles que se mueven solos. Sin embargo, cuando se da cuenta de que algo verdaderamente malvado acecha su hogar, Steve llama a un equipo de parapsicólogos dirigido por el Dr. Lesh para que lo ayuden antes de que sea demasiado tarde.

A Nightmare On Elm Street (1984)

Los adolescentes de una ciudad están cayendo como moscas, aparentemente presos de la histeria colectiva que provoca sus suicidios. La hija de un policía, Nancy Thompson, rastrea la causa hasta el abusador de menores Fred Krueger, quien fue quemado vivo por padres enojados muchos años antes. Krueger ha vuelto ahora en los sueños de los hijos de sus asesinos, reclamando sus vidas como venganza. Nancy y su novio, Glen, deben idear un plan para sacar al monstruo de las pesadillas.

The Silence Of The Lambs (1991)

Clarice Starling es una de las mejores estudiantes de la academia de formación del FBI. Jack Crawford quiere que Clarice entreviste al Dr. Hannibal Lecter, un psiquiatra brillante y psicópata violento, cumpliendo una vida en la cárcel por varios actos de asesinato y canibalismo. Crawford cree que Lecter puede tener una idea de un caso y que Starling, como una joven atractiva, puede ser solo el cebo para atraerlo.

The Blair Witch Project (1999)

Otra de mis preferidas. En octubre de 1994, tres estudiantes de cine desaparecieron en el bosque cerca de Burkittsville, Maryland, mientras filmaban un documental. Un año después se encontraron sus imágenes. Al parecer, la película que más miedo da es una historia verdadera.

Scream (1996)

Un asesino conocido como Ghostface comienza a matar a los adolescentes y, a medida que aumenta el número de muertos, una chica y sus amigos se encuentran contemplando las «reglas» de las películas de terror mientras viven en una de la vida real.

Mulholland Drive (2001)

Betty Elms acaba de llegar a Hollywood para convertirse en una estrella de cine cuando conoce a una enigmática mujer con amnesia. Mientras parten para resolver la identidad de la segunda mujer, el cineasta Adam Kesher se encuentra con problemas siniestros mientras presenta su último proyecto.

The Others (2001)

Grace es una mujer religiosa que vive en una casa antigua a oscuras porque sus dos hijos, Anne y Nicholas, tienen una rara sensibilidad a la luz. Cuando la familia comienza a sospechar que la casa está embrujada, Grace lucha para proteger a sus hijos a cualquier precio frente a eventos extraños y visiones perturbadoras.

Saw (2004)

La mejor de la saga es la primera. Obsesionado con enseñar a sus víctimas el valor de la vida, un asesino en serie sádico y trastornado secuestra a los moralmente descarriados. Una vez capturados, deben enfrentarse a elecciones imposibles en un horrible juego de supervivencia. Las víctimas deben luchar para recuperar sus vidas o morir en el intento.

Jennifer’s Body (2009)

La porrista popular de la escuela, recién poseída por una banda de músicos, se convierte en una asesina que se especializa en hacerles pasar el peor momento a sus compañeros masculinos. ¿Podrá su mejor amiga acabar con el horror?

The Cabin In The Woods (2011)

Cinco amigos de la universidad pasan el fin de semana en una cabaña remota en el bosque, donde obtienen más de lo que esperaban. Juntos, deben descubrir la verdad detrás de la cabaña en el bosque. Rebuscada, a veces desagradable y con un giro inesperado. 

Creep (2014)

Me encanta avisarles cuando me gusta mucho una película. Acá va otra. Al buscar trabajo, Aaron se encuentra con un anuncio en línea: “$ 1,000 por día. Servicio de filmación. Se agradece la discreción «. Con poco dinero en efectivo y lleno de ingenuidad, decide hacerlo. Conduce hasta una cabaña en un remoto pueblo de montaña donde conoce a Josef, su tema cinematográfico del día. Josef es sincero y el proyecto también lo parece, por lo que Aaron comienza a filmar. Pero a medida que avanza el día, queda claro que Josef no es quien dice, y sus intenciones no son tan puras.

It Follows (2014)

Después de que Jay, la adolescente despreocupada, duerme con su nuevo novio Hugh por primera vez, descubre que ella es la última receptora de una maldición fatal que se transmite de víctima a víctima a través de las relaciones sexuales. La muerte, aprende Jay, se arrastrará inexorablemente hacia ella como amiga o como extraña. Los amigos de Jay no creen en sus desvaríos aparentemente paranoicos, hasta que ellos también comienzan a ver a los asesinos fantasmas y se unen para ayudarla a huir o defenderse.

What We Do In The Shadows (2014)

Como para agregar un toque de humor a la cuestión. En esta película escrita, dirigida y protagonizada por el genio de Taika Waititi, los compañeros de casa vampiros intentan hacer frente a las complejidades de la vida moderna y mostrarle a un hipster recién convertido algunas de las ventajas de ser un no-muerto.

Don’t Breathe (2016)

Un grupo de adolescentes irrumpe en la casa de un ciego pensando que se saldrán con la suya con el crimen perfecto. Están equivocados.

Raw (2016)

En la familia de Justine, todos son veterinarios y vegetarianos. A los 16 años, es una adolescente talentosa que está lista para cursar su primer año en la escuela veterinaria, donde también estudia su hermana mayor. Allí, no tiene tiempo para asentarse: las bromas comienzan de inmediato. Justine se ve obligada a comer carne cruda por primera vez en su vida. Las consecuencias inesperadas surgen cuando su verdadero “yo” comienza a formarse.

Get Out (2017)

Chris y su novia Rose van a visitar a los padres de ella durante el fin de semana. Al principio, Chris interpreta el comportamiento excesivamente complaciente de la familia como intentos nerviosos de lidiar con la relación interracial de su hija, pero a medida que avanza el fin de semana, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes lo llevan a una verdad que nunca podría haber imaginado.

Hereditary (2018)

Cuando Ellen, la matriarca de la familia Graham, fallece, la familia de su hija comienza a desentrañar secretos crípticos y cada vez más aterradores sobre su ascendencia. Dirigida por Ari Aster, quien se está consagrando como el nuevo dueño del terror.

Midsommar (2019)

Otra de Aster, para probar su talento creciente. Varios amigos viajan a Suecia para estudiar como antropólogos un festival de verano que se celebra cada noventa años en la remota ciudad natal de uno de ellos. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en un lugar donde el sol nunca se pone, se convierte gradualmente en una oscura pesadilla a medida que los misteriosos habitantes los invitan a participar en sus actividades festivas inquietantes.

Parasite (2019)

Mi última mejor recomendación. Sin ser una película de terror per se, las vueltas de Parasite dejan boquiabierto a cualquiera. Todos desempleados, la familia de Ki-taek tiene un interés peculiar en los ricos y glamorosos Parques para su sustento hasta que se ven envueltos en un incidente inesperado.

Desafortunadamente, el 2020 ya es una película de terror en sí mismo. Sálvese quien pueda. 

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Recomendaciones de FOMO

Enola Holmes, entre lo clásico y la realidad de hoy

Netflix está teniendo grandes producciones últimamente, y viene salvando los viernes a la noche en aislamiento desde hace varias semanas. 

Esta vez fue el turno de Enola Holmes, la hermana de uno de los personajes más reconocidos de la historia de la literatura y el entretenimiento: Sherlock Holmes. Enola Holmes es una adolescente que, en la mañana de su cumpleaños número 16, encuentra que su madre, el amor de su vida, ha desaparecido. Junto con la ayuda de sus hermanos mayores, Mycroft y el reconocido detective Sherlock, deberán encontrarla tanto a ella como el motivo de su huida. Esto, sin librarse de algunos obstáculos y otros misterios por resolver en el camino.

Millie Bobbie Brown (Stranger Things) se pone en la piel de Enola para darle vida a un personaje con una personalidad bien definida, aunque un poco exagerada en sus líneas y movimientos. La actriz, de la misma edad que quien interpreta, es capaz de llamar la atención en todo momento, haciendo que la película se torne interesante (aunque sea un recurso ya bastante gastado) a través de la comunicación con los espectadores al romper la cuarta pared y hablarle directamente al público.

El resto del elenco está compuesto por caras también famosas, con Henry Cavill (Superman) como Sherlock Holmes, Sam Claflin (The Hunger Games) como Mycroft Holmes y Helena Bonham Carter como la madre de los hermanos. Una nueva cara es la de Louis Partridge, quien caracteriza a Lord Tewksbury, joven al que Enola debe salvar de un posible final trágico además de ser el interés amoroso de la protagonista.

El vestuario, maquillaje y peinado se pueden destacar entre los mejores trabajos del film, sobretodo para el personaje de Enola, al lograr un balance perfecto entre una chica inteligente, ruda y lista para llevarse el mundo por delante; pero femenina, cómoda y a la moda, todo a la vez. La escenografía merece otro reconocimiento: los paisajes y edificios típicos de finales del siglo diecinueve encuadran excelentemente la historia y le agregan un toque romántico y novelesco a la película. La cantidad de extras que se utilizaron es remarcable, y se consigue una realidad que sumerge al espectador en las aventuras que se plantean.

Pero lo que se alcanzó con estos aspectos se perdió un poco en el guion y la trama. A pesar de ser una buena película para pasar el rato, y que la historia encaje con la de Sherlock Holmes y la complemente de una manera favorable, hay varios elementos que se podrían haber insertado de una forma más intrincada, tratándose de una película que ahora forma parte de la saga del mejor detective. Enola se presenta como un personaje observador y perspicaz, pero a veces se le hacen las cosas muy fáciles como para pensar que una chica de 16 años pueda resolver tantas cosas en tan poco tiempo.

Una cuestión positiva son las temáticas que se tratan por debajo del argumento principal, como el feminismo o los cambios que se deben generar en una sociedad para mejor. Desde Eudoria, la madre de los Holmes, se proyecta un mensaje de levantamiento, rebelión y fuerza en una época en la que las mujeres tenían poco o nada de visibilidad y decisión sobre la vida pública y privada. Por otro lado, se presenta la cuestión del parlamento y las reformas por las que la civilización estaba transitando, con la mirada puesta en dejarle el lugar a los más jóvenes, quienes parece ser que ven los problemas con más claridad y apertura y realizar así una transformación positiva para su futuro.

Estos asuntos resuenan en lo que pasa en la realidad actualmente, y aunque se hace un enfoque notorio, no se siente pesado en lo que es parte de la película y no quita importancia al hilo superior del film. 

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Recomendaciones de FOMO

The Devil All The Time: el fanatismo cegador

Atención al fandom de Tom Holland o al de Robert Pattinson: no vean esta película solo por su amor a los actores. O sí. Atenerse a las consecuencias. 

Ni bien salió el trailer de The Devil All The Time, críticos y aficionados se sorprendieron al ver un elenco tan pomposo, con nombres como, además de los mencionados, Bill Skarsgård (IT), Riley Keough (Mad Max: Fury Road), Sebastian Stan (Capitán América) o Eliza Scanlon (Little Women). Antonio Campos ya había hecho su breakthrough directorial con Christine (2016), y parece que no dejó de lado las incomodidades ni lo perturbador para esta oportunidad. 

The Devil All The Time se ubica en la década del 60 en Knockemstiff, Ohio, en un vecindario rodeado de bosques en donde personajes siniestros convergen alrededor de Arvin Russell (Holland) mientras lucha contra las fuerzas del mal que lo amenazan a él y a su familia (Fuente: Letterboxd). Después de todo, parece ser que al pobre Arvin lo persigue el diablo, todo el tiempo.

Una característica que representa a la película es la pesadez, tanto de la trama como de los personajes. La primera cuenta con argumentos a lo largo de toda la cinta, cargados de historias del pasado que justifican las acciones violentas y crudas del presente. La atmósfera generada por esta sed de venganza y por librarse de los demonios que persiguen a cada uno es lúgubre, con un uso magnífico de los colores marrones y sepia en la edición, acompañado de una banda sonora igual de petrificante. Estos elementos le dan una especie de aura de película de terror, aunque sólo se trate de un thriller. 

Robert Pattinson encarna un pastor con un acento sureño muy personal.

Los personajes, por otra parte, son esenciales para lo que es la trama ya que sus personalidades se distinguen y crean ese clima de rivalidad y contraposición necesario para hacer del film algo tan representativo de su título. Se destaca por sobre las demás la performance de Robert Pattinson (Crepúsculo), quien interpreta a un pastor de la iglesia del pueblo que viene a reemplazar al cura anterior. Antonio Campos reveló en una entrevista que Pattinson rechazó el coaching de dialecto para sorprender a todos con un acento sureño, rasgo distintivo del protagonista, el primer día de grabación. Se puede decir que su personaje, Preston Teagarding, se convertirá en uno de los más odiados del cine, por la vileza dañina que muestra en pantalla. 

Tom Holland también realiza una actuación memorable, pudiendo separarse de su rol anterior como Spider-Man y su imagen más infantil para expandirse en un papel serio que lo convierte en un actor respetable. Arvin Russell es quien más tiempo en pantalla tiene, y Holland lo ocupa sin causar cansancio a pesar de encarnar una figura sin sentimientos ni emociones visibles. El resto del cast acompaña de manera sutil pero útil (reconózcanme la rima), sirviendo a los principales mientras intervienen en el relato en el momento justo. 

The Devil All The Time: Tom Holland as Arvin Russell. Photo Cr. Glen Wilson/Netflix © 2020

El film puede parecer despiadado de a momentos, con imágenes brutales y ácidas para aquellos de vientre débil. Sería amable de mi parte avisar que se tratan temas como la muerte (en casi todas sus formas), los miedos y fobias; los delirios y las mentiras que hacen delirar, la locura, la pérdida de seres queridos y el encontrar un futuro ideal que se ve muy lejano. Entre otros. Padecientes de aracnofobia o necrofobia, cuidado.

Pero The Devil All The Time profundiza también en un aspecto específico de una manera inusual: la obsesión por la religión. Centrada en una época y lugar en los que la devoción por el culto era moneda corriente, la película muestra cómo Dios puede llevar a la gente a accionar de la forma más terrible e insólita para conseguir su ayuda o aprobación, como los sacrificios; o hacer creer que ciertas cosas están bien al estar en su presencia, cuando en realidad es toda una simple mentira para que los más poderosos se aprovechen de los inocentes. Todos los actos de casi todos los personajes están basados en su amor u odio exacerbado por el poder mayor, lo que expone a los espectadores un extremo que, aunque fantasioso, puede volverse real en algunos casos.

La tensión es constante en la nueva película de Netflix

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