Scaled And Icy es diferente: el sexto disco de Twenty One Pilots llegó el 21 de mayo con un sonido fresco y alegre para la banda, un disfraz perfecto para las temáticas complejas y profundas que oculta. En su nuevo proyecto, Tyler Joseph y Josh Dun combinaron historias detalladas, géneros retro, referencias a las tramas de sus álbums anteriores y una producción multidimensional. El lanzamiento fue celebrado con un concierto virtual en vivo.
«Shy Away» fue elegido como el primer single de Scaled And Icy. Tyler se inspiró en una conversación que tuvo con su hermano sobre el proceso para crear sus canciones. El cantante enumera una serie de consejos acompañado por un beat ochentoso, sobre todo relacionados a los sacrificios emocionales que implica la vida como artista: “Shed your modesty / And the only thing to leave behind / Is your own skin on the floor».
Este no es el único track con aires retro: «Saturday», por ejemplo, cuenta con elementos funk y disco, algo que contrasta con la temática que trata. Su letra habla sobre los efectos de la pandemia y cómo los días fueron fusionándose entre sí durante el encierro de la cuarentena, una experiencia que se vivió a nivel global: “Lose my sense a time or two / Weeks feel like days / Medicate in the afternoon / And I just want to know / Have you lost your footing, too?”.
Twenty One Pilots festejaron el lanzamiento de «Scaled And Icy» con un concierto virtual
En Scaled And Icy, hay melodías que parecen nacidas en los 70s. Lo primero que se viene a la mente al escuchar el piano que protagoniza «Good Day» es la clara influencia de Elton John. Lo mismo ocurre en «Mulberry Street», cuyo ritmo y composición recuerdan al clásico «Bennie And The Jets».
Este regreso de los 70s y 80s marcó una fuerte tendencia en el mundo de la música, incluso en los álbums más aclamados del 2020 como Future Nostalgia de Dua Lipa, After Hours de The Weeknd y The New Abnormal de The Strokes. Dichos proyectos lograron darle un foco refrescante al funk, disco, synth-pop y otros géneros que dominaron esos tiempos.
Tyler Joseph y Josh Dun en el set de «Saturday» para su concierto virtual
Twenty One Pilots también se subieron a esta ola y lograron poner su propia firma en la exploración de estos géneros con los ingredientes que caracterizan a la banda: letras impactantes, historias atrapantes, escenarios vívidos y una producción rica y detallada. A esto se suma la habilidad de Tyler para mechar sus estrofas de rap con absoluta naturaleza, como es el caso de «The Outside», un track bailable y pegadizo con toques funk.
Uno de los momentos más dulces se encuentra en «Formidable», una canción que Tyler le dedica a Josh. El cantante expresa por qué lo admira tanto: “You are formidable to me / ‘Cause you seem to know it, where you wanna go”. Por otro lado, confiesa las inseguridades que sintió cuando emprendieron su carrera como dúo, pero deja en evidencia lo bien que se complementan.
Tyler y Josh en el set del concierto virtual para el lanzamiento de «Scaled And Icy»
Scaled And Icy incluye claras referencias a los álbums anteriores de la banda.La melodía de «Choker» recuerda a los temas de Vessel (2013) y fue elegido como el segundo single del disco. Tyler habla sobre las características y experiencias que parecen condicionar sus acciones, pero las desafía para mejorar como persona:“I see no volunteers to co-sign on my fears / I’ll sign on the line / Alone, you’re gonna change my circumstance / I know I need to move right now”.
Por otro lado, «No Chances» conecta con el disco Trench (2018) tanto en su sonido como en su mensaje. La banda optó por un instrumental agresivo y oscuro: su estribillo se basó en los cantos de los estadios, que Tyler grabó con la ayuda de su hermano y algunos de sus amigos. La letra conecta con Dema, una ciudad ficticia que crearon en Trench para representar la ansiedad y la depresión, y de la cual quieren escapar.
«Vessel» (2013) y «Trench» (2018)
«Redecorate» es el cierre de Scaled And Icy. Su letra es la más difícil de escuchar: Tyler se inspiró en una familia que perdió un hijo y que, luego de su muerte, decidió mantener su habitación exactamente como la dejó. Esto lo llevó a reflexionar sobre las decisiones que deberán tomar sus seres queridos el día que él ya no esté.
El músico imaginó varios escenarios desde la perspectiva de tres personajes que no quieren dejar el mundo sin ordenar sus habitaciones. Esta metáfora representa la imagen que dejamos atrás y los cabos sueltos que pueden quedar al morir, ya sean relacionados a lo material o a lo emocional:“I don’t want to go like this / At least let me clean my room / I don’t want to leave like this / ‘Cause the last thing I want to do is / Make my people make decisions, wondering what to do».
Si a uno le piden que defina el sonido de la banda, es casi imposible reducirlo a una sola categoría. Lo que más resalta en su música no es un estilo fijo a lo largo de su trayectoria, sino la intensa emoción y sensación de esperanza que pueden transmitir. Con su discografía, crearon un lugar de confort para sus fanáticos y Scaled And Icy es una prueba más de que Twenty One Pilots no conoce los límites a la hora de construirlo.
Empezó a rimar a los 13 años para participar en enfrentamientos de rap freestyle en las plazas. A los 20 años se convirtió en campeón internacional de la Red Bull Batalla de los Gallos 2018. Pero ese fue apenas el primer escalón de la travesía de Wos: el artista argentino, cuyo verdadero nombre es Valentín Oliva, quería ocupar su lugar en la música latinoamericana. En una entrevista con Rolling Stone, dijo: “Yo no quiero hacer trap. Están todos haciendo eso, y yo tengo la oportunidad de ocupar un lugar que no está ocupando nadie: el lugar del rap”.
Sin embargo, sus primeros proyectos lograron doblar varios géneros bajo esa bandera del rap, con tintes de trap, pop y rock. Fue nominado a los Latin Grammys 2020 como Mejor Nuevo Artista y se llevó cuatro Premios Gardel por su primer álbum, Caravana.
Hoy tiene casi dos millones y medio de oyentes mensuales en Spotify y está trabajando en su nuevo LP, que lanzará en el futuro cercano. Este 23 de enero, en el cumpleaños número 23 de Wos, te llevamos a recorrer su discografía: desde sus singles iniciales hasta los primeros lanzamientos de su próximo álbum.
Los primeros singles: “Púrpura”, “Andrómeda” & “Terraza”
“Púrpura”salió a la luz el 17 de agosto de 2018 y fue el disparador de la carrera de Wos como solista: una de las canciones más agresivas del artista y la más similar a su estilo como rapero de freestyle, donde reflexiona sobre sus inicios como figura pública y el rumbo que quiere emprender en la industria de la música.
«Púrpura» (2018), «Andrómeda» (2018) y «Terraza» (2019)
En octubre de ese año llegó “Andrómeda”, donde Wos se puso aún más introspectivo e hiló una serie de confesiones. Incluso habló sobre su manera de ver el amor, con frases transparentes como: “¿No puedo amar o sólo no amo como aman los demás? / ¿Cómo hay que amar? / ¿Hay que amar? / Hay que desarmar los preceptos hechos y tirarse al mar”. La canción cierra con la línea “Hay que ser valiente para pelear con tu sombra”, la manera perfecta de recibir el siguiente single, “Terraza”.
El 22 de marzo de 2019 salió “Terraza”. Wos llevó sus mayores ansiedades a la mesa y reconoció que estaba perdido:“Hoy sólo por primera vez / Diré que me quemé por dentro cuando en serio me miré / Me sinceré, viré y ya no sé qué quiero hacer / Al menos sé lo que no quiero”. A pesar de ser un tema bastante oscuro, tiene una carga de luz en la última línea de su estribillo. El artista encuentra alivio en sus seres queridos:“Dame un abrazo y se me pasa”. Esto es algo que también quedó plasmado en el video del track.
La llegada de «Caravana»
El 4 de octubre de 2019 salió el primer disco de Wos: Caravana. El álbum de 7 canciones logró combinar todas sus facetas y viajar por diversos géneros como el trap, rock, hip hop, pop y hasta toques funk. Su mayor éxito fue “Canguro”, un track con una fuerte carga política que hasta hoy logró acumular más de 156 millones de reproducciones en YouTube.
Su introducción (que también funciona como outro) no falla en llamar la atención. Es la apertura ideal para anunciar el giro que toma el track en el medio: de repente sorprende con un beat pesado que pega como pocos. Su primera estrofa le hace justicia con la frase: “Patada de canguro / golpe duro”.
“Fresco” es la más alegre de Caravana, donde juega con una producción funk y “Melón Vino” es una de las canciones más optimistas de Wos, con una temática que mezcla el romance con la amistad. En este track promete lealtad a sus seres queridos: “Cuando esta vida rara y descarada se lleve puesto a algún amigo / Cuando lo más común pierda sentido / Siempre vas a poder venir conmigo”.
Uno de los highlights del proyecto es “Luz Delito”, donde apostó por una producción rockera sobre el riff de “Luzbelito”, el tema de Los Redondos. Wos pisa el acelerador en la guitarra para un instrumental que roza lo peligroso. La canción toca temas como la religión y cierra con la frase: “Combino un flow demasiado argentino / Demasiado duro pa’l mal gusto de tus amigos”.
«Tres Puntos Suspensivos», una sorpresa de cuarentena
El 21 de mayo de 2020 llegó el EP Tres Puntos Suspensivos, uno de los primeros proyectos musicales que nacieron en la cuarentena. Compuesto por cuatro canciones, es probablemente lo más similar a la vibra de “Andrómeda”, con una producción soñadora y espacial, pero suma un sonido más detallado y refrescante de parte de Wos.
“Ojeras Negras” es el disparador del EP, donde se remonta a las emociones de “Terraza”: “No sé si soy cada vez más yo o cada vez más otro / Me desmayo porque no me hallo en mi rostro / Todo está negro alrededor y no me reconozco”. La letra describe a la perfección las angustias que dominaban en esa época de encierro total: “No sé meditar, me gana la ansiedad / No sé levitar, me agarra la gravedad”.
Wos logró emitir a la perfección una sensación de nostalgia en el EP, un sentimiento que sin duda fue uno de los más presentes en el 2020. Esto se notó sobre todo en “Alma Dinamita”, un track romántico donde una vez más mostró sus habilidades para cantar. En sus líneas habla sobre alguien que lo ayuda a volver a su verdadero ser: “Cada vez que yo no me encuentro en mí / Voy a vos para revivir”.
Wos se prepara para su segundo disco
A principios de noviembre, Wos brindó “Mugre”, el primer single de su segundo álbum. En este caso bajó un poco el volumen para comunicarse casi susurrando, como si se tratara de un monólogo. Sobre una producción minimalista, habló sobre la ansiedad que le produce el paso del tiempo: “Mi alma se pone fea cuando el día amanece / Y el sol pregunta a gritos: ¿hoy qué vas a hacer?”.
Luego expresó la relación complicada que tiene con su carrera y la fama: “Perdido en la muchedumbre / Entre sueños que te aturden / En la calma que se pudre / Tu carne es incertidumbre”. “Mugre” no fue lo último que recibimos de parte de Wos: el 17 de diciembre lanzó “Convoy Jarana”, donde optó por un track colorido de estribillo pegadizo:“Los colores como en un pelotero / Abrí los ojos y tiré del gotero / Mi cabeza como en un lavadero / Ahora canto por si muero”. Incluso incluyó un guiño a su primer disco: “Sean todas bienvenidas a esta caravana”.
«Convoy Jarana» es el single más reciente de Wos
A lo largo de su carrera, Wos demostró su talento para crear arte a partir de las situaciones más angustiantes y en los contextos más inesperados, siempre con la presencia de las personas más importantes para él. Con apenas 23 años, logró construir una discografía llena de color que se ganó el corazón de una inmensa base de admiradores. Sin embargo, esto recién empieza: 2021 traerá su segundo álbum y, con este lanzamiento, una nueva era del artista.
2020 llegó a su fin. Este año sin precedentes fue como ningún otro: nos presentó desafíos, obstáculos y complicaciones que tuvimos que atravesar. Algo que no podemos negar es que todos cambiamos y crecimos en formas inimaginables, y aprendimos a valorar nuestros vínculos más que nunca durante el aislamiento.
Sin embargo, en la soledad tuvimos a una compañera que nunca nos abandonó: la música. Un montón de artistas exploraron nuevos territorios en un contexto lleno de incertidumbre, algo que llevó a la creación de proyectos inolvidables. En FOMO seleccionamos 20 discos que definieron el 2020 y ayudaron a sobrellevar esta etapa.
Calambre – Nathy Peluso
En Calambre Nathy Peluso demostró que cualquier género musical lo puede hacer propio y no se atiene a ninguna regla. El álbum contiene los hits “Sana Sana” y “Buenos Aires”, que de una manera u otra hacen referencia a Argentina, el país de origen de la cantante. Sin embargo, también incursiona en el hip hop en temas como “Business Woman”, la salsa en “Puro Veneno” y un tono más bailable mezclado con reggaetón en “Amor Salvaje”. Nathy habla de su sexualidad, sus raíces argentinas y la vulnerabilidad sin filtro. Este fue uno de los proyectos latinoamericanos más aclamados del año.
Temas clave: “Buenos Aires”, “Puro Veneno” y “Trío”
Dua Lipa se encargó de traer los años ‘80 con su álbum Future Nostalgia y se apoderó del 2020 de tal manera que el trabajo recibió dos nominaciones a los Grammys: Mejor Álbum Pop Vocal y Álbum del Año. La cantante comenzó esta era con el single “Don’t Start Now” que alcanzó el #2 en el Billboard Hot 100 y permaneció en el chart por 23 semanas. Además, el single obtuvo tres nominaciones a los Grammys, entre ellas Récord y Canción del Año. A ésta le siguieron los éxitos “Physical”, “Hallucinate” y “Levitating” que demostraron que Dua Lipa pudo darle su giro personal a la estética ochentosa para hablar de feminismo, desamor y empoderamiento.
Temas clave: “Don’t Start Now”, “Levitating”, “Love Again”
El cuarto álbum de estudio de Abel tiene un sonido que lo llevó al éxito con singles como “Blinding Lights” y “Heartless” pero que cuentan una historia desgarradora y lo más sincera posible. Fiel a su sonido, After Hours es un disco R&B en su máximo esplendor con una pizca de un pop disfrazado. Es un trabajo con distintas facetas: amor, violencia, y la oscuridad que lo rodea hasta llegar a “Until I Bleed Out” en donde canta que ya no puede seguir más en esa relación de la que habla. A pesar de ser considerado uno de los mejores discos del 2020, no obtuvo ninguna nominación a los Grammys, uno de los mayores snubs de este año.
Temas clave: “Scared To Live”, “Faith” y “Save Your Tears”.
YHLQMDLG – Bad Bunny
En YHLQMDLG (Yo Hago Lo Que Me Da La Gana), Bad Bunny nos transporta a un ritmo de fiesta constante en el que demuestra no encontrar ningún límite. El artista, que comenzó teniendo hit tras hit en la escena del trap latino, sabe que no tiene nada que probar. Así, presenta este trabajo que nos remonta al reggaetón del pasado, tomando influencias de Daddy Yankee y Ñengo Flow, pero le otorga su propio toque para crear un reggaetón propio. La filosofía del disco es divertirse mientras incursiona en temas desde el respeto hacia las mujeres en “Yo Perreo Sola” hasta salir de fiesta como en “Safaera”. Bad Bunny hace un homenaje a sus raíces latinas y a su país natal, Puerto Rico, en este álbum que roza lo perfecto.
Temas clave: “Yo Perreo Sola”, “Safaera”, “Si Veo A Tu Mamá”
Miley Cyrus dejó la peluca de Hannah Montana hace varios años, pero una vez más logró reinventarse. Esta vez, trajo el rock y punk de los años 80 fusionados de una manera casi sigilosa con un disco pop. Invitados de lujo formaron parte de este trabajo: Joan Jett en “Bad Karma”, Billy Idol en “Night Crawling” y Dua Lipa en “Prisoner”. El séptimo álbum de estudio de Cyrus debutó en el puesto #1 del Top Rock Albums de Billboard y hasta el día de hoy, lleva cuatro semanas en los charts. Plastic Hearts es el álbum que libera nuevamente a Miley como lo hizo Bangerz: honesto, único y que además, demuestra su versatilidad como artista.
Temas clave: “Night Crawling (feat. Billy Idol)», “Angels Like You”, y “Plastic Hearts”.
Parece mentira que Manic salió este año, cuando la pandemia ni siquiera se asomaba. Halsey dejó atrás las tierras de fantasía que creó en Badlands y Hopeless Fountain Kingdom para presentarse sin paredes y como ella misma, en su versión más cruda y vulnerable: Ashley Nicolette Frangipane. Su tercer disco es un viaje por todo el espectro emocional con la saturación al máximo y, así como explora todo tipo de sentimientos, hace lo mismo con los géneros. ¿La estrella del proyecto? “929”, una canción plagada de confesiones que volcó en el momento de su grabación.
Temas clave: “Ashley”, “Graveyard” y “929”
Sawayama – Rina Sawayama
El álbum debut de Rina Sawayama dio de qué hablar en este 2020. La británico-japonesa fusiona de tal manera un pop chicloso con un rock pesado a tal punto que parece que pasamos de escuchar a una Britney Spears a una Evanescence. Es un disco que te hace viajar a los 2000s, en donde la moda era el pop y el hard metal: dos polos opuestos que Rina toma como propios y los fusiona en canciones como “Dynasty” y “STFU!”. Si en Rina ya nos había hecho viajar, con Sawayama explora diferentes facetas de su propio estilo para volverlas aún más icónicas.
Temas clave: “XS”, “STFU!” y “Who’s Gonna Save You Now”
The New Abnormal – The Strokes
The Strokes regresaron cuatro años después de Future Present Past, el EP que sacaron en 2016. The New Abnormal es una declaración de amor a la década de los 80s, con tonos melancólicos y soñadores. Julian Casablancas exploró como nunca sus posibilidades como vocalista: su falsetto brilla especialmente en el track “Eternal Summer”. Considerando que el disco salió en abril durante la cuarentena, la canción que se siente más cercana es “Why Are Sundays So Depressing”, con frases nostálgicas y retrospectivas.
Temas clave: “The Adults Are Talking”, “Eternal Summer” y “Why Are Sundays So Depressing”
Chip Chrome & The Mono-Tones – The Neighbourhood
Chip Chrome & The Mono-Tones es uno de los proyectos más refrescantes del año. The Neighbourhood se reinventó a raíz de una crisis existencial originada en los efectos de la fama y sus miembros crearon al personaje de Chip Chrome para representar todos aquellos aspectos superficiales que querían dejar atrás. El álbum explora una faceta nueva de la banda y aporta un giro a los sonidos californianos y apocalípticos que la caracterizan.
Temas clave: “Pretty Boy”, “Devil’s Advocate” y “Tobacco Sunburst”
Lo único desafortunado de Colores es que salió un día antes de la cuarentena. Este álbum es un hit bailable tras otro y fue casi doloroso escucharlo encerrados en nuestras casas. J Balvin bautizó a cada canción con el nombre de un color según lo que transmite cada una. Como era de esperarse por su título, “Negro” es la más oscura y enigmática del proyecto, cuyo beat invita a bailar desde el primer segundo. Otro de los highlights es “Blanco”, donde canta sobre Medellín, su ciudad natal. El cantante eligió este color para representar el lienzo en blanco donde comenzó su historia.
Temas clave: “Rojo”, “Negro” y “Blanco”
Una Niña Inútil – Cazzu
Cazzu hiló su historia con Alfonsina Storni en Una Niña Inútil. Este proyecto de siete canciones nombró a cada track en honor a los poemas de la escritora argentina y vinculó sus temáticas con las propias experiencias de la jefa del trap. Lo más sorprendente del disco es el rumbo que eligió en su sonido, con tonos de r&b y soul cruzados con el género que la caracteriza. Su producción detallada esconde referencias a Storni y efectos de sonido que nos sumergen en su historia, con algunas de las mejores interpretaciones vocales de parte de la cantante jujeña.
Temas clave: “Dulce Tortura” y “Romance De La Venganza”
Una de las grandes revelaciones del 2020: Bea Kristi Laus, bajo el nombre artístico de Beabadoobee, sacó su álbum debut Fake It Flowers en octubre y llenó un hueco que había en el rock alternativo. Su proyecto es como acceder a sus mayores intimidades por medio de sus más grandes influencias, con el sonido del rock de los 90s y principios del milenio, algo que quedó representado en su single “Care”. Sin embargo, supo cómo cambiar el rumbo para abrirnos las puertas a los rincones más oscuros de su cabeza, con tracks que incluyen arreglos de cuerdas e invitan a enamorarse. Su gran abanico de temáticas recorre desde la depresión, el bullying y la vida como artista, hasta su noviazgo y la pérdida de amistades.
Conan Gray sacó su álbum debut Kid Krow en marzo de este año. El cantante se convirtió en una voz ideal para representar a su generación y llegó a los corazones de sus oyentes con esta carta de amor para sus amigos, algo que no se ve muy seguido en la industria musical. “Heather” se transformó en su más grande hit luego de que se viralizó en TikTok debido al complicado triángulo amoroso que envuelve, y el estribillo de “Maniac” es uno de los highlights del proyecto. Sin embargo, el valor está también en las joyitas que susurra el cantante: los intervalos “(Online Love)” y “(Can We Be Friends?)”.
El frontman Matty Healy definió a Notes On A Conditional Form como “el fin de una era”. The 1975 cerró la década con su cuarto disco compuesto por 22 canciones que resumen la evolución de su sonido. Este viaja por diversos géneros, desde el punk en “People” y el country en “The Birthday Party”, hasta el pop-rock de los 2000 en “Me & You Together Song”, sin olvidar los tracks instrumentales de producción electro que nunca faltaron en su discografía. Matty se muestra más transparente que nunca y cierra el proyecto con “Guys”, un mensaje de amor para la banda.
Temas clave: “People”, “The Birthday Party” y “Nothing Revealed / Everything Denied”
Cami Gallardo se dio a conocer gracias a “La Voz” en Chile. Si bien perdió el concurso, su carrera no dejó de crecer: en 2019 recibió dos nominaciones a los Latin Grammys y este año está nominada a los Grammys del año que viene en la categoría Mejor Álbum Latino de Música Pop o Alternativa por Monstruo. El álbum se influencia del folklore con una producción que posee muchos bombos, flautas y una voz potente, desgarradora y desnuda. En “Aquí Estoy” la cantante hace un recorrido de su vida para explicar cómo llegó a donde está.
Luego se une al trapero argentino Wos en “Funeral”, donde entierra un amor pasado sin ninguna pena, y en “La Despedida” admite que extraña a su amor, pero acepta que deben separarse. Cami presenta un proyecto lleno de pasión y potencia, en el que encuentra su propia fuerza y demuestra que no tiene que pedir perdón por ser quien es ni lo que quiere. Como en el cuento de la “Bella y la Bestia”, ella no es la princesa, sino el monstruo.
Temas clave: «Aquí Estoy», «La Despedida» y «Funeral (feat. WOS)»
Chromatica – Lady Gaga
Gaga dejó el sombrero de Joanne para volver a sus raíces pop con Chromatica. Este mundonos lleva a una utopía dance pop y electro que nos hizo bailar en medio de la cuarentena. “Stupid Love” nos anticipó una era nostálgica parecida a la Lady Gaga de los 2010s y nos sorprendió con las colaboraciones de BLACKPINK en “Sour Candy”, Ariana Grande en “Rain On Me” y el mismísimo Elton John en “Sine From Above”.
Para este álbum, Lady Gaga creó su propio mundo y nos lleva con ella en este viaje en el cual no nos permite aburrirnos. En este proyecto no tiene miedo de experimentar y llevar su voz a lugares incómodos y extremos, ya sea con sonidos agresivos, teatrales o rasposos. Así, este es uno de los álbumes más personales de la artista, pero eso no significa que no pueda jugar con los sonidos y desafiarse a sí misma en el trayecto. En Chromatica, Gaga deja el sufrimiento detrás e invita a todos a acompañarla.
Temas clave: “Babylon”, “911” y “Replay”
Folklore – Taylor Swift
En plena pandemia, Taylor Swift lanzó un álbum de la noche a la mañana, sin promoción ni aviso, y le regaló a sus fans Folklore. Si bien las sorpresas pueden salir bien como mal, a ella le salió perfecto. No solo volvió a demostrar su talento como compositora, sino que también parece haber encontrado el género que le queda cómodo. Según explicó, a diferencia de sus otros trabajos, Folklore es sobre historias de otras personas además de las propias (tanto del presente como del pasado, o gente que ni siquiera existe).
En “The Last Great American Dynasty” cuenta la historia de Rebekah Harkness, esposa del heredero de Standard Oil que vivió en la mansión de la que hoy Taylor es dueña. Luego, presenta una trilogía con las canciones “Cardigan”, “Betty” y “August”, que cuenta el triángulo amoroso entre tres adolescentes y cada canción corresponde al punto de vista de cada uno. Además, presenta su lado feminista en “Mad Woman” y cuenta cómo se siente conectada por el destino con su pareja, Joe Alwin, en “Invisible String”. Folklore es un proyecto que cierra por todos lados y recibió dos nominaciones a los Grammys, entre ellas Álbum del Año.
Temas clave: “Betty”, “Invisible String” e “Illicit Affairs”
Positions – Ariana Grande
Muchas opiniones distintas y contrapuestas llevaron a Positions a debutar en el puesto #1 del Billboard 200. Ariana Grande anunció el álbum sin previo aviso a mediados de octubre con un tweet: “I can’t wait to give you my album this month”. El primer single, “Positions”, anticipó la temática central del sexto álbum de estudio de Ariana: lujuria, sexo y amor. El disco no se centra en un género, sino que es una mezcla entre R&B y pop con ese toque mágico de Ariana Grande con whistle notes.
“Positions” es un álbum maduro y auténtico, en donde no sólo vimos el crecimiento artístico y personal de Ariana sino que también nos hizo volar a sus diferentes eras pasadas como Yours Truly en “Shut up” o Sweetener en “Love Language” y “Motive”. Si bien es uno de los más personales, no logró destronar a Sweetener.
Temas clave: “Safety Net (feat. Ty Dolla $ign)», “Love Language” y “POV”
In A Dream – Troye Sivan
Si bien no es un álbum per se, en su EP In a Dream Troye Sivan se vuelve vulnerable y nos expone su corazón roto. En canciones como “STUD” habla acerca de sus inseguridades y de cómo no siente que alcanza los estándares de belleza dentro de la comunidad gay. Luego, en “Easy” habla sobre cómo engañó a su pareja con otra persona; y en “In A Dream” se siente atormentado por alguien que creía obligado y lo persigue en sueños. Para este EP, Troye toma un sonido ochentoso y nos da tanto baladas como temas bailables. Si bien Sivan ya relató experiencias personales en trabajos previos, éste se presenta como el más personal y crudo.
Temas clave: «Stud», «Rager Teenager!» y «Take Yourself Home»
Charli, siempre fiel a su sonido, nos trajo una versión recargada de ella misma en How I’m Feeling Now. Pop alternativo, electro y dance son los géneros que marcaron este último trabajo: un disco definido por lo futurista, los sintetizadores y esos sonidos disruptivos que marcan un antes y un después en cada track. En tan solo 39 días logró armar este discazo con 11 canciones que se ponen cada vez mejor hasta llegar al climax en “Visions”. La manera en la que Charli tiene el mando en todo lo que hace y en sus tiempos es única. Un álbum que no necesitó colaboraciones y donde se puede apreciar a la perfección su voz y su mente creativa.
Cuando comenzó el mes, el mundo fue sacudido por las elecciones presidenciales de Estados Unidos. Joe Biden, quien representó al partido demócrata, se enfrentó a Donald Trump, del partido republicano, para impedir que sea reelecto. El conteo de votos inició el 3 de noviembre y, luego de cuatro días plagados de estrés e incertidumbre, Biden se llevó la victoria como el candidato más votado de la historia.
Una de las características de las elecciones estadounidenses es que los ciudadanos no tienen la obligación de votar, pero tienen la ventaja de que pueden hacerlo con anticipación, ya sea online o por correo. Esto fue un factor muy importante en la campaña de Biden, ya que impulsó a que la gente lo haga desde sus casas para protegerse de la pandemia del coronavirus. Mientras tanto, cientos de celebridades y figuras públicas lo ayudaron a difundir este mensaje, no sólo para motivar a sus seguidores a votar sino también para derrotar a Trump.
Finneas fue uno de los famosos que llevó la bandera de Biden y se mantuvo increíblemente activo en las redes sociales para que Trump no sea reelecto, algo que también comunicó a través de su música. Este año lanzó tres singles llenos de carga política: “What They’ll Say About Us”, “Can’t Wait To be Dead” y “Where The Poison Is”.
“What They’ll Say About Us” salió el 2 de septiembre y es una conmovedora balada que abarca varios temas que fueron de gran importancia este año, como la pandemia y Black Lives Matter, que a mitad de año se convirtió en el movimiento de derechos civiles más grande de la historia. Esta canción fue inspirada por el caso de Nick Cordero, un actor de Broadway que falleció a causa del coronavirus. Finneas le dedicó esta canción a su hijo Elvis y a su esposa, Amanda Kloots, quien compartió un emotivo video entre lágrimas como respuesta.
El 21 de octubre llegó “Can’t Wait To Be Dead”. Esta vez Finneas exploró una faceta más rockera: en la mitad del track, llevó sus letras al máximo volumen sobre guitarras eléctricas y coros llenos de frustración. Con la línea “Another sunburn with hair, it’s too much fun not to stare”, hace referencia al caótico gobierno de Donald Trump. Además de haber perjudicado a varias comunidades en su país, se convirtió en una figura pública que no dejó de brindar desastres mediáticos y llamar la atención del planeta entero.
Finneas ataca de manera directa a los defensores de la supremacía blanca y señala que no debería ser una razón de orgullo: “Somebody’s wasting my time / Fuck your Confederate flag, you’ve got no reason to brag”. Por otro lado asegura que, en caso de conseguir el triunfo de Biden, aún quedaría mucho por cambiar y mejorar: “Somebody’s ripping you off, trying’ to sell you good news / You know we’re still gonna lose”.
El sábado 7 de noviembre, se confirmó que Joe Biden ganó las elecciones y se convertirá en el próximo presidente de los Estados Unidos. Apenas se anunció su triunfo, Finneas lanzó “Where The Poison Is” junto a un mensaje dirigido a Trump: “You’re fired” («Estás despedido»). Esta canción es una crítica sin filtro hacia él, que combinó con una producción oscura similar a la que hace para los tracks de su hermana, Billie Eilish.
La frase “They’ll never know if they weren’t here / When the month of March felt more like 40 years”, es una observación sobre lo dura que es la pandemia y el aislamiento social. Estados Unidos se convirtió en el país con más casos y muertes del mundo, algo que puede relacionarse con las medidas que Trump se negó a aplicar, como el uso de barbijo obligatorio: “When all my friends get sick, it’s on the President / When all my friends get sick, it’s on his government”.
Finneas no se guardó nada y aprovechó su voz para apostar por un futuro mejor. Desde su lugar como celebridad, pidió durante meses que los estadounidenses no permitan que el gobierno de Trump continúe y, al ver el triunfo de Biden, pudo respirar de nuevo. El cantante inmortalizó el momento con una inolvidable despedida que recibe una nueva era.
Bea Kristi, conocida como Beabadoobee, saltó a los charts gracias al éxito de su single “Coffee”, que se viralizó en TikTok en febrero de este año. El pasado 16 de octubre, la cantante de 20 años sacó su álbum debut Fake It Flowers, un proyecto donde mostró sus verdaderos colores y exprimió al máximo su potencial como artista de rock alternativo, influenciada por los sonidos ásperos de los 90s y el rock del principio del milenio.
«Fake It Flowers» (2020)
Fake It Flowers pisa el acelerador desde su inicio con una explosión de guitarras eléctricas: “Care”. Este es un pegajoso track inspirado por el rock de los 2000 que sería perfecto para ambientar una película adolescente de la época. Bea reflexiona sobre una situación de su pasado que aún la atormenta: “It’s been a while since I’ve talked about it / Maybe it’s time to cooperate / I need some help to forget about it”. A pesar de querer poner su angustia en palabras, sabe que nunca la van a entender por completo porque cada uno es el espectador de su propia vida.
“Dye It Red” nace desde el mismo lugar de frustración, pero esta vez en la piel de una amiga que sufre abuso emocional. Este tema es un mensaje de apoyo y empoderamiento para que otras chicas puedan dejar esas relaciones tóxicas atrás. El crecimiento de cada uno no debe ajustarse a otra persona, sino que es un proceso individual: “And maybe it’s time to change my ways / But that doesn’t include you”.
Fake It Flowers cuenta con un intervalo: “Back To Mars” funciona como una puerta a los rincones más oscuros y vulnerables de Bea, que son introducidos por esta balada lo-fi de un minuto y medio sobre sus ganas de regresar al pasado. De repente, los oyentes del disco son transportados a los recuerdos más reveladores de la joven cantante.
“Charlie Brown” lleva el nombre del mejor amigo de Snoopy, el simpático perrito de los comics. Bea lleva una de sus tiras tatuada en el brazo, por una razón tanto dolorosa como dulce. Ella se autolesionaba cuando era adolescente y decidió llevar el tatuaje en la misma zona donde solía herirse: “Too bad that Charlie Brown / Has inked you up to slow you down”.
El comic la protege de autolesionarse de nuevo, pero también le recuerda que, así como Charlie tenía a Snoopy, ella está acompañada por personas que nunca la abandonarán. Esta canción es la más pesada de Fake It Flowers y un grito directo desde la panza, donde exclama con todas sus fuerzas para descargar su trauma y dejar sus viejos hábitos atrás.
“Emo Song” pone la lupa sobre la temática de “Care”: Bea se sumerge en las profundidades de su cabeza para comprender mejor sus emociones y, en lugar de ocultarse detrás de sus paredes, muestra sus heridas con una balada que suena como un viaje por el espacio.
La cantante se siente desprendida de la realidad debido a su depresión: “You’re not a person or a thing”. Al ser una canción tan personal, Bea advirtió que no podría tocarla en vivo. Sin embargo, el día en el que salió Fake It Flowers, publicó una sesión live del disco que incluye «Emo Song».
La versión en vivo de «Fake It Flowers»
“Sorry” es la culminación del caos noventoso en Fake It Flowers. Bea habla sobre la pérdida de una amistad: esta persona cayó en la drogadicción y ella no supo cómo ayudarla, razón por la cual le pide perdón al borde de las lágrimas. Ella lamenta que su amigo no haya podido escapar de sus demonios como ella lo hizo: “It hurts me / That you could be the one that deserved this even more / But you stayed in the same dark place”. Su melodía mezcla a la perfección la impotencia de las guitarras eléctricas con la melancolía de los violines.
En su adolescencia, Bea fue el blanco de críticas y comentarios cuando iba al colegio. En “Further Away” se acepta a sí misma y deja de lado las opiniones ajenas, mientras apunta hacia quienes la atacaron sin necesidad en lugar de enfocarse en sus propias vidas: “Was it so hard to keep your mouth shut? / You say the moon’s miles away / But your brain’s further away”.
Bea lleva casi cinco años de novia con Soren Harrison, un joven director con quien desarrolla el aspecto visual de su carrera. “Horen Sarrison”, en cuyo título volteó sus iniciales, es una canción en la que confiesa que su amor por él no tiene límites. Este es uno de los highlights en Fake It Flowers debido a su elaborada y soñadora producción: una tierna carta recitada sobre un compás de tres cuartos que baila sobre un arreglo de cuerdas, ideal para ilustrar un romance épico.
Inspirada por varios años de giras por el mundo, Bea escribió “Together”, donde se identifica como una persona dependiente que debe aprender a manejarse sola y a estar alejada de sus seres queridos como efecto secundario de su carrera. En el tema, se da cuenta de que puede soportar la soledad, pero que sus mejores momentos son cuando está con ellos: “I think I’m okay by myself, I’m doing great / But we’d be better together”.
Fake It Flowers es un turbulento recorrido por la mente de Beabadoobeeque logra resumir los sucesos más impactantes de su vida en doce canciones. El álbum es un rayo de luz en la escena alternativa que se siente fresco e intenso a la vez, gracias al talento de la compositora para atraparnos con melodías nostálgicas y la intimidad de sus mayores confesiones. Sin duda, merecen ser cantadas a todo pulmón.
Wallows, la banda californiana compuesta por Braeden Lemasters, Cole Preston y Dylan Minnette, lanzó su álbum debut Nothing Happens en marzo de 2019. Este los puso en el mapa como un grupo de indie rock con un sonido alegre, juvenil y lleno de luz, que se ve reflejado en sus hits «Scrawny» y «Are You Bored Yet?», una colaboración con la cantante Clairo.
Gracias al repentino éxito del primer disco, Wallows se preparó para encarar una gira mundial e incluso tenían una parada en el Lollapalooza de Argentina en marzo de 2020. Lamentablemente, sus planes se desviaron con la llegada de la pandemia y tuvieron que cancelar la gira, pero esto no los detuvo: los músicos aprovecharon la cuarentena para grabar Remote, un EP que lanzaron este viernes 23 de octubre.
«Nothing Happens» (2019) y «Remote» (2020)
Remote fue grabado de principio a fin durante los primeros dos meses del aislamiento, con los músicos separados. Braeden, Cole y Dylan se pasaron decenas de horas hablando por Facetime con sus productores para concretar el EP, ya que debían combinar las grabaciones que cada uno hacía en su propia casa. El resultado fueron seis canciones que reflexionan sobre la comunicación y las relaciones modernas.
El EP arranca con «Virtual Aerobics», una canción que refleja el espíritu alegre que proyecta la banda a lo largo de Remote. Una de las características principales del EP es que, a pesar de que fue grabado en una etapa de mucha angustia e incertidumbre, los miembros del grupo crearon algunos de los tracks más animados de su carrera.
En «Virtual Aerobics» hablan de la necesidad de impresionar a otra persona para agradarle, sobre todo durante los primeros tiempos de una relación. Dylan se encargó de brindar su voz en este track, donde reflexiona sobre cómo esta persona cambia su visión del mundo y lo hace ver la belleza en todo lo que lo rodea: «There’s no color in San Francisco / You laughed and said, ‘Just look around you’ / Being here for the first time with you / It lets me see it totally new».
La canción fluye directamente hacia «Dig What You Dug», un tema que habla sobre las falsas apariencias. Al actuar como personas que no somos, podemos perdernos y convertirnos en alguien que no queremos ser: «You never wanted all the friends you’ve got / Turned into someone that you know you’re not». Su melodía es una de las más fieles al sonido original de Wallows y desemboca repentinamente en «Nobody Gets Me (Like You)», el primer single de Remote.
«Nobody Gets Me Like You» expresa el sentimiento que invade cuando encontramos a alguien que nos entiende a la perfección: «Keep pulling me closer to you / ‘Cause nobody gets me like you». En este caso, Braeden se puso frente al micrófono y cantó sobre el deseo de conocer a alguien en profundidad y seguir avanzando con una relación que se ve prometedora: «I’m not that simple / Come see me through».
«Coastlines» es uno de los momentos más vulnerables en Remote. Dylan canta sobre una relación a distancia y lo difícil que puede ser mantenerla, sobre todo cuando la comunicación puede generar malentendidos: «Stare at pictures of you ’til I’m blind / Do your words make up what’s on your mind?».
«Talk Like That» habla sobre la dolorosa situación que uno atraviesa cuando está enganchado con una persona que no le devuelve el mismo nivel de compromiso que busca. Por lo tanto, termina sobreviviendo con las más mínimas señales de afecto y atención:«Imply one thing and I’ll think about it for days / What’s my reaction without giving it away?«. Esta persona brinda justo lo suficiente para mantener el contacto, pero nunca cruza la línea hacia algo serio.
Remote cierra con «Wish Me Luck», un track donde la banda baja un poco el volumen. Dylan habla sobre la sensación de encierro al guardarse sus inseguridades y no poder expresarlas por miedo a lo que piense otro: «I don’t wanna lose myself to all my insecurities / If I told you all of them, who would it hurt more, you or me?».
Wallows logró crear un proyecto a la distancia que no falla en provocar sonrisas y transmitir alegría, a pesar de haber nacido en una época tan gris. La banda construyó Remote desde un lugar de angustia, pero decidió alejarse completamente del contexto actual para concentrarse en otras temáticas y que sus oyentes puedan escapar del mundo real.
En 2015, Twenty One Pilots hizo su gran salto a los charts con Blurryface, su cuarto disco, al convertirse en nro. 1 en el Billboard 200. Su single más exitoso, “Stressed Out” sonó en la radio sin parar y fue uno de los grandes hits de ese año. El álbum conceptual, que oculta tonos oscuros entre pegajosas melodías, se centraba en la ansiedad, la inseguridad y la depresión.
El dúo compuesto por Tyler Joseph y Josh Dun decidió utilizar el término Blurryface para un personaje que representa estas emociones. El 5 de octubre de 2018, lanzaron Trench, un proyecto que funciona como su contracara y que se convirtió en un símbolo de esperanza y resistencia para su base de fanáticos. Esta semana, el álbum cumplió dos años.
«Blurryface» (2015) y «Trench» (2018)
Así como en el disco anterior, el grupo plasmó una temática bien clara tanto en su música como en el contenido visual que la acompañó. Durante la época de Blurryface, Tyler se pintaba el cuello y las manos de negro para representar las inseguridades que lo atormentaban, algo que también comunicaban por medio del color rojo. En el caso de Trench, la banda creó una tierra ficticia llamada Dema que cumple el papel de Blurryface.
A lo largo de Trench, Tyler menciona constantemente que está escapando de este lugar, es decir, huyendo de sus inseguridades y depresión. Twenty One Pilots utiliza el amarillo en esta era para simbolizar protección, paz mental y comunidad: en los videos de los singles, este tono alegre es una herramienta para volverse “invisible” frente a las amenazas de Dema y las cintas amarillas en la ropa se convirtieron en un uniforme para sus admiradores.
El primer single de Trench fue también el elegido para abrir el disco: “Jumpsuit” es una de las canciones más pesadas de la banda, con un riff de guitarra denso y agresivo que sirvió a la perfección para el anuncio de una nueva era. Además, su video conecta el álbum con Blurryface gracias a la aparición del personaje. En el tema, Tyler toma la iniciativa de dejar el lado oscuro de su mente y se da cuenta de que existe una salida: el apoyo de sus seres queridos.
«Jumpsuit» conecta Blurryface con el mundo de Trench
“Jumpsuit” fluye sin interrupciones hacia “Levitate”, un tema donde Tyler muestra sus talentos para el rap. En su letra está la explicación detrás de la tapa de Trench. El buitre es un ave que se alimenta de animales muertos: la banda lo compara con su proceso creativo, ya que lograron crecer y componer a partir de temáticas oscuras como la depresión, el dolor y la muerte:“Don’t feed me to the vultures, I am a vulture who feeds on pain”.
«Chlorine» es uno de los singles donde Tyler expresa lo importante que es su música para seguir adelante. Aunque su trabajo sea intenso y muchas veces arduo, su vocación tiene un efecto sanador en su alma, que lo ayuda a escapar de la realidad y, en el proceso, encontrarse con las partes más puras de sí mismo:«Lovin’ what I’m tasting / Venom on my tongue, dependent at times / Poisonous vibrations / Help my body run».
«My Blood» es un tema que habla sobre uno de los vínculos más especiales para Tyler: sus hermanos. El cantante les promete eterna lealtad a ellos, ya que son las personas que más lo entienden y son los compañeros de vida que nunca se van. Si en algún momento se ven en peligro o se sienten solos, Tyler siempre estará presente para enfrentar sus obstáculos con ellos: «When everyone you thought you knew / Deserts your fight, I’ll go with you / You’re facin’ down a dark hall / I’ll grab my light / And go with you».
En «The Hype» también quedan inmortalizadas las personas más importantes para la banda. Luego del éxito de Blurryface, los miembros tuvieron que plantearse quiénes estaban con ellos por quienes eran y quiénes los querían sólo por su fama. En esta canción expresan su cariño por aquellos que los acompañan incondicionalmente y se enfocan en los vínculos importantes en lugar de los aspectos superficiales: «They might be talking behind your head / Your exterior world can step off instead / It might take some friends and a warmer shirt / But you don’t get thick skin without getting burnt».
Uno de los tracks que más aporta a la trama ficticia de Trench es “Nico And The Niners”, un track de vibras reggae que funciona como un plan para dejar Dema. Sin embargo, Tyler no lo hace solo, sino que está acompañado por un grupo de rebeldes que están en la misma situación que él, llamados “Banditos”.
Estas personas son las que fueron mencionadas en “Jumpsuit”: los seres queridos del dúo, sus admiradores y todos aquellos que alguna vez se sintieron encerrados entre las paredes de su propia mente. Si trabajan juntos, podrán superar sus obstáculos y llegar a un lugar mejor: “What I say when I want to be enough / What a beautiful day for making a break for it / We’ll find a way to pay for it”.
“Bandito” es la canción dedicada directamente a la comunidad que construyó Twenty One Pilots. Con la línea “I could take the high road / But I know that I’m going low / I’m a bandito”, el cantante detalla que, debido a sus inseguridades, el camino de su vida no fue fácil. En la letra también explica que creó el mundo de Dema para tomar control sobre su propia cabeza y ver sus emociones negativas de forma concreta, y espera que algún día ya no existan: “I created this world to feel some control / Destroy it if I want”.
Trench llega a un cierre perfecto con “Leave The City”. Esta balada de piano anuncia finalmente la salida de Dema y, a la vez, el fin de esta era de Twenty One Pilots: “In time, I will leave the city / For now, I will stay alive”. La última línea es un guiño a sus admiradores porque siempre tendrán una relación de apoyo mutuo que se fortalece con el paso de los años: “Though I’m far from home / In Trench I’m not alone / These faces facing me”.
Trench es mucho más que un disco: además de ser una experiencia musical conceptual, funciona como el soundtrack de una historia creada por Twenty One Pilots para comunicar un mensaje de esperanza. Luego de un proyecto tan oscuro como Blurryface, este álbum es un rayo de luz en la discografía de la banda que logra conectar con sus oyentes con la promesa de que nunca estaremos solos y que siempre hay un futuro mejor.
En la última década, The 1975 dejó su huella permanente en la escena del rock alternativo. La banda británica despegó en 2013 con un disco lleno de melodías feel good, una estética nostálgica en blanco y negro y la excéntrica presencia de su frontman, Matty Healy. Desde entonces, el grupo revolucionó su sonido y cruzó los límites de diversos géneros para convertirse en la voz de las generaciones modernas y tocar cuestiones como la política, la adicción, el calentamiento global, la fama, el romance y la era digital.
«The 1975» (2013), «I Like It When You Sleep» (2016), «A Brief Inquiry Into Online Relationships» (2018) y «Notes On A Conditional Form» (2020)
El álbum debut fue su salto a la fama: bautizado con el nombre de la banda, es un proyecto conceptual centrado en la adolescencia y las experiencias que nos marcan cuando atravesamos esos años. Matty Healy toma esa perspectiva juvenil para disparar desde un lugar lleno de melodrama e intensidad: a esa edad, creemos que todo lo malo que nos ocurre es nuestro fin. De ahí nace el giro apocalíptico que le da el grupo a esta temática.
The 1975 en 2013, el año de su disco debut
La banda logró plasmar la adolescencia a través de su música como si se tratara del soundtrack para esa generación. El ejemplo más claro de esto es “Robbers”, una canción de aire nostálgico que nunca falla en llegar directo al corazón. Matty, con un tono dolido al borde de los gritos, canta sobre una relación tóxica que va en círculos. Al no poder dejar la relación, no puede crecer: “If you never shoot, you’ll never know / And if you never eat, you’ll never grow”.
“Robbers” también habla sobre los cambios que provoca el paso del tiempo. Para la gran mayoría de nosotros, la entrada a la adultez trae consigo muchos finales. En el proceso, todos se transforman en personas diferentes, ya sea para bien o para mal, pero dejan atrás su pasado. El artista hace referencia a esto al decir que todos, en algún punto, “matan” a una versión vieja de sí mismos: “Now everybody’s dead / And they’re driving past my old school”.
El single más conocido del proyecto es “Chocolate”, un himno a la rebeldía y vivir al límite. Este engloba el sonido ochentoso que predomina en el disco, que también está presente en la canción “Girls”, un tema sobre la incertidumbre y caos del romance juvenil. Matty habla sobre estas relaciones como vínculos efímeros destinados a terminar en corazones rotos:«‘Cause they’re just girls breaking hearts / Eyes bright, uptight, just girls / But she can’t be what you need if she’s seventeen”. En esta canción, la banda toma de nuevo ese tono desafiante: “Where’s the fun in doing what you’re told?”.
En “Heart Out”, Matty reflexiona sobre las consecuencias que puede tener la falta de comunicación: en una etapa donde los jóvenes se descubren a sí mismos, es difícil determinar lo que quieren y expresar sus sentimientos. El cantante trata de encontrar a alguien que le pueda brindar respuestas a las grandes incógnitas que tiene: “It’s just you and I, tonight / Why don’t you figure my heart out?”. Por otro lado, quiere escapar de sus propios pensamientos para ser libre y dejar de vivir en su cabeza: “You got something to say? / Why don’t you speak it out loud, instead of living in your head?”.
The 1975 en 2016, la época en la que lanzaron «I Like It When You Sleep»
El 26 de febrero de 2016 llegó I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It.The 1975 abarcó temas más personales y puntuales, como la adicción de Matty. Su dependencia de las drogas quedó inmortalizada en “UGH!”, donde habla sobre su uso de cocaína y sus efectos secundarios: “And you’re the only thing that’s going on in my mind / Taking over my life a second time”. El artista confiesa que no puede dejar sus hábitos a pesar de que lo están destruyendo: “I know your lungs need filling / Since your gums have lost their feeling / But don’t say that you’re giving it up again”. En 2017, se internó en una clínica de rehabilitación y logró recuperarse.
“Somebody Else” se convirtió en uno de los grandes hits de The 1975: este track, a pesar de construirse sobre un beat electrónico ochentoso, emite un sentimiento de nostalgia y tristeza como ninguna otra canción de la banda. Sus letras desgarradoras dejan expuestos un lado vulnerable de Matty, quien expresa lo que sintió cuando su ex se juntó con otra persona:“I don’t want your body / But I hate to think about you with somebody else / Our love has gone cold / You’re intertwining your soul with somebody else”. Él cuenta que para descargar su angustia, recurrió a sus instrumentos: “So I heard you found somebody else / And at first, I thought it was a lie / I took all my things that make sounds / The rest I can do without”.
Uno de los tracks más llamativos del álbum es “If I Believe In You”, donde Matty plantea por qué no cree en la religión y las contradicciones que observa en el cristianismo: “I mean if it was you that made my body / You probably shouldn’t have made me atheist”. El cantante siente un vacío al creer que no hay un dios y teme no poder superar sus obstáculos solo: “And if I believe you, will that make it stop? / If I told You I need you, is that what you want? / And I’m broken and bleeding and begging for help”.
I Like It When You Sleep también pone el foco en la fama porque, luego del primer álbum, The 1975 alcanzó éxito internacional. En el single “Love Me”, rechazan el lado falso y superficial del estrellato:“You got a beautiful face, but got nothing to say”. Este tema funciona como una burla dirigida a las personas que se enfocan en las características externas, los bienes materiales y la imagen falsa que quieren plasmar en las redes sociales: “You look famous, let’s be friends / And portray we possess something important / And do the things we’d like».
La comunicación moderna se convirtió en una de las temáticas principales en la discografía de The 1975. En noviembre de 2018, la banda lanzó A Brief Inquiry Into Online Relationships, donde explora la influencia del Internet en las personas y cómo se convirtió en un elemento esencial para conectarnos entre nosotros.
“Sincerity Is Scary” es una canción con tonos de jazz que habla sobre los miedos que tienen los humanos de mostrarse como son. El cantante tomó una frase del escritor David Foster Wallace como inspiración para la letra. En sus líneas, detalla cómo utilizamos el sarcasmo como un mecanismo de defensa: “Irony is okay, I suppose / Culture is to blame / You try and mask your pain in the most postmodern way”.
Matty quiere dejar de lado este sentimiento para poder ser fiel a sí mismo, ya que no podemos controlar cómo nos perciben los demás. Si nos enfocamos en las apariencias, nos olvidamos de lo que nos hace verdaderamente felices: “And why would you believe you could control how you’re perceived / When at your best you’re intermediately versed in your own feelings?”.
Matty Healy en el video de «TOOTIMETOOTIMETOOTIME»
Uno de los momentos más controversiales del álbum es “Be My Mistake”: Matty confiesa que engañó a su pareja en esta balada acústica. Él se dirige a la mujer con la que fue infiel y reconoce que lo que hizo fue un error porque no siente nada por ella: “And be my mistake / Then turn out the light / She bought me those jeans / The ones you like / I don’t want to hug / I just want to sleep”. El artista también habló sobre esta situación en el single “TOOTIMETOOTIMETOOTIME”, un tema animado con ritmos latinos.
“Love It If We Made It” es uno de los tracks que más resalta en la obra. Los miembros del grupo recopilaron títulos que publicaron diversos medios a lo largo de un año para escribir la letra. El resultado es una canción agresiva llena de turbulencia y caos que muestra nuestra sociedad actual. Para unir todo lo que menciona, el vocalista canta “I’d love it if we made it”, una frase que expresa el deseo de que su generación pueda cambiar el mundo y sobrevivir para convertirlo en un lugar mejor.
Este deseo de salvar el futuro aparece también “I Like America & America Likes Me”, donde el grupo habla sobre la Asociación Nacional del Rifle (NRA) de Estados Unidos y las leyes que tienen para manejar las armas, que fueron la causa de innumerables masacres en todo el país:“I’m scared of dying (Don’t go) / Is that on fire?”. Es una crítica directa a las autoridades, ya que sólo actúan cuando es demasiado tarde y no hacen nada para evitar futuras tragedias: “Would you please listen? / We can see what’s missing / When you bleed, say so we know”.
The 1975 en 2020: la era de «Notes On A Conditional Form»
El 22 de mayo de este año, The 1975 lanzó su cuarto álbum Notes On A Conditional Form, en el que experimentaron más que nunca con su sonido y apostaron a combinar diversos géneros. La banda anunció que este proyecto simboliza el final de una era para ellos y que, durante un largo período de tiempo, dejarán de hacer música. Su primer single es una introducción instrumental que incluye un monólogo de Greta Thunberg sobre el cambio climático, en el que la joven activista advierte el tiempo limitado que queda para salvar el planeta.
La introducción lleva a “People”, un tema pesado de punk rock donde Matty grita la letra con furia pura. Este tiene un contraste absoluto con el resto de la discografía de The 1975 y, por esta razón, cumple su objetivo: llamar la atención del oyente para que despierte y sea consciente de lo que está pasando en el mundo.
En la segunda estrofa hace referencia a esto: «Wake up, wake up, wake up / We are appalling and we need to stop just watching shit in bed / And I know it sounds boring and we like things that are funny / But we need to get this in our fucking heads”. Con la línea “People like people / They want alive people / The young surprise people / Stop fucking with the kids”, el cantante le habla a las generaciones mayores para que dejen de perjudicar a los jóvenes, ya que son ellos quienes recibirán el planeta cuando ya no estén.
“Nothing Revealed / Everything Denied” es uno de los puntos más transparentes del disco. Matty baja sus paredes para desplegar una serie de confesiones sobre una pista de jazz, como si fuera una forma de catarsis: “Life feels like a lie, I need something to be true / Is there anybody out there?”. Él dice que aún está creciendo e incluso hace un guiño a “Heart Out” con la línea “You can’t figure out a heart, you were lying”, donde reconoce que nunca podrá conocerse por completo.
Además del punk y el jazz, The 1975 exploró otros géneros: “The Birthday Party” es una canción country donde Matty habla sobre sus dificultades para mantenerse sobrio, las tentaciones que lo amenazan y revela que depende de sus amigos para no recaer en la adicción: “I depend / On my friends / To stay clean / As sad as it seems”. En “Me & You Together Song”, la banda nos transporta al pop rock de los 2000 para contar la historia de un amor no recíproco que siente un chico por una amiga suya: un track que sería ideal para una película adolescente de esa época.
Finalmente, Notes On A Conditional Form cierra con “Guys”: Matty quiso escribir una canción de amor dedicada a los miembros de The 1975 y agradecerles por su amistad: “Started wetting my eyes / ‘Cause I’m soft in that department / Right then I realised / You’re the love of my life”. El cantante mira hacia atrás y se emociona al observar su trayectoria como artistas:“The moment that we started a band / Was the best thing that ever happened / And I wish that we could do it again”.
Después de siete años agitados, la banda decidió ponerle una pausa a su carrera y declaró el fin de una era.Notes On A Conditional Form fue el final perfecto para esta etapa: The 1975 se despide temporalmente con un disco que incluye la gran variedad de temas que abarcaron en la última década, entre los cuales se encuentran los principales dilemas que marcan a la juventud de hoy. Este funciona como un resumen de su trayectoria hasta ahora, mientras promete ser un «hasta luego» en lugar de un «adiós».
The 1975: sus canciones esenciales en una playlist
En 2018, The Neighbourhood sacó una serie de EPs que eventualmente se convertirían en la base de su tercer disco: Hard To Imagine The Neighbourhood Ever Changing. Luego de ese lanzamiento, Jesse Rutherford, el frontman de la banda, puso en marcha nuevos proyectos e incluso sacó música como solista. Sin embargo, a la hora de planear el siguiente álbum del grupo, había perdido una mirada objetiva sobre su propia música, lo cual le impedía crecer como artista.
Jesse decidió alejarse de las redes sociales y desconectarse durante nueve meses para dedicarse a sí mismo y experimentar sin tener en cuenta lo que decía el resto. En ese tiempo, fue construyendo un proyecto centrado en el eterno debate entre lo que quiere la banda y la influencia de los comentarios que reciben. Fue así como nació Chip Chrome, un personaje ficticio adicto al Internet que representa el lado más superficial del cantante y depende constantemente de la opinión de los demás.
El pasado viernes 25 de septiembre, llegó Chip Chrome & The Mono-Tones, un disco donde la banda emprendió la búsqueda de un nuevo sonido y expresó el deseo de redescubrirse.El álbum arranca con “Chip Chrome”, una introducción instrumental futurista que funciona como un portal a la nueva era de The Neighbourhood y que desemboca en “Pretty Boy”, una canción que nació a partir de un terremoto.
A simple vista, “Pretty Boy” parece una dulce balada, pero esconde tonos apocalípticos en su letra y melodía. Jesse la escribió luego de pasar un terremoto con su novia, Devon Carlson, y se dio cuenta de que, incluso en las peores situaciones, ella es todo lo que necesita para ser feliz: “Even if my heart stops beating / You’re the only thing I need with me / Even if the Earth starts shaking / You’re the only thing worth taking with me”.
El personaje “Chip Chrome” fue introducido en el video del primer single del álbum, “Middle Of Somewhere”, que salió en agosto de 2019. Jesse reflexiona sobre el camino que recorrió la banda a lo largo de su carrera y, ahora que están dentro de la industria musical, quiere regresar a sus raíces para hallar la esencia de The Neighbourhood otra vez:“Grew up pretty fast, good things never last / You gotta live before you learn / Now I’m somewhere far away from where I started / With no point of return, but I’m turning”.
“Devil’s Advocate” anuncia explícitamente este cambio de ruta: en este tema, el frontman deja atrás la vida del estrellato. Quiere escapar de la parte superficial, insegura y materialista de su personalidad que está representada por Chip:“I trade the whip out for a bike / Designer for some Nikes / Switch the stripper for a wife / Black tie for a white tee / I’ve been moving lightspeed”.
Jesse confiesa que, a pesar de que los miembros de The Neighbourhood son amigos además de colegas, no siempre coincidieron en la dirección que querían tomar en cuanto a su música. En un punto notaron que, si no cambiaban, podían llegar a disolverse. En «Devil’s Advocate» cuentan que estuvieron al borde de separarse, pero se mantuvieron unidos para no decepcionar a sus fanáticos: “Married to my friends / They don’t always like me / I stay together for the kids / I gotta do the right thing”.
Durante su período de aislamiento sin redes sociales, el cantante sabía que la soledad lo ayudaría a bajar la velocidad de su vida agitada y retomar las riendas de su carrera. Esto fue expresado en “Cherry Flavoured”: “I’m doing it alone now / I think I gotta slow down / I know I gotta take control now”. Jesse se había convertido en una persona diferente y, aunque la etapa de recuperación fue difícil, fue necesaria para salir adelante:“Sweet and sour motivation / Wish I could keep concentration”. Este tema navega sobre una pista soñadora y suena como si fuera un vinilo.
“Silver Lining” es una de las canciones que más resaltan en el álbum, cuya melodía tiene una fuerte influencia de Fleetwood Mac. Jesse confiesa que vivió a un ritmo muy acelerado y que, en los últimos años, fue perdiendo su verdadero ser:“You’ve been moving fast, splitting at the seams”. Con la línea “You told them they could beliеve in you / Now you just gotta believe it too”, revela que se preocupó demasiado por impresionar a los demás y se olvidó de enfocarse en lo que él deseaba realmente.
El álbum incluye un intervalo: “The Mono-Tones” hace referencia a todas las voces que tapan los pensamientos de Jesse y lo llevaron a la soledad. Las palabras ajenas, que provienen en su mayoría de usuarios en las redes, afectan sus acciones y no lo dejan ver con claridad: “Voices in my head telling me to make a choice / Everyone yelling making too much noise / I can’t hear myself anymore”.
El track que más se asemeja a los inicios de The Neighbourhood es “Tobacco Sunburst”: este podría formar parte de Wiped Out!, el disco que lanzaron en 2015. Sin embargo, el breakdown fue llevado a otro nivel con un solo de cello que plasma la angustia que transmite Jesse a través de la letra, quien cuenta cómo se sintió cuando tuvo que recapacitar sobre su estilo de vida:“Thought I found myself / Damn, it’s been a while”. El artista no soporta el paso del tiempo porque quiere disfrutar el día a día siendo fiel a sus propios sueños: “I don’t want to wait, any more time / Sick of watching those days roll on by”.
Chip Chrome & The Mono-Toneses un álbum donde quedó bien clara una temática en particular y los miembros convirtieron sus frustraciones en la motivación ideal para crear una de sus obras más transparentes hasta ahora. Cuando se alejaron de las críticas y plantearon un objetivo común, reconocieron las facetas que querían dejar atrás. De esta manera, The Neighbourhood pudo reencontrarse y descubrir su nuevo sonido en un proyecto dedicado a la audiencia que habían olvidado: ellos mismos.
Cuando tenía apenas 14 años, Conan Gray recurrió al Internet para escapar de la vida real: en 2013, decidió armar un canal de YouTube que eventualmente haría despegar su carrera como músico. Hoy tiene más de 20 millones de oyentes mensuales en Spotify, un exitoso álbum debut y un hit que sigue escalando en los charts: “Heather”.
A lo largo de su infancia, el artista vivió de mudanza en mudanza y presenció innumerables peleas familiares que concluyeron en el divorcio de sus padres. Cuando se separaron, se asentó con su mamá y hermana mayor en el estado de Texas, el lugar que considera su verdadera casa y donde conoció a sus mejores amigos, quienes se convirtieron en su segunda familia. Durante ese tiempo, construyó una gran base de fanáticos en su canal de YouTube, donde publicaba vlogs, covers y canciones originales.
El 20 de marzo de este año, lanzó su álbum debut titulado Kid Krow (Chico Cuervo), un nombre que surgió a partir de un apodo que le dieron sus amigos por su mirada oscura y melodramática a la hora de escribir sus temas. En este proyecto, Conan Gray supo crear un espejo para su generación que resuena con sus oyentes desde varios ángulos a través de su talento para contar historias con lujo de detalle.
“Wish You Were Sober” es un claro ejemplo de esto, donde cuenta su experiencia con una persona que solo lo busca cuando está intoxicada. A Conan le angustia este comportamiento porque quiere algo más, pero no puede dejar ir porque aún tiene la esperanza de que la relación va a crecer: “Honestly, you always let me down / And I know we’re not just hanging out”.
“Maniac” es la contracara de “Wish You Were Sober”. Conan habla sobre alguien que se avergüenza de su relación frente a sus amigos, pero le promete a escondidas que lo quiere igual: “Tell them you hate me and dated me just for laughs / So, why do you call me and tell me you want me back?”.En este caso, el cantante se niega a aceptar estas actitudes y decide soltar este vínculo tóxico porque sabe que se merece algo mejor.
Una de las canciones más exitosas de Kid Krow es “Heather”, donde convergen la frustración, los celos y la culpa. Él está enamorado de una persona que, a su vez, está enamorada de Heather, el personaje que protagoniza el track. A pesar de que el cantante se ve consumido por la envidia y la desesperanza, no puede odiar a Heather porque sabe que es una persona increíble. Conan quiere convertirse en ella, pero al mismo tiempo desea que desaparezca:“How could I hate her? She’s such an angel / But then again, kinda wish she were dead”.
Kid Krow cuenta con dos breves intervalos que se sienten como secretos dichos al oído. El primero en aparecer es “(Online Love)”, una pieza acústica que grabó Conan en la habitación de un hotel con su teléfono. En apenas cuatro frases, se pregunta qué pasaría si una relación virtual fuera real:“I can’t help but imagine what maybe could’ve happened / If you weren’t just an online love”. En el fondo, se escucha un audio de sus amigos en el que debaten sobre un vínculo de este estilo.
El segundo interlude es “(Can We Be Friends?)”, un track que promete lealtad incondicional a sus amigos y donde les asegura que los respaldará siempre: “If anybody fucks with you / They fuck with me”. En una entrevista con el conductor de radio Zach Sang, el artista explicó que, en el mundo de la música, hay una gran ausencia de canciones sobre la amistad, razón por la cual es un tema muy presente en todo el disco.
El momento más vulnerable de Kid Krow es “Comfort Crowd”: Conan reveló la soledad que sintió cuando se fue a estudiar a la Universidad de Los Ángeles, California (UCLA), y tuvo que dejar a sus amigos atrás. Lo único que deseaba en esa época era estar acompañado por las personas que más lo entienden y volver al pasado para revivir sus recuerdos favoritos: “We mess around / And laugh too loud / And make the sounds / We try to hide when people are around / By blood we’re bound / Through ups and downs”.
“The Story” es el final perfecto de Kid Krow y la mejor interpretación vocal de todo el disco. Esta canción se convirtió en una de las más populares del cantante donde, una vez más, demostró su pasión por contar historias. Inspirado por situaciones que vivieron él y sus amigos, relata tres tramas que concluyen en giros inesperados para reflexionar sobre las injusticias de la vida:“I’m afraid that’s just the way the world works / It ain’t funny, it ain’t pretty, it ain’t sweet”.
Sin embargo, brinda un rayo de esperanza porque siempre que tuvimos una mala experiencia, el planeta siguió girando y salimos adelante: “And the movie’s always runnin’ in my head / All the people, all the lovers, all my friends / And I hope that they all get their happy end”. Finalmente, promete que este no es el final de la historia y que el futuro está lleno de posibilidades: “Just wait and see / It’s not the end of the story”.
El álbum plasma con crudeza las vivencias más comunes que atraviesan los adolescentes y adultos jóvenes en la actualidad, sus mayores angustias y los sentimientos de incertidumbre y confusión que predominan en esta época. Conan lleva sus emociones al extremo sin escala de grises y le pone un nivel tan alto de pasión a sus letras que pinta todas las historias como cuestiones de vida o muerte. De esta forma, se dirige a su generación en un idioma lleno de drama, intensidad y este tono sarcástico como ingrediente especial.
La característica más admirable de Kid Krow es la variedad de temas que abarca. Conan habla sobre amores no correspondidos, los vínculos en la era digital, los momentos más duros de su infancia, su etapa universitaria y las personas que considera las más importantes en su vida: sus amigos. El artista, quien expresa constantemente el gran lugar que ocupan sus amistades en su corazón, quiso asegurarse de darles un papel protagónico en su proyecto, como si se tratara de una carta de amor para ellos y para sí mismo.
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